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The charm of Uchiko

When Ayaka Sakamoto, a tour guide and friend, told me about the city of Uchiko (内子), I regretfully noticed that this name was totally unknown to me but very quickly, my ignorance gave way to an overflowing curiosity !

Last April, the opportunity arose to go and discover this small town in Ehime prefecture and located about 40 kilometers from Matsuyama. So we took the road… As we progressed, the landscape revealed all its beauty and gave place to magnificent forests, mountains and rivers.

We stopped at the local market of Uchiko « Karari Farmers Markets », the occasion to discover the regional handicrafts: cold cuts, rice, alcohols, products made with jabara, a Japanese lemon… But also to enjoy the charm of this place bordered by the Odagawa river.

Then we continued our way to our destination…

Very quickly, I was seduced by Yôkaichi, the historical heart of Uchiko, its quietness and its buildings dating from the Meiji period. We discovered with pleasure small restaurants, local shops offering refreshments, handicrafts but also sublime witnesses of the past.

Indeed, in the 19th century, Uchiko knew a great period of prosperity thanks to the trade of vegetable wax whose high quality allowed it to spread far beyond the borders of Japan. Even today, many buildings testify to the economic boom of the city at that time.

But before going to meet these silent witnesses, we stopped at the shop-workshop « Ômori Warôsoku » (大森和蝋燭) specialized in making natural wax candles since the Edo period.

When we walked through the door, a sweet smell of wax filled the air and I was immediately seduced by the atmosphere of this place. Our eyes then fell on the craftsmen busy working on the making of other candles with a very impressive speed of execution. These candles, unlike industrial candles, do not emit smoke and do not leak.

If you are interested in traditional craftsmanship, stop by and enjoy this place steeped in the transmission of a wonderful heritage.

Let’s go back to the places that were once dedicated to the wax trade. This is the case of the Honhaga residence, former residence of a rich merchant and built at the time when the production reached its highest development, both in terms of quality and technicality. This building shines by the richness of its exterior decoration and constitutes a fabulous witness of the architecture of the time.

Another emblematic building of the district is without a doubt the Kamihaga residence. Open to visitors, the main building was built in 1894 and is classified as an Important Cultural Property of Japan since 1990.

Once you enter, it’s like stepping back in time and immersing yourself in the life of the rich merchants of the time. The rooms follow one another revealing all the charm of this place.

By the way, you may have noticed a similarity between the names Honhaga and Kamihaga. Indeed, the latter is a lineage of the Honhaga family which was the main branch of the Haga family. In fact, I couldn’t help but notice the family’s coat of arms (Kamon – 家紋) depicting an Oxalis flower (Katabami – カタバミ) and visible in multiple places in these two residences. If you are passing by, keep your eyes open 😉

During our visit, I quickly understood that this place was much more than the old residence of a wax trader because we discovered several annex buildings dedicated to the whole manufacturing process of the vegetable wax.

But what is Japanese vegetable wax? In its tourist brochure, the Uchiko tourist office offers a very clear explanation of the process and here it is: « Japanese wax is made from the berries of the sumac tree. The berries are crushed into a fine powder, steamed, and then the wax is extracted and hardened. This is called raw wax (kirô). The Haga family bleaches the wax with their own original bleaching technique to obtain high quality white wax (hakurô). Raw wax and white wax are generally referred to as Japanese wax (mokuro).

Historically, wax production started in the 19th century until the end of the Taisho period (1912-1926). Due to the technical progress and development of electricity, the demand for wax production decreased and the end of this craft came in 1924 when the last wax merchant in Uchiko closed down. Today, the Kamihaga residence is the only place in Uchiko where handmade wax is still produced.

If you want to learn more, I can only recommend you to visit the Japanese Wax Museum housed in one of the annexes of the Kamihaga residence. It is a very interesting space that will allow you to make the link between the tools and equipment present outside and the manufacturing process.

The time passed quickly and it was time to regain our strength. Although there are many restaurants, we chose the soba restaurant « Shimohagatei » (下芳我邸) established in a 140 years old building and in which the owners have recreated as faithfully as possible the atmosphere of the time, whether in the choice of the furniture or the dishes. The meal was excellent and once again, we were able to soak up the atmosphere of this timeless restaurant.

Although there are many very interesting buildings, I will stop for a moment on one last remarkable construction, the Uchiko Theater or Uchikoza (内子座) built in 1916 in honor of Emperor Taishô’s accession to the throne. Built on two levels in the purest Japanese style, I was surprised to find a revolving stage which it is possible to visit the lower part. Named « Naraku » meaning « Hell », I let you imagine why. When we came out, we could boast that we had been to hell and back !

But our adventure did not stop there because Uchiko still conceals other wonders… Thus, thanks to the presence of the Odagawa River, Uchiko was able to start the production of a material of great finesse, the Washi paper (和紙). This tradition born in Uchiko nearly 350 years ago has endured for several generations and is a real treasure that should be preserved.

Our steps led us to the heart of the Ikazaki Paper Factory where we were able to meet the paper maker Chiba-san who explained the basics of the manufacturing process. The paper made is mainly based on the use of Kôzo (楮), paper mulberry tree and Mitsumata (三椏). The former is characterized by long fibers, which increases its strength. Kôzo was also used to make the « Hyakumantō Darani » (One Million Pagodas and Darani Prayers) around 770, the oldest printed text in Japan! In contrast, the fibers of the latter are shorter but allow for the production of a superior paper marked by a smooth, glossy surface.

After harvesting, a long treatment process follows which will allow the finished product to reveal all its beauty. The plant material is first steamed and washed with water to extract the fibers. Then, these are shredded to make a pulp that will then be mixed with Neri (ネリ), a substance containing starch and used as a dispersant in a kind of vat, the Suki-bune (漉き舟). The craftsman then takes a bamboo sieve, Suketa (簀桁) which he dips into the vat. With a repeated rocking motion, the material settles on the sieve and the excess water is drained off. The sheets are then stacked, dried naturally and pressed with the aim of reducing the volume of water contained in the paper and removing the roughness. Finally, the sheets are placed one by one on a metal dryer.

From the place of observer, we quickly moved to that of actor because we had the opportunity to make our own sheet of paper without the first step of drying and pressing. The result was a « raw » but authentic paper, sublimated by its defects.

Being particularly admiring of the craft, this experience allowed me to feel, for a moment, all the quality of this know-how and to measure its difficulty. Indeed, when we look at a video or photos, we see a craftsman who has been practicing for years and for whom each gesture has been rehearsed many times. When I took the Suketa in my hands and plunged it into the water, I felt its weight. My movements were uncoordinated, but I felt the full value of this moment and this encounter.

Once our sheet was ready for use, we participated in a second workshop to make our creation into the cover of a notebook bound using a Japanese technique, the Fukurotoji (袋綴) pocket binding.

But what are the characteristics of this type of binding? First of all, the sheets of paper are folded and stacked on top of each other before placing the cover and sewing the whole thing together.  But the special feature is the folded edges of the sheets that make up the notebook. As you can see in the photo below, the fold is on the outer part of the booklet. Thus, it is the free part of the paper which is sewn and when one observes this last one, it appears in the shape of a tube. Thus, in my hands, I held a fabulous souvenir impregnated with the magic of this day and which will accompany me during my next trip…

Our trip to Uchiko will soon come to an end but we ended this day by passing by the store located opposite the workshop.

Source: Ayaka Sakamoto

For stationery lovers, this is a must stop to appreciate all the diversity of papers produced in Uchiko and to stop at the beautiful examples of gilding on paper, a technique developed by Hiroyuki Saito (齋藤宏之) who followed the teachings of Gabor Ulveczki, a painter of Hungarian origin and settled in Paris since 1983.  The latter opened his own art studio which led to the creation of the ULGADOR brand, a French company specialized in the manufacture of wallpapers, wall panels, etc. From 2008 to 2009, he spent two years in Uchiko as part of a project to modernize the tradition of Washi paper.

Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto

And if you’re feeling adventurous, stop off at the origami dispenser! This atypical machine will allow you to take home an original souvenir, the weight of which will have no impact on the limits imposed by airlines.

Source: Ayaka Sakamoto

Uchiko has yet to reveal all its secrets, however, and although I didn’t have the opportunity to visit it, this small town is home to a museum dedicated to kites, allowing everyone to marvel at the diversity of these objects twirling in the four winds, as well as to deepen their knowledge of the region’s history.

Source: Ayaka Sakamoto

What’s more, you’ll be able to take part in an experience that will unveil the making of the charcoal used in the tea ceremony. Located in the Ishidamami district, to the east of Uchiko, the workshop produces charcoal that looks like a chrysanthemum flower !

If you’d like to find out more, take a look at the Uchiko Tourist Office’s « Uchikogenic » website, which offers an immersion course in English, with links at the end of this article.

Thus ends this wonderful human adventure made of meetings and teachings. From the beginning to the end, this day was a succession of magnificent surprises so if you plan to travel to Shikoku, go to Uchiko, soak up its atmosphere and let yourself be charmed by its richness!

I would like to thank Ayaka Sakamoto for the organization of this day, the energy and the time she devoted to this project and without whom I would not have been able to write this article. I would also like to thank Michiko Miyoshi from the Uchiko Tourism Office for her hospitality and for allowing me to carry out this project, without forgetting Chiba-san and Aoyama-san who guided us in the two workshops we attended.

For more information, please check the links below:

Ayaka Sakamoto :

Uchiko Tourist Office :

内子町観光協会【公式】 (@visit_uchiko) • Photos et vidéos Instagram

                    一般社団法人内子町観光協会 | Kita-gun Ehime | Facebook

Ikazaki :

Omori Warosoku Store and workshop :

« Shimohagatei » Soba Restaurant :

Le charme d’Uchiko

Lorsqu’Ayaka Sakamoto, guide touristique et amie, me parla de la ville d’Uchiko (内子), je constatai avec regret que ce nom m’était totalement inconnu mais très vite, mon ignorance fit place à une curiosité débordante !

En avril dernier, l’occasion se présenta de partir à la découverte de cette petite ville de la préfecture d’Ehime et située à une quarantaine de kilomètres de Matsuyama. C’est ainsi que nous prîmes la route… Au fur et à mesure de notre progression,  le paysage révéla toute sa beauté et fit place à de magnifiques forêts, montagnes et cours d’eau.

Nous nous arrêtâmes au marché local d’Uchiko « Karari Farmers Markets », l’occasion de découvrir les productions artisanales régionales : charcuterie, riz, alcools, produits fabriqués à base de jabara, un citron japonais … Mais aussi de profiter du charme de cet endroit bordé par la rivière Odagawa.

Nous continuâmes ensuite notre chemin jusqu’à notre destination…

Très vite, je fus séduit par Yôkaichi, le cœur historique d’Uchiko, sa tranquillité et ses constructions datant de l’époque Meiji. On y découvre avec plaisir de petits restaurants, des commerces locaux proposant rafraichissements, créations artisanales mais également de sublimes témoins du passé.

En effet, au XIXe siècle, Uchiko connut une grande période de prospérité grâce au commerce de la cire végétale dont la haute qualité permit à celui-ci de s’étendre bien au-delà des frontières du Japon. Aujourd’hui encore, de nombreux bâtiments témoignent de l’essor économique de la ville à l’époque.

Mais avant de partir à la rencontre des ces témoins silencieux, nous nous arrêtâmes au commerce-atelier « Ômori Warôsoku » (大森和蝋燭) spécialisé dans la fabrication de bougies en cire naturelle depuis la période Edo.

Lorsque nous franchîmes la porte, une douce odeur de cire embaumait l’air et je fus immédiatement séduit par l’atmosphère de ce lieu. Nos regards se posèrent alors sur les artisans occupés à œuvrer pour la fabrication d’autres bougies avec une rapidité d’exécution très impressionnante. Ces dernières, contrairement aux bougies industrielles, n’émettent pas de fumée et ne coulent pas.

Si vous vous intéressez à l’artisanat traditionnel, arrêtez-vous et profitez de cet endroit imprégné par la transmission d’un formidable héritage.

Revenons-en maintenant aux lieux jadis dédié au commerce de la cire. C’est notamment le cas de la résidence Honhaga, ancienne demeure d’un riche marchand et construite au moment où la production atteignit son plus haut développement, tant en terme de qualité que de technicité. Ce bâtiment brille par la richesse de sa décoration extérieure et constitue un fabuleux témoin de l’architecture de l’époque.

Un autre édifice emblématique du quartier est sans aucun doute la résidence Kamihaga. Ouverte aux visiteurs, le bâtiment principal a été construit en 1894 et est classé comme Bien Culturel Important du Japon depuis 1990.

Passée l’entrée, c’est un véritable retour dans le passé qui vous immerge dans la vie des riches marchands de l’époque. Les pièces se succèdent dévoilant tout le charme de cet endroit.

D’ailleurs, vous aurez probablement remarqué une similitude entre les noms Honhaga et Kamihaga. En effet, cette dernière est une lignée de la famille Honhaga qui constituait la branche principale de la famille Haga. Je n’ai d’ailleurs pas pu m’empêcher de remarquer le blason (Kamon – 家紋) de la famille représentant une fleur d’Oxalis (Katabami – カタバミ) et visible à de multiples endroits dans ces deux résidences. Si vous passez par-là, ouvrez l’œil 😉

Au fil de notre visite, je compris rapidement que ce lieu était bien plus que l’ancienne demeure d’un négociant de cire car nous découvrîmes plusieurs bâtiments annexes dédiés à tout le processus de fabrication de la cire végétale.

Mais qu’est-ce que la cire végétale japonaise ? Dans sa brochure touristique, l’office du tourisme d’Uchiko offre une explication très claire du processus et que voici : « La cire japonaise est fabriquée à partir des baies du sumac. Les baies sont écrasées en une fine poudre, étuvées, puis la cire est extraite et durcie. C’est ce qu’on appelle la cire brute (kirô). La famille Haga blanchit la cire avec sa propre technique de blanchiment originale pour obtenir une cire blanche de haute qualité (hakurô). La cire brute et la cire blanche sont généralement appelées cire japonaise (mokurô) ».

Historiquement, la production de cire a débuté dans le courant du XIXe siècle jusqu’à la fin de la période Taishô (1912-1926). En raison des progrès techniques et du développement de l’électricité, la demande diminua et sonna le glas de cet artisanat en 1924 lorsque le dernier commerçant de cire d’Uchiko fermit ses portes. Aujourd’hui, la résidence Kamihaga constitue le seul endroit d’Uchiko où est encore produite de la cire artisanale.

Si vous souhaitez en apprendre davantage, je ne peux que vous recommander de visiter le Musée de la cire japonaise abrité dans l’une des annexes de la résidence Kamihaga. Un espace très intéressant qui vous permettra de faire le lien entre les outils et équipements présents à l’extérieur et le processus de fabrication.

Le temps s’écoula rapidement et il fut l’heure de reprendre des forces. Bien qu’il existe de nombreux restaurants, notre choix se porta sur le restaurant de soba « Shimohagatei »(下芳我邸) établi dans un bâtiment vieux de 140 ans et dans-lequel les propriétaires ont recréé le plus fidèlement possible l’ambiance de l’époque, que ce soit dans le choix du mobilier ou des pièces de vaisselles. Le repas fut excellent et une fois encore, nous pûmes nous imprégner de l’ambiance de ce restaurant un peu hors du temps.

Bien qu’il existe de nombreux bâtiments très intéressants, je m’arrêterai un moment sur une dernière construction remarquable, le théâtre d’Uchiko ou Uchikoza (内子座) construit en 1916 en l’honneur de l’accession au trône de l’empereur Taishô. Construit sur deux niveaux dans le plus pur style japonais, j’ai été surpris de retrouver une scène tournante dont il est possible de visiter la partie inférieure. Nommée « Naraku » signifiant « Enfer », je vous laisse imaginer pourquoi. À notre sortie, nous pûmes nous vanter d’être allé en enfer et d’en être revenu !

Mais notre aventure ne s’arrêta pas là car Uchiko recèle encore d’autres merveilles… Ainsi, grâce à la présence de la rivière Odagawa, Uchiko pu se lancer dans la production d’une matière d’une grande finesse, le papier Washi (和紙). Cette tradition née à Uchiko il y a près de 350 ans perdure depuis plusieurs générations et constitue un véritable trésor qu’il convient de préserver.

Nos pas nous menèrent au cœur de la fabrique de papier Ikazaki où nous pûmes rencontrer l’artisan papetier Chiba-san qui nous expliqua les bases du processus de fabrication. Le papier fabriqué repose principalement sur l’utilisation du Kôzo (楮), mûrier à papier et du Mitsumata (三椏). Le premier est caractérisé par de longues fibres, ce qui en accroit la résistance. C’est également à base de Kôzo qu’a été réalisé le « Hyakumantō Darani » (Un million de pagodes et de prières Darani) vers 770, le plus ancien texte imprimé du Japon ! À l’inverse, les fibres du second sont plus courtes mais permettent la confection d’un papier supérieur marqué par une surface lisse et brillante.

Après la récolte s’ensuit un long processus de traitement qui permettra au produit fini de révéler toute sa beauté. Les matières végétales sont d’abord étuvées et lavées à l’eau pour en extraire les fibres. Ensuite, celles-ci sont déchiquetées afin d’en faire une pulpe qui sera ensuite mélangée à du Neri (ネリ), une substance contenant de l’amidon et utilisée comme dispersant dans une sorte de cuve, le Suki-bune (漉き舟). L’artisan se munit alors d’un tamis en bambou, Suketa (簀桁) qu’il plonge dans la cuve. Avec un mouvement répété de balancier, la matière se fixe sur le tamis et l’excédent d’eau est évacué. Les feuilles sont alors empilées, séchées naturellement et pressées dans le but de réduire le volume d’eau contenu dans le papier et d’en supprimer les aspérités. Enfin, ces dernières sont placées une à une sur un séchoir métallique.

De la place d’observateur, nous passâmes rapidement à celle d’acteur car nous eûmes l’opportunité de fabriquer notre propre feuille de papier sans la première étape de séchage et le pressage. Il en résulta un papier « brut » mais authentique, sublimé par ses défauts.

Étant particulièrement admiratif de l’artisanat, cette expérience me permit de ressentir, l’espace d’un moment, toute la qualité de ce savoir-faire et d’en mesurer la difficulté. En effet, lorsque nous regardons une vidéo ou des photo, nous voyons un artisan versé dans sa pratique depuis des années et pour-lequel chaque geste a été maintes fois répété. Lorsque je pris le Suketa dans les mains et le plongeai dans l’eau, j’en ressentis le poids. Mes gestes manquèrent de coordination mais je ressentis pleinement la valeur de ce moment et de cette rencontre.

Une fois notre feuille prête à l’emploi, nous participâmes à un second atelier visant à faire de notre création la couverture d’un carnet relié au moyen d’une technique japonaise, la reliure à poche Fukurotoji (袋綴).

Mais quelles sont les caractéristiques de ce type de reliure ? Tout d’abord, les feuilles de papier sont pliées et empilées les unes sur les autres avant de placer la couverture et de coudre l’ensemble.  Mais la particularité se trouve au niveau des bords du pli des feuilles constituant le carnet. Comme vous pouvez le voir sur la photo ci-dessous, le pli se trouve sur la partie externe du livret. Ainsi, c’est la partie libre du papier qui est cousue et lorsque que l’on observe ce dernier, il se présente sous la forme d’un tube. C’est ainsi qu’entre les mains, je tins un fabuleux souvenir imprégné de la magie de cette journée et qui m’accompagnera lors de mon prochain voyage…

Notre voyage à Uchiko touche bientôt à sa fin mais nous terminâmes cette journée en passant par la boutique située en face de l’atelier.

Source: Ayaka Sakamoto

Pour les amateurs de papeterie, c’est un arrêt obligatoire qui vous permettra d’apprécier toute la diversité des papiers produits à Uchiko et de vous arrêter sur les magnifiques exemples de dorure sur papier, une technique développée par Hiroyuki Saito (齋藤宏之) qui suivit les enseignements de Gabor Ulveczki, artiste peintre d’origine hongroise et installé à Paris depuis 1983.  Ce dernier ouvrit son propre atelier d’arts plastiques qui aboutira à la création de la marque ULGADOR, une entreprise française spécialisée dans la fabrication de papier-peints, panneaux muraux, etc. De 2008 à 2009, il séjourna deux ans à Uchiko dans le cadre d’un projet visant à moderniser la tradition du papier Washi.

Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto

Et si d’aventure vous souhaitez déambuler dans les rues, faites un arrêt au distributeur d’origami ! Une machine atypique qui vous permettra d’emporter un souvenir original dont le poids n’impactera nullement la limite imposée par les compagnies aériennes.

Source: Ayaka Sakamoto

Uchiko n’a toutefois pas encore livrée tous ses secrets et bien que je n’eus pas l’occasion de le visiter, cette petite ville abrite un musée dédié aux cerfs-volants permettant à tout un chacun de s’émerveiller devant la diversité de ces objets virevoltant aux quatre vents mais aussi d’approfondir ses connaissances sur l’histoire de la région.

Source: Ayaka Sakamoto

En outre, il vous sera possible de participer à une expérience qui lèvera le voile sur la fabrication du charbon de bois utilisé dans la cérémonie du thé. Situé dans le quartier d’Ishidamami, à l’Est d’Uchiko, l’atelier fabrique  du charbon de bois ayant la particularité d’évoquer la fleur de chrysanthème !

Si vous souhaitez en savoir plus, je vous invite à consulter le site Internet d’Ayaka Sakamoto qui a développé son entreprise sous le nom d’ « Une Tokyoite » et dont vous trouverez les liens en fin d’article.

Ainsi s’achève cette formidable aventure humaine faite de rencontres et d’enseignements. Du début à la fin, cette journée fut une succession de magnifiques surprises alors si vous projetez de voyager à Shikoku, rendez-vous à Uchiko, imprégnez-vous de son atmosphère et laissez-vous charmer par sa richesse !

Je tiens à remercier Ayaka Sakamoto pour l’organisation de cette journée, l’énergie et le temps qu’elle a consacré à ce projet et sans laquelle je n’aurais pu écrire cet article. Je remercie également chaleureusement Michiko Miyoshi de l’Office du tourisme d’Uchiko pour son accueil et qui m’a permis de mener à bien ce projet, sans oublier Chiba-san et Aoyama-san qui nous ont guidé dans les deux ateliers auxquels nous avons participé.

Pour en savoir plus, n’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous :

Ayaka Sakamoto :

Office du Tourisme d’Uchiko :

内子町観光協会【公式】 (@visit_uchiko) • Photos et vidéos Instagram

一般社団法人内子町観光協会 | Kita-gun Ehime | Facebook

YouTube : 内子町観光協会_Uchiko Tourism Association – YouTube

Ikazaki :

Commerce-atelier Omori Warosoku :

Restaurant de Soba « Shimohagatei » :

Découverte de l’atelier de couture de Sakura Fabric – deco, origami and sewing

Présentation générale

J’ai eu le plaisir de visiter l’atelier de couture de Sakura Fabric – deco, origami and sewing tenu par Vanessa Maira, graphiste de formation.

Outre son activité, elle possède différents loisirs sur le côté : kendo depuis 15 ans, iaido depuis 3 ans et évidemment, c’est une passionnée du Japon : manga, culture, voyage, etc.  Imprégnée de cette culture, c’est en voyant les tissus japonais qu’elle eut envie de se lancer dans la couture en tant que loisir.

Comment a-t-elle appris la couture ?

Depuis toute petite, elle a baigné dans le monde de la couture : sa maman était couturière et travaillait dans les ateliers. Elle venait de temps en temps la chercher au travail le mercredi avec son papa et restait parfois dans l’atelier afin de regarder les autres travailler. Cette ambiance lui a vraiment plu et lui a laissé quantité de souvenirs positifs.

À côté, il y avait sa marraine qui avait son propre atelier de couture et avec qui elle a passé beaucoup de temps. Sa marraine a par la suite arrêté la couture pour travailler avec son mari mais elle a continué la couture en tant que hobby. C’est elle qui lui a beaucoup enseigné, notamment le début : comment rapiécer deux bouts de tissus, etc. avec une vielle machine à pédale avec laquelle Vanessa utilisait ses deux pieds quand elle était petite pour la faire fonctionner.

Quand Vanessa a vu les tissus Japonais, elle en a eu assez d’avoir des étuis à sabre standard où le tissu enveloppant le sabre avant de le mettre dans le sac dédié était « banal », « trop fin », « de mauvaise qualité », etc. Si l’on voulait avoir un bel étui ou avec un tissu plus épais, les prix montaient de manière affolante. Elle a alors décidé de créer les siens. D’abord avec des tissus style jacquard, elle a fait des tests « style japonisant » et voyait que cela passait bien. Quand les camarades des arts martiaux ont vu le résultat, ils ont vite demandé d’où ils venaient, où elle l’avait acheté etc. Vanessa leur a alors répondu que c’était elle qui les avait faits, c’est ainsi que l’aventure a démarré.

Comment son activité a débuté ?

L’aventure a donc commencé en fabriquant des étuis à shinai (sabre en bambou pour le kendo). Elle a testé des touts simples, puis a utilisé des tissus de plus en plus beaux et raffinés. Les clients ont poursuivi en lui demandant si elle faisait également des étuis à iaito (réplique de sabre en métal non tranchant pour la pratique du iaido). Elle a alors commencé par un modèle et voyant que cela fonctionnait, elle a continué avec ses produits. Elle réutilise les restes de tissus pour faire des pochettes et autres pièces de petites tailles. Elle essaye de réutiliser les chutes de tissus au maximum.

Elle a fait venir des tissus du Japon qui ont un certain prix, alors autant les utiliser au maximum. Les cotons japonais sont réputés pour être d’excellente qualité, ce n’est pas pour les jeter ! Plusieurs clients ont des tenugui (foulard multi fonction que l’on utilise dans la maison et sur la tête sous le casque – men – en kendo), qu’ils ont nettoyés plusieurs fois et les couleurs ne bougent pas. Vanessa est très contente de la qualité de ces tissus.

Pourquoi utiliser les kimonos d’arts martiaux ?

Au départ, Vanessa n’utilisait que des tissus qu’elle achetait et, en voyant un vieux kendo-gi (veste de kendo) qui était déchiré au niveau des épaules à cause du frottement des himo (cordes servant à faire tenir le plastron – do), elle s’est dit que ce serait dommage de le jeter à cause des épaules alors que les ¾ sont encore bons. Elle a donc essayé de le découper et de l’étaler pour voir la quantité de tissu disponible et a vu qu’il y avait moyen de le récupérer. Le premier truc qu’elle a fait est un sac qui se plie à l’image d’un sac de plage ou de course (style tote bag). Elle a également récupéré un ancien obi (ceinture de kimono) pour faire ce sac.

Pourquoi des créations en liens avec le Japon ?

Parce que Vanessa baigne dans la culture japonaise de par les arts martiaux qu’elle pratique, c’est sa source principale pour l’inspiration. Vu qu’elle utilise presque exclusivement des tissus japonais et/ou japonisants, elle voulait rester dans l’univers du Japon de par la qualité des tissus et les motifs utilisés. Ce sont de superbes tissus avec un choix énorme. Elle aime beaucoup les dessins ainsi que toutes les représentations que l’on peut voir dessus.

Quand elle coud un vieux obi, elle ne peut s’empêcher de penser à la personne qui l’a porté. Il y a toute une histoire derrière, tout comme pour les kendo-gi. Elle en reçoit de personnes plus ou moins connues dans le milieu du kendo et iaido. Quand on reçoit le kendo-gi ou hakama (pantalon large de kendo et iaido) d’un pratiquant avec une belle expérience et pratique, ce n’est pas rien ! Vanessa trouve que l’histoire de ces vêtements est fascinante et on ne peut que la rejoindre.

Pourquoi la récup’ ?

Vanessa trouve que l’on jette beaucoup, que nous sommes dans une société de consommation où il est facile d’acheter du neuf parce que ce n’est pas cher. C’est comme manger, elle déteste gaspiller de par son éducation. Nous avons la chance d’être dans des classes moyennes, d’avoir ce que l’on a et gaspiller n’est pas une option. Tant que nous avons des vêtements et des tissus, autant les garder et les réutiliser au maximum, les faire perdurer dans le temps à la place d’acheter du nouveau qui ne va pas peut-être pas durer aussi longtemps. C’est un peu de l’écologie mais c’est surtout un moyen de ne pas surconsommer.

Qu’est-ce qui l’inspire ?

Vous l’aurez compris, le Japon est fatalement sa source d’inspiration principale : les voyages qu’elle a y a faits, l’art en général (n’oublions pas qu’elle est graphiste), etc. Il y a également toutes les tendances asiatiques qui l’inspirent que ce soit pour la composition, les couleurs, la simplicité, la sobriété, etc. De ses propres dires, c’est comme le Scandinave qui est très épuré alors que le Japon est davantage dans la sobriété mais complexe. Les meilleurs exemples sont dans le vieux Kyôto, plus précisément dans le quartier de Gion où il y a de très vieilles boutiques avec que des artisans, ce qui l’inspire énormément.

Où trouve-t-elle les partons/modèles/tissus/Kimono ?

Pas de chance, en réalisant l’interview, j’espérais capter quelques sources pour les patrons et modèles mais Vanessa m’a confié n’en avoir aucun, elle les fait elle-même par essais-erreurs. Elle a un carnet où elle fait des croquis et reporte les mesures qu’elle doit utiliser pour les découpes des tissus et le prix général pour un client, toujours en fonction des tissus utilisés. Ainsi, elle connaît le métrage de tissus à utiliser et la charge de travail inhérente. Une fois la pièce créée, elle la soumet au client et à son mari pour consultation qui, pratiquant également les arts martiaux, peut donner des conseils sur la manière d’agencer les sacs, les pochettes (pour les tsuba par exemple- les gardes en plastique pour les shinai), les lanières, etc. afin d’améliorer ses créations et toujours répondre à une personnalisation des sacs selon chaque client, ses besoins et sa manière d’agencer/ranger son matériel.

Concernant les matériaux et les tissus, Vanessa trouve les obi au Japon. Il y a des magasins qui sont spécialisés dans les yukata et les kimono avec des seta (chaussures en paille). Souvent, dans le fond des boutiques, il y a un rayon de seconde main avec des obi. Il y a également des obi abimés à prix dérisoire alors qu’ils restent toujours aussi magnifiques. Par exemple, il y en avait un avec une brûlure de cigarette et un autre avec une tache. Les commerçants ne pouvaient par les vendre au prix habituel. Quand on pense qu’un véritable obi fait 6 à 8m, cela devient très intéressant. Sinon Vanessa trouve les autres tissus japonais et japonisants sur des sites spécialisés car il n’y a pas de boutique attitrée en Belgique. Pour les tissus plus génériques, comme du coton unis, elle trouve cela dans les merceries habituelles. Pour ce qui est des cuirs, elle a trouvé une astuce un peu récup’ également : un magasin qui fait des salons en cuir qui vend ses chutes de cuir à la caisse au kilo. Cela tombe bien pour Vanessa car elle n’a pas besoin de grand métrage. Cependant, c’est la surprise du chef concernant le contenu : si on prend une boîte colorée, on ne sait pas trop ce qu’il y aura dedans ou si on prend une boîte dans les tons noir ou brun, au saura alors plus ou moins ce que l’on aura. Cela permet pour le magasin de ne pas jeter les cuirs et pour Vanessa d’utiliser de beaux cuirs véritable et de qualité pour ses créations.

Où en est son projet ?

Le projet de Vanessa est toujours en amateur, pas en professionnel. Les clients peuvent voir ses créations et commander via sa page Facebook et sa page Instagram.

Comme c’est de la customisation, elle part du principe qu’il faut satisfaire le client. Les goûts et les couleurs, ça ne se discute pas. Comme elle est partie d’un sac à shinai qu’elle n’aimait pas, ce n’est pas elle qui vous jugera sur vos demandes de personnalisation ! Les clients choisissent tout : les tissus, les poches, leur position, la taille, etc. La clientèle de Vanessa est principalement composée de kendoka et iaidoka (pratiquants de kendo et d’iaido), en Belgique mais également à l’étranger.

Durant le confinement, elle a produit et vendu environs 300 masques faits à base de tissus japonais. Elle s’est adaptée durant cette période particulière. Vanessa propose parfois ses produits durant les séminaires, stages, championnats, etc., ce qui lui permet de tenir un stand et de faire la promotion de son artisanat.

Vanessa ne fait pas que de la couture mais également du tricot (snoods), des origamis, etc. Pour vous donner une idée, elle a fait un millier de grues en papier avec différentes couleurs pour la décoration des tables de son mariage. Un grand tonnerre d’applaudissements pour ses efforts et sa détermination !

Vanessa n’a pas d’objectif fixé concernant son projet car il a commencé pour le côté fun. Ses créations plaisent, elle a de plus en plus de retours positifs et elle commence à avoir de plus en plus de commandes. Cela lui fait plaisir de faire plaisir aux autres. Si les clients sont contents et satisfaits, elle continuera le temps qu’il faudra. Elle pense à se faire connaître davantage au niveau européen lors des évènements de kendo et de iaido et aller plus loin dans le concept de customisation, côté qui lui plaît le plus.

Elle a également développé une gamme pour animaux : collier, harnais, bandana, nœud papillon notamment en veste de kendo bleu indigo mais aussi avec des tissus japonais, parfait pour vos toutous !  Vanessa ne peut pas vivre pleinement de son projet mais s’il prend bien, peut-être que les choses changeront. Seul l’avenir nous le dira. Affaire et pages à suivre ! 

Vanessa peut compter sur le soutien de son mari pour améliorer les objets qu’elle crée et la gestion quotidienne ainsi que les conseils de sa mère et de sa marraine qui sont toutes deux couturières.

Quelles sont les difficultés qu’elle rencontre et a rencontrée ?

La principale difficulté rencontrée a été et est de se faire connaître. Au début, on se demande si cela va plaire au client, en particulier quand on n’est jamais assez satisfait de son travail. Elle voit toujours que l’on peut mieux faire. Elle n’est jamais satisfaite à 100% et cherche donc continuellement à s’améliorer.

La principale difficulté durant le covid est qu’elle commençait à avoir une notoriété dans le monde du kendo et tout s’est arrêté d’un coup, plus d’évènements, plus de kendo, plus rien pendant 2 ans et demi… Du coup, son activité a pris un coup et s’est recyclée, sans mauvais jeux de mots, dans la fabrication des masques. Elle a continué à faire sa promotion sur internet, à montrer qu’elle était toujours présente et montrer ses productions.

Quels conseils donnerait-elle à quelqu’un qui souhaite se lancer dans la couture ?

Si Vanessa devait donner un conseil pour quelqu’un qui souhaite se lancer dans la couture est la pratique. C’est comme le kendo, l’iaido et la vie en général : il faut se lancer, essayer, rater et réessayer encore jusqu’à satisfaction. Commencez par des choses faciles comme des tenugui, des furoshiki (emballage cadeau en coton de forme carrée), faites des ourlets, des petites pièces au début. Vous apprendrez en faisant des essais. Vous avez raté une pièce ? Ce n’est pas grave, recommencez autant de fois que nécessaire. C’est ainsi que se fait l’apprentissage. Prenez également des notes et répertoriez-les dans un carnet, avec les schémas, les cotes, les conseils etc. Une fois que vous êtes à l’aise, n’hésitez pas à sortir de votre zone de confort et innovez.

Une chose à ajouter ?

En parallèle de la couture, Vanessa se lance dans d’autres projets de décorations : origami, le dessin, la peinture tibétaine, etc. Elle est en recherche constante de nouveautés à explorer. Elle est à la recherche de quelque chose qui va plaire. La création est un besoin chez elle, sans quoi elle s’ennuie. C’est probablement dû à son métier de graphiste où il faut se creuser les méninges pour satisfaire le client. Partir d’une page blanche correspond à ce dont elle a besoin, tant dans son métier, que dans la couture et la vie de manière générale. La création nous oblige à nous surpasser mais ce n’est pas aussi stimulant que de « simplement » exécuter.

Un mot pour la fin ?

Pour clôturer cette interview, Vanessa m’a confié quelque chose de compliqué à appliquer : il faut croire en ses rêves et en ce que l’on fait. Même si pour certaines personnes c’est un peu plus dur que pour d’autres, il faut croire en soi et c’est valable pour tout car c’est cela qui nous aide à avancer.

Depuis qu’elle a passé son 4ème Dan en kendo, elle y arrive de plus en plus mais c’est un chemin long, compliqué et semé d’embuches. Si elle a obtenu le grade, malgré 7 tentatives auparavant (ce qui est tout à fait normal quand on arrive au 3ème, 4ème Dan et au-delà), elle se dit qu’elle peut avoir de plus en plus confiance en elle. Elle essaye, ce n’est pas toujours facile mais à force de persévérance, elle arrive à atteindre son but, que ce soit dans les arts martiaux, au travail, en couture et dans les autres domaines.

Voulez-vous en savoir plus ?

Vous pouvez aussi la contacter par mail à l’adresse suivante:

Crédit photo : Sakura Fabric par Vanessa Maira

The Setsugekka project: minimalist beauty

Setsugekka (雪月花), a poetic name for the natural beauty of the seasons in Japan: the snow of winter, the moon of autumn and the flowers of spring. And such is the name chosen for this project revolving around two objectives: to highlight the beauty of Japanese craftsmanship through a minimalist aesthetic and to respond to Fueki Ryûkô’s (不易流行) philosophy, which could be summarized as « Continuity and Change ».

Source: Setsugekka

Minimalism or « Less is more » is what I call a return to the essential. This concept is deeply rooted in the Japanese culture marked by Zen Buddhism. In order to understand it, we have to leave our Western eyes and try to perceive its meaning through the eyes of the Japanese culture. Without going into detail because that is not the point, there are seven aesthetic principles in Zen philosophy including Kanso (簡素), simplicity. The latter makes sense in this initiative where each creation is free of any superfluous elements. By the same token, our daily life itself becomes simpler.

In addition, I think a second concept is perfectly illustrated by this project, that of Yûgen (幽玄), mysterious depth and consisting of feeling the hidden beauty. A beautiful example is no more and no less than the name « Setsugekka ». Everyone can imagine the beauty of cherry trees in spring. But broaden your horizons… Seasons come and go, landscapes change, shaped by the work of nature and man. These cherry trees that you imagine have a past, a present and a future. To feel it is, in my opinion, the perception of this hidden beauty. It is the same for these objects. The raw material has been worked, shaped to give it the desired form. Over time, it will also evolve, the beauty of use.

Source: personal photo

Fueki Ryûkô’s philosophy may seem complex but an example is better than a long speech. Handicrafts are, in my opinion, an important part of Japanese culture and as such, have an immutable essence. However, on several occasions, I have noticed that traditional craftsmanship sometimes struggles to find its place in our modern society. Thus, I think that the main challenge is to integrate changes, evolutions without changing the original form.

Therefore, this project aims to present the work of artists, craftsmen and companies immersed in the very heart of these reflections. You will find creations touching different materials, intended for different uses but all marked by the same desire to bring an aesthetic reduced to its purest essence and this will to integrate them in our daily life and by this way, to enrich it. I would go even further… It is not only about concepts embodied in the work of these men and women but also the transmission of values strongly rooted in Japanese culture.

This is particularly the case for the clothing brand IITO. Specialized in the manufacture of cotton clothes for nearly 70 years in the Kumamoto region, the clothes it offers are marked by a simplicity in the form but a technical research in order to bring softness, comfort, durability to its creations. You will find more information related to this brand in the article dedicated to it 😉

This article is coming to an end but before I leave you, I also wanted to highlight the work of another one of these people who is putting her talent and know-how at the service of this project: Yuki Onizuka, a specialist in Yokoburi (横振り) embroidery, a term meaning horizontal swing.

A strange name to say the least, but patience. Let’s go back in time and precisely to the Taishô era (1912-1926), period during which this process was born. It would find its origin in the city of Kiryû in the current prefecture of Gunma and was mainly used for the embroidery of Buddhist altar objects and kimono.

Today, this craftswoman creates modern jewelry using a 70-year-old mechanical sewing machine! But unlike a conventional machine, the needle of this one moves from left to right, creating a kind of swing from which the technique takes its name.

At this moment, imagine the piece of fabric delicately placed on the workbench, the back and forth movement of the needle giving substance to the artist’s creation. Even more, the sounds produced by this machine activated by movements on the pedal, the lever… The scene comes to life and, in your turn, you can perceive its hidden beauty.

But beyond its original form, this technique is sublimated by the know-how and inspirations of this artist. Thus, she does not only reproduce a process, she enriches it. The result is unique pieces in which nature reveals itself with a lot of grace and softness. Nature is revealed to us in its simplest but magnificent simplicity.

If you want to know more about Setsugekka, I invite you to visit their website: Setsugekka (

You can also follow them on social networks via :

This fabulous initiative was embodied in three Pop-up Exhibitions held in Paris, Antwerp and London from January 07 to 22. Via Setsugekka’s Facebook page, you can discover the work of other talented artists ! On WalloNihon’s page, don’t hesitate to consult the post dedicated to my visit of the one in Antwerp: discoveries, meetings were there !

Source: personal photo

Le projet Setsugekka: la beauté minimaliste

Setsugekka (雪月花), une appellation poétique désignant la beauté naturelle des saisons au Japon : la neige de l’hiver, la lune de l’automne et les fleurs du printemps. Et tel est le nom choisi pour ce projet s’articulant autour de deux objectifs : mettre en valeur la beauté de l’artisanat japonais à travers une esthétique minimaliste et répondre à la philosophie de Fueki Ryûkô (不易流行) que l’on pourrait synthétiser par « Continuité et changement ».

Source: Setsugekka

Le minimalisme ou « Less is more », moins c’est plus, est ce que j’appelle un retour à l’essentiel. Ce concept s’enracine profondément dans la culture japonaise marquée par le Bouddhisme Zen. Pour le comprendre, il nous faut délaisser notre regard d’Occidentaux pour tenter d’en percevoir la signification au travers de celui de la culture nipponne. Sans entrer dans les détails car ce n’est pas le but, il existe sept principes esthétiques dans la philosophie Zen dont le Kanso (簡素), simplicité. Cette dernière prend sens dans cette initiative où chaque création est libérée de tout élément superflu. Par la même, notre quotidien en devient lui-même plus simple.

En outre, je pense qu’un second concept est parfaitement illustré par ce projet, celui de Yûgen (幽玄), profondeur mystérieuse et consistant à ressentir la beauté cachée. Un bel exemple n’est ni plus ni moins que le nom « Setsugekka ». Chacun peut imaginer la beauté des cerisiers au printemps. Mais élargissez vos horizons… Les saisons se succèdent, les paysages évoluent, façonnés par l’œuvre de la nature et de l’Homme. Ces cerisiers que vous imaginez ont un passé, un présent et un futur. Le ressentir est, à mon sens, la perception de cette beauté cachée. Il en va de même pour ces objets. La matière première a été travaillée, façonnée pour lui donner la forme désirée. Au fil du temps, celle-ci aussi va évoluer, la beauté de l’usage.

Source: photo personnelle

La philosophie de Fueki Ryûkô peut paraître complexe mais un exemple vaut mieux qu’un long discours. L’artisanat est, à mon sens, un élément important de la culture japonaise et à ce titre, possède une essence immuable. Toutefois, à plusieurs reprises, j’ai constaté que l’artisanat traditionnel peine parfois à trouver sa place dans notre société moderne. Ainsi, je pense que le principal défi est d’y intégrer des changements, des évolutions sans en modifier la forme originale.

De ce fait, ce projet vise à présenter le travail d’artistes, d’artisans et d’entreprises plongés au cœur même de ces réflexions. Vous y trouverez des créations touchant à différentes matières, destinées à différents usages mais toutes marquées par ce même désir d’apporter une esthétique réduite à son essence la plus pure et cette volonté de les intégrer dans notre vie quotidienne et par là même, de l’enrichir. J’irais même plus loin… Il ne s’agit pas uniquement de concepts s’incarnant dans le travail de ces hommes et de ces femmes mais également la transmission de valeurs fortement ancrées dans la culture japonaise.

C’est notamment le cas de la marque de vêtements IITO. Spécialisée dans la fabrication de vêtements en coton depuis près de 70 ans dans la région de Kumamoto, les habits qu’elle propose sont marqués par une simplicité dans la forme mais une recherche technique afin d’apporter douceur, confort, durabilité à ses créations. Vous trouverez davantage d’informations liées à cette marque dans l’article qui lui est dédié 😉

Cet article arrive à son terme mais avant de vous quitter, je souhaitais également mettre en lumière le travail d’une autre de ces personnes qui met son talent et son savoir-faire au service de ce projet : Yuki Onizuka, spécialiste de la broderie Yokoburi (横振り), un terme signifiant balancement horizontal.

Une appellation pour le moins étrange mais patience. Remontons dans le temps et précisément à l’ère Taishô (1912-1926), période durant laquelle ce procédé est né. Ce dernier trouverait son origine dans la ville de Kiryû dans l’actuelle préfecture de Gunma et était principalement utilisé pour la broderie d’objets d’autels bouddhiques et de kimono.

Aujourd’hui, cette artisane crée des bijoux modernes à l’aide d’un modèle de machine à coudre mécanique vieux de 70 ans ! Mais contrairement à une machine classique, l’aiguille de celle-ci se déplace de gauche à droite, créant une sorte de balancement duquel la technique tire son nom.

À cet instant, imaginez la pièce de tissu délicatement posée sur l’établi, le mouvement de va et vient de l’aiguille donnant corps à la création de l’artiste. Plus encore, les sons produits par cette machine actionnée par des mouvements sur la pédale, le levier… La scène prend vie et, à votre tour, vous pouvez en percevoir la beauté cachée.

Mais dépassant sa forme originelle, cette technique se voit sublimée par le savoir-faire et les inspirations de cette artiste. De ce fait, elle ne fait pas que reproduire un procédé, elle l’enrichit. Il en résulte des pièces uniques dans lesquelles la nature se dévoile avec beaucoup de grâce, de douceur. La nature nous est révélée dans ce qu’elle a de plus simple mais une magnifique simplicité.

Si vous souhaitez en savoir plus sur Setsugekka, je vous invite à consulter leur site Internet : Setsugekka (

Vous pouvez également les suivre sur les réseaux sociaux via :

Cette fabuleuse initiative s’est incarnée dans trois Pop-up Exhibition qui se sont tenus à Paris, Anvers et Londres du 07 au 22 janvier. Via la page Facebook de Setsugekka, vous pourrez découvrir le travail d’autres artistes talentueux ! Sur celle de WalloNihon, n’hésitez pas à consulter le post dédié à ma visite de celui d’Anvers : découvertes, rencontres ont été au rendez-vous !

Source: Photo personnelle

Centre Céramique : une fenêtre sur le Japon

Le 16 avril, l’équipe de WalloNihon, représentée par Jennifer, Frédéric et moi-même est partie à la découverte des collections du Centre Céramique ainsi que de la magnifique exposition de photos qui nous immergea dans l’univers des Geisha.

Notre visite commença par un voyage dans le temps, à une époque où le Japon exerçait une influence majeure dans les arts décoratifs, poussant les artistes et artisans européens à rivaliser d’ingéniosité pour imiter ou s’inspirer des créations de leurs homologues japonais dans un pays qui, isolé pendant près de deux siècles, s’ouvrait au monde. La restauration Meiji débutait…

Les plus grands producteurs de céramique de Maastricht œuvrèrent pendant près d’un siècle, de 1868 à 1965, à la fabrication de faïences puis de porcelaines marquées par ce Japonisme. Sous les enseignements de Monsieur Dijkman, conservateur du Centre Céramique, nous découvrîmes l’histoire de cette formidable aventure qui nous ramena également en Belgique…

En 1868, Petrus Regout (1801-1878) créa un service au nom évocateur, « JAPAN », ce qui traça la route qu’allait prendre la production de céramique à Maastricht. Ce service est très intéressant car je pense que l’on ressent bien l’influence japonaise au travers de la couleur rouge, une probable évocation du rouge kaki caractéristique de la porcelaine japonaise.

Nous poursuivîmes notre visite et nous pûmes mesurer l’étendue de cette collection. Ainsi, cette autre production de Petrus Regout porte le nom de « WAAYER », éventail. Ce dernier est très courant dans l’art japonais, qu’il soit utilisé comme motif décoratif ou pour sa forme. Ce n’était donc pas un hasard que celui-ci soit repris et réinterprété dans la production de Maastricht. D’autres motifs ont également été repris comme la grue, le pluvier ou encore le bambou.

Toutefois, dans l’art japonais, les motifs décoratifs sont rarement utilisés pour cette fonction propre. Ils possèdent une symbolique qui se voit renforcée par l’ajout de motifs à la symbolique identique. Néanmoins, la décoration de ces céramiques ignore cet aspect, se concentrant sur le côté esthétique.

La société de Petrus Regout fut rebaptisée « De Sphinx » en 1899, en référence à la marque apposée sur les pièces et figurant un sphinx couché. Toutefois, cette société ne fut pas la seule à explorer les décors japonais. D’autres se lancèrent également dans la production de faïences, de porcelaines et ce fut le cas de la Société Céramique, de Frederik Regout, de Mosa ou encore de la société De Sphinx/Société Céramique, résultat de la fusion entre ces deux fabricants en 1958.

Mais arrêtons-nous un instant sur le nom de la Société Céramique. Comme vous pouvez le constater, ce nom français n’est pas dû au hasard et témoigne du lien qui exista entre la Belgique et Maastricht durant les XIXe et XXe siècle. En effet, à l’origine, cette manufacture est l’héritière d’une autre fabrique fondée en 1851 par deux entrepreneurs belges : Nicolas Winand Clermont et Charles Chainaye sous le nom de « Clermont & Chainaye ».

D’autres liens virent le jour et au regard de la passion que je porte pour l’art et l’artisanat, je citerai la manufacture de Nimy dont le savoir-faire n’est plus à démontrer et qui fut rachetée par la Société Céramique en 1921.

Revenons à notre visite et bien que l’objectif ne soit pas de dresser un historique complet de cette production, progressons dans le temps pour observer ces pièces. Produites par la Société Céramique en 1914 et offrant un magnifique camaïeu bleu, ces pièces connues sous le nom de décor « NIPPON » offrent une décoration pour le moins incontournable dans la culture japonaise : la geisha. J’attire également votre attention sur les frises qui encadrent les différentes compositions. Celles-ci pourraient également être une inspiration de l’art japonais au travers des frises dites « Hanabishi » (花菱).

Terminons sur ces pièces produites à l’occasion des Jeux Olympiques de Tokyo en 1964. Vous les reconnaissez, n’est-ce pas ? Il s’agit bien du décor « NIPPON » repris sous le nom « SAYONARA » mais traité dans un camaïeu de brun. À l’image des athlètes qui firent leurs adieux à leurs hôtes japonais à la fin des Jeux Olympiques, ici s’achève cette première partie, témoignant d’une aventure qui dura près d’un siècle.

Mais il est encore trop tôt pour vous faire nos adieux. Entrons maintenant dans l’univers intimiste des Geisha au travers de l’exposition de Monsieur Paul van der Veer.

La dernière photo de l’exposition figure la Geiko Kikuyae qui, au terme de la cérémonie de l’Erikae (襟替え), passe du statut de maiko à celui de Geiko. Le terme « Erikae » peut être divisé en deux termes : Eri (襟), col et Kae, du verbe Kaeru (替える), changer. Il se traduit donc par le changement de col qui revêt une symbolique très forte dans laquelle la maiko délaisse le col rouge et prend le col blanc de Geiko. Aboutissement d’un long et difficile apprentissage, cette photo incarne cet accomplissement.

Source: Paul van der Veer

Ainsi, Paul Van der Veer nous plongea dans l’intimité de ces femmes qui évoluent dans l’Okiya (置屋) Hanafusa (花ふさ) de Miyagawachô (宮川町), l’un des cinq Hanamachi (花街) de Kyoto. Créé en 1751 en tant que lieu de rencontre pour les artistes locaux, Miyagawachô est situé près du théâtre Kabuki Minamiza et doit son nom à une coutume du festival de Gion consistant à laver les palanquins sacrés du sanctuaire de Yasaka dans la rivière Kamo.

C’est dans ce quartier qu’évoluent les Geisha de la maison Hanafusa. Le terme de Geisha (芸者) est lui aussi très intéressant et peut se décomposer de la façon suivante : Gei (芸), art et Sha (者), personne. En l’occurrence, il s’agit donc d’une personne liée à l’art, une artiste.

De ce fait, tout au long de l’exposition et sous les explications de Monsieur van der Veer, nous découvrîmes ces femmes versées dans la culture traditionnelle japonaise au travers de l’étude et de la maitrise de la danse, du chant, du shamisen, de la cérémonie du thé.

Cet article est également l’occasion d’insister sur un élément très important. Les Geisha ne sont en aucune manière des prostituées. Elles sont souvent confondues à tort avec les Oiran (花魁), les courtisanes de haut rang célèbres durant la période Edo. Cette confusion se rencontre encore très souvent dans la littérature ou l’image du XXe siècle, comme le prouve l’exemple ci-dessous.

Carte postale ancienne. Oiran, XXe siècle

La parcours d’une Geisha est strict et éprouvant. Pour devenir une maiko, la candidate doit quitter la maison familiale et s’installer dans l’Okiya où commence la préparation, Shikomi (仕込み) pendant un an. Durant cette période, elle doit obéir aux règles établies par l’Okiya, s’initier à la danse et apprendre le dialecte de Kyoto. Après cette période, elle devient une minarai (見習い) et durant cette phase d’environ un mois, elle assiste aux soirées avec ses ainées qu’elle observe et étudie. Vient ensuite le moment où elle devient une maiko et se lie officiellement à l’une de ses ainées qui l’accompagnera dans ce monde hors du commun.

Maiko Kikusana

Source: Paul van der Veer

Bien plus qu’une exposition, chaque photo dévoile sa part du quotidien d’un univers mystérieux qui suscite la fascination.

Mais sans entrer dans l’idéalisation, Paul Van der Veer capte la vie qui suit son cours dans les murs de l’Okiya Hanafusa et il nous la transmet telle qu’elle est, c’est-à-dire vivante, humaine. Tout au long de notre visite, nous avons ressenti la passion avec laquelle il a travaillé et cette passion transparaît également dans chacun de ses clichés.

Maiko Kikusana

Source: Paul van der Veer

Cet article touche à sa fin et pourrait encore faire couler beaucoup d’encre tant le contenu de cette visite était riche et intéressant mais nous vous invitons à découvrir par vous-même le Centre Céramique et cette exposition de photos.

Et bonne nouvelle, l’exposition a été prolongée jusqu’au 26 juin alors n’attendez plus. Toutes les informations se trouvent en fin d’article.

Nous tenons à remercier Monsieur Dijkman ainsi que Monsieur Paul van der Veer qui nous ont accompagnés lors de cette visite et sans lesquels cet article n’aurait pu voir le jour. Ils nous ont transmis des savoirs, des expériences d’une grande richesse que nous espérons, à notre tour, vous avoir transmis.

N’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous pour de plus amples informations :

Le Doudou, ducasse rituelle de Mons

Durant le mois de février, je me suis rendue avec Sébastien et Frédéric à Mons. Nous avions rendez-vous pour rencontrer une gentille Japonaise qui nous avait contactés ainsi que son mari. Nous avons profité de cette occasion pour visiter la ville, prendre des photos et se faire un chouette restaurant entre nous (et ce fut vraiment délicieux).

Ayant grandi à Mons, j’ai voulu partager avec eux les lieux qui ont marqué mon enfance et mon adolescence. Ils m’ont alors accompagnée au beffroi, à mon ancienne école ainsi qu’au parc qui se trouve tout près où nous allions faire nos séances de sport en extérieur.

Nous avons également visité un monument très important pour la ville, la collégiale Sainte-Waudru. C’est dans cet édifice que je leur ai parlé du folklore montois auquel j’ai eu le bonheur de participer durant ma jeunesse lorsque je revêtais le costume de chanoinesse pour la procession annuelle des reliques de Sainte-Waudru.

Ils ne connaissaient pas du tout cet événement culturel qui est pourtant très ancré dans la vie montoise. C’est alors qu‘ils m’ont conseillée de vous en parler afin de partager cette coutume belge qui mérite d’être mieux connue. Dans le cadre de la mission de Wallonihon qui est de favoriser des échanges culturels entre Japonais et Belges, c’est effectivement très pertinent. Merci à eux pour la suggestion 😊

C’est devant ces œuvres que nous avons commencé à parler du doudou…

Photo personnelle

A l’avant-plan se trouve le « Car d’Or ». Il s’agit du char processionnel en bois sculpté, peint et doré qui a été réalisé à la fin du XVIIIe siècle dans le style Louis XVI. Notez qu’il est encore utilisé de nos jours ! Sa longévité étonnante s’explique par le fait qu’il a été restauré et renforcé.

A l’arrière-plan se trouve le tableau intitulé « Sainte-Waudru et ses filles rendant visite aux prisonniers » peint par Antoine Van Ysendyck (1801-1875). Sainte-Waudru y est représentée en abbesse, dans un costume de chœur du XVIe siècle, celui-là même dont s’inspirent les costumes de chanoinesses du XVIe siècle utilisé à l’heure actuelle lors de la procession.

Archives personnelles

Sur la photo, vous pouvez voir que j’ai eu la chance immense de porter ce costume, je l’ai même fait plusieurs années de suite. On y meurt de chaud sous la chaleur et le soleil de juin mais c’est un tel honneur que l’on supporte aisément l’inconfort 😉

Sainte-Waudru? Chanoinesses? De qui parlons-nous ?

La patronne de Mons, Waudru, naît en 612 d’une famille aristocratique près de Maubeuge. Elle épouse le comte Maldegaire et ensemble, ils ont 4 enfants. Une fois l’éducation des enfants menée à terme, les époux décident d’un commun accord de se séparer afin d’entrer dans la vie religieuse, chose qu’ils ont toujours tous deux désirée.

Waudru fonde alors une communauté religieuse féminine sur la colline de Castri Locus qui deviendra Mons dans les siècles suivants. Waudru est reconnue pour sa vie exemplaire et, après sa mort survenue en 688, la « vox populi » la déclare sainte, ce que l’Eglise confirmera en la canonisant en 1039.

A un moment imprécis de l’histoire, la communauté religieuse de Waudru se muera en monastère. La première mention écrite attestant ce fait « monasterium de Castri Locus » date de 833. Ce monastère était probablement soumis à la règle de Saint-Benoît mais il n’y a, là encore, aucune certitude.

Ce fait de vivre en respectant des règles religieuses, aussi appelées des « canons » donne le mot « chanoinesse » (canonicae). Les chanoinesses sont donc des femmes qui vivent selon des canons. La première mention connue de ce terme « chanoinesse » dans les textes a lieu en 1123.

A Mons, ces femmes nobles ont pour rôle, outre l’assiduité aux offices religieux, avant tout de veiller à la conservation des reliques de Sainte-Waudru et aider les pauvres dans le besoin. Les chanoinesses mènent une vie consacrée à Dieu mais ne prononcent cependant pas les vœux de pauvreté, de chasteté et d’obéissance que prononcent d’ordinaire tous les religieux et religieuses entrant dans un ordre. En effet, les chanoinesses restent libres de se marier et fonder une famille dès qu’elles ont atteint l’âge de 25 ans.

Vers 1450, c’est sous l’impulsion des chanoinesses qu’est érigée la fameuse collégiale Sainte-Waudru qui se dresse encore aujourd’hui dans la ville multiséculaire. C’est dans cet édifice qu’elles sont, depuis, ensevelies à leur trépas.

L’existence des chanoinesses a pris fin à la Révolution française qui a supprimé tous les chapitres ainsi que certaines congrégations religieuses. Les chapitres n’ont jamais été recréés ensuite mais les Montois gardent un certain attachement à leurs chanoinesses, spécialement celles des XVIe et XVIIIe siècle, toujours représentées lors de la procession du Car d’Or.

Mais tout ça ne nous explique pas ce qu’est le doudou, me direz-vous… J’y viens !


La ducasse de Mons a lieu chaque année lors du week-end de la Trinité (57 jours après Pâques). On l’appelle également « doudou » en référence à un air musical abondamment joué durant ces festivités.

Cette fête a déjà une longue histoire vu que son origine remonte au Moyen Âge même si on ne connait pas avec exactitude la date de début. La première mention écrite connue qui atteste de son existence date de 1248.

Une croyance populaire veut que, frappée par la peste noire, la population s’est mise à prier Sainte-Waudru afin que la ville soit sauvée. Alors que la peste a effectivement disparu, il a été décidé de faire chaque année une procession en l’honneur de la Sainte. Cette croyance encore très répandue ne représente cependant pas la réalité historique.

En effet, la fameuse épidémie de peste noire a atteint l’Europe entre 1347 et 1352. On voit donc que les dates ne correspondent pas. Cela dit, et qu’importe ce qui a conduit à la naissance de cette tradition, les Montois y sont très attachés et y participent encore très massivement. Depuis 2005, la ducasse de Mons est reconnue comme chef-d’œuvre du patrimoine oral et immatériel de l’humanité par l’UNESCO. Son nom officiel est dès lors « Le Doudou, ducasse rituelle de Mons. »


La ducasse de Mons comporte 2 temps forts :

  • Le « jeu de Sainte-Waudru » qui commence le samedi de la Trinité et se poursuit le lendemain
  • Le « jeu de Saint-Georges qui combat le dragon », également appelé le « Lumeçon » qui se tient le dimanche
1. Le jeu de Sainte-Waudru :

Le samedi à 20h a lieu une cérémonie publique, en présence des femmes figurant les chanoinesses ainsi que des personnalités publiques de la Ville. On descend la châsse contenant les reliques de Sainte-Waudru qui se trouve habituellement suspendue au-dessus du chœur. Le doyen de la paroisse montoise prononce alors un discours remettant les reliques de Sainte-Waudru sous l’autorité du bourgmestre afin que celui-ci en assure la protection et la sécurité lors de la procession du lendemain.

(Crédit Photo : Grégory Mathelot –
(Crédit Photo : Grégory Mathelot –

Le dimanche à 9h30, un cortège historico-religieux se forme sur la place du chapitre afin de démarrer la procession. Ce cortège est composé d’environ 60 groupes, soit près de 1500 participants, représentant les personnages importants dans l’histoire de la ville! Vous pourrez trouver le détail de tous ces groupes via ce lien :

La châsse de Sainte-Waudru, posée sur le Car d’Or en queue de cortège est conduite à travers la ville et il y a alors une grande ferveur populaire. Notez que les Montois croient qu’un mouchoir frotté sur la châsse leur apportera la chance et la guérison des maladies.

Le périple à travers la ville s’achève avec la remontée du Car d’Or via la rampe Sainte-Waudru pour retourner à l’intérieur de la collégiale. La rampe Sainte-Waudru est une ruelle en pavés ayant une forte pente (20%) et le Car d’Or étant très lourd (estimé à 4 tonnes environ), il y a toujours un risque qu’il ne puisse pas la monter.

C’est pour cela, qu’en plus des 6 chevaux de trait, la foule s’amasse derrière pour l’aider à monter. La légende dit en effet que si le Car d’Or n’arrive pas en haut de la rampe Sainte-Waudru d’une seule traite, un grand malheur s’abattra sur la ville dans l’année. Le Car d’Or ne serait pas monté en 1914 et en 1940. Il n’est pas monté non plus en 2020 ni en 2021 (annulation causée par la pandémie du COVID-19).

2. Le jeu de Saint-Georges qui combat le dragon

Cette reconstitution du combat de saint Georges contre le dragon constitue l’apogée de la Ducasse de Mons. On l’appelle également « Lumeçon », mot qui désignait anciennement certains spectacles équestres en raison des mouvements circulaires des cavaliers.

Le lumeçon a lieu le dimanche de la Trinité sur la Grand-place de Mons. Le déroulé de ce combat ne doit rien au hasard, tous les éléments y sont très codifiés : les personnages représentés, les couleurs, les armes…

Point important : Saint-Georges n’évolue que dans le sens horlogique, symbolisant le chemin normal tandis que le dragon, porté par 11 hommes blancs et soutenu au niveau de la queue par 8 hommes de feuilles, ne tourne que dans le sens contraire. Avant de terrasser le dragon, Saint-Georges essaie d’abord, symboliquement, de le remettre dans le droit chemin en inversant sa course, sans succès. Autour de ces principaux protagonistes, 12 chinchins protègent Saint-Georges des 11 diables armés de vessies. Cybèle et Polyade aident également le héros et ses acolytes dans ce combat.

(Crédit image:

D’un point de vue physique, les hommes blancs et les hommes de feuilles sont soumis à rude épreuve. De fait, outre le poids du dragon, ils doivent également récupérer régulièrement la queue de celui-ci, prise littéralement d’assaut par le public qui veut en arracher le crin. Le crin du dragon, noué tel un bracelet au poignet est en effet considéré comme un porte-bonheur.

(Crédit Photo : Grégory Mathelot –
(Crédit photo : Belga et AFP –

Les membres les plus prudents du public se contentent généralement d’inspecter le sable de l’arène après le combat à la recherche de ce fameux crin de dragon.

La fin des festivités…

Le dimanche suivant, la châsse de Sainte-Waudru est remontée au-dessus du chœur de la collégiale lors d’une cérémonie assez simple. Notons encore que depuis une vingtaine d’années, les enfants ont leur « petit lumeçon » ce même dimanche qui suit la ducasse.

Voilà chers amis, j’espère vous avoir appris quelque chose et surtout, j’espère vous avoir intéressés à ce folklore auquel je reste moi-même attachée bien que ne résidant plus à Mons. J’aurais pu fournir encore beaucoup plus de détails mais je craignais que cet article se transforme alors en véritable livre. Je vous invite cependant à poursuivre votre recherche d’informations si le cœur vous en dit…

Jennifer, pour Wallonihon

« Torii, temples et sanctuaires japonais » de Joranne 

Je l’attendais avec impatience, ce deuxième bébé de Joranne. Son aîné, « Maneki-neko et autres histoires d’objets japonais », a d’ailleurs été l’objet du tout premier article que j’ai écrit pour le site (

Cette fois, je vous présente « Torii, temples et sanctuaires japonais », toujours écrit et illustré par Joranne (si vous avez bien suivi) et de nouveau paru aux éditions Sully Le Prunier. Je remercie d’ailleurs chaleureusement la maison d’édition de m’avoir fait parvenir cet exemplaire que j’ai vraiment adoré, tout comme le premier.

Concernant Joranne, on ne pourrait pas dire mieux de cette artiste dont j’aime tant le travail que ce qu’en dit son éditeur : « Illustratrice, graphiste et blogueuse, Joranne possède un style unique qui associe humour et connaissance en utilisant librement dessins, photos et textes incisifs. Amoureuse du Japon, elle nous fait partager sa passion et sa curiosité. »

Et ce livre, ça dit quoi ?

Dans ce deuxième opus, on apprend les différences entre sanctuaires et temples (non, ce n’est pas synonyme !). Les sanctuaires sont liés à la religion shintoïste qui est indigène et présente sur l’Archipel depuis au moins 400 avant notre ère! Les temples, eux, sont attachés à la religion bouddhiste. Le Bouddhisme est originaire de l’Inde et est arrivé au Japon en passant par la Chine et la Corée vers le VIe siècle de notre ère.

On comprend, à la lecture de cet ouvrage, comment ils s’organisent au niveau de l’emplacement des bâtiments, de l’architecture et du rôle précis de chaque élément. Non sans humour, Joranne nous explique l’attitude à y adopter ainsi que les gestes à y observer afin d’éviter tout mauvais pas.

On apprend également beaucoup sur les objets rituels, les officiants et quelques divinités de ces deux religions. C’est vraiment passionnant et le style léger mais précis permet de découvrir autant de choses sans avoir l’impression d’être sur un banc de l’école. C’est très fort !

Il y a encore une section que je qualifierais de « petits objets » où on découvre en détail ce que sont les « omikuji », les « ofuda », les « omamori » et d’autres objets emblématiques de la religiosité japonaise.

Qu’en ai-je pensé ?

Il s’agit là d’un ouvrage amusant à lire mais qui n’en amène pas moins une information de qualité, fruit d’une recherche minutieuse. La découverte se fait dans la bonne humeur et le plaisir.

Vous l’aurez compris, j’ai vraiment beaucoup aimé ce deuxième opus de Joranne. C’est un chouette cadeau pour tout passionné du Japon qui souhaite en apprendre davantage !

Jennifer pour WaloNihon

Pour aller plus loin:

Fiche technique du livre :

Titre : Torii, temples et sanctuaires japonais

Auteur : Joranne

Editions : Sully Le Prunier

Année de parution : 2021

ISBN : 978-2-35432-343-1

Nombre de pages : 160

À la rencontre de Mizukawa Masashi


Bonjour à toutes et tous, l’équipe de WalloNihon et moi-même sommes très fiers de vous présenter l’interview que Mizukawa Masashi, chanteur et compositeur nous a accordé.


Plus qu’une interview, je vous invite à découvrir l’homme et l’artiste.


W. Merci d’avoir accepté de répondre à quelques questions. Nous aimerions que les membres de la communauté WalloNihon et plus largement le public belge vous découvre. Pourriez-vous vous présenter en quelques mots ?

W. 質問にお答えいただき、ありがとうございました。WalloNihonコミュニティのメンバー、そしてより広くベルギーの人々にあなたを発見してもらいたいと思います。一言で自己紹介をお願いします。

MM. Je suis Mizukawa Masashi, un chanteur/compositeur masculin du Japon. Je joue de la guitare, tantôt en la grattant, tantôt en la frottant, en tirant le meilleur parti du « son » que la guitare peut produire.

MM. 日本で活動してる男性シンガーソングライターのみずかわまさしと申します。時にはギターを叩いたり、さすったり、ギターから出せる「音」を最大限に駆使して弾き語ります。

W. Vous avez commencé la musique au lycée. Est-ce aussi à ce moment que vous avez commencé à écrire vos chansons ? Pourquoi avez-vous choisi la guitare ?

W. 高校時代から音楽を始めたそうですね。曲作りを始めたのもこの頃ですか?なぜギターを選んだのですか?

MM. J’ai commencé à écrire des chansons quand j’étais au lycée. À cette époque, la guitare acoustique était très populaire au Japon. J’ai été immédiatement fasciné par le son chaud et clair enveloppés dans une boîte en bois. Depuis lors, je suis obsédé par la coloration de ma musique à travers la guitare acoustique.

MM. 高校時代から曲作りを始めました。当時、日本ではアコースティックギターがとても流行していました。私も木の箱に包まれたアコースティックギターの、暖かみのある、透き通った音色にいち早く魅せられました。以来、今に至るまでアコースティックギターを通して私の音楽を彩ることにひたすらこだわり続けています。

W. Dans votre dernière chanson, vous parlez de l’histoire d’une Oiran. Pourquoi avez-vous choisi ce thème ? Plus largement, quelles sont vos sources d’inspirations ?

W. 最新の曲で、花魁の話をされていますね。なぜこのテーマを選んだのですか?インスピレーションの源は何ですか?

MM. L’inspiration pour cette chanson est venue d’un rêve que j’ai fait. Un jour, j’ai fait un rêve dans lequel le refrain de cette chanson était joué. Lorsque je me suis réveillé de mon rêve et que j’ai entendu la mélodie, j’ai eu le flash d’une courtisane dansant sur la scène. Plus tard, lorsque je me suis rendu dans une librairie d’occasion pour en savoir plus sur les courtisanes, je suis tombé sur une magnifique courtisane de la période Edo appelée « Komurasaki ». C’était ça ! J’étais convaincu que c’était la bonne et je n’ai pas hésité à en faire le personnage principal. J’ai écrit les paroles en me basant sur sa vie et son histoire d’amour. Cette chanson parle de son amour tragique et de la façon dont elle devient un démon.

MM. この曲のインスピレーションの源は、なんと私の見た「夢」なんです。ある日見た夢の中でこの曲のサビの部分が流れていました。私が夢から覚めて、このメロディを口ずさむと、舞台の上で踊る花魁がパッと閃いたのです。後日、古書店に出向き花魁について学んでいると「小紫」という江戸時代の美しい花魁に行き当たりました。私はこれだ!と確信し迷わず彼女を主人公にしました。そして彼女の半生と恋物語をモチーフに作詞作曲に至りました。この曲は悲恋に狂い、鬼と化す彼女を歌っています。

W. Vous avez donné de nombreux concerts au Japon. En 2016, j’ai lu que vous aviez organisé un mini-concert pour des enfants souffrant de troubles du développement. Qu’est-ce qui vous a poussé à mener ce projet ?

W. 日本では多くのコンサートを開催されていますね。2016年には、発達障害の子どもたちのためのミニコンサートを開催されたとのことですが、このプロジェクトを行うきっかけは何だったのでしょうか?

MM. Ce concert a été prévu non seulement pour les enfants souffrant de troubles du développement, mais aussi pour leurs parents. Le frère de ma femme est autiste et ma belle-mère m’avait dit combien il était difficile d’élever un enfant handicapé. Elle m’a dit qu’elle n’avait plus le temps d’apprécier la musique depuis longtemps, alors j’ai décidé d’organiser ce concert pour que les parents et leurs enfants puissent profiter de mes contes.

MM. このコンサートは、私の歌で発達障害のこども達のみでなく、その親の為に立案企画いたしました。実は妻の兄が自閉症で、私は義理の母から、障害のあるこどもの子育ての大変さを聴いていました。ずっと音楽を楽しむ余裕がなかったというエピソードを聴き、親子で私の弾き語りコンサートを楽しんでもらいたいと開催に至りました。

W. Comment imaginez-vous la suite de votre carrière ? Envisageriez-vous des concerts en Europe et en Belgique ?

W. ご自身のキャリアをどのように考えていらっしゃいますか?ヨーロッパ、ベルギーでのコンサートは考えていらっしゃいますか?

MM. Je crois, par expérience, que la musique peut transcender les frontières et toucher le cœur des gens, même si la langue est différente. Je crois aussi que les histoires en direct plaisent aux gens plus que toute autre forme de musique. C’est pourquoi j’aimerais me rendre dans le plus grand nombre d’endroits possible pour diffuser mes récits. En tant qu’artiste indépendant, je ne suis pas encore très connu au Japon. Je continuerai à faire de mon mieux pour faire connaître ma musique !

MM. 言語は違えど、音楽は国境を超えて、人の心に刺さると実体験より信じてます。また目の前で聴かせる生弾き語りがどの音楽より訴えると思います。そのため出来る限り、あらゆる場所に出向き、弾き語りを広げて行きたいと考えています。個人で活動している為、日本での知名度はまだまだです。これからも私の音楽を広めるべく頑張っていきます!

W. Y-a-t-il un message que vous aimeriez adresser à la Belgique ?

W. ベルギーに送りたいメッセージはありますか?

MM. La Belgique est une terre de gastronomie. Au Japon, elle est célèbre pour son chocolat, ses gaufres et sa bière. En particulier en ce qui concerne le chocolat, les produits belges sont désormais reconnus comme les « vrais » produits. J’aimerais beaucoup m’y rendre dans un avenir proche. La Belgique est un pays qui conserve les bonnes vieilles traditions et qui continue à se développer, je m’en sens donc proche. Personnellement, j’aimerais en savoir plus sur la Belgique, ses traditions et ses légendes qui ne figurent pas dans les guides. Enfin, j’espère que la musique de Mizukawa Masashi donnera aux Européens, notamment aux Belges, un avant-goût du Japon. Merci à tous pour votre soutien !

MM. 美食の国ベルギー。日本ではチョコレートやワッフル、ビールが有名です。特にチョコレートに関してはベルギー産が「本物」として認知されるに至ります。是非とも近い将来訪れてみたいです。ベルギーは古き良き伝統を守りつつ発展し続けている国で親近感があります。個人的にはガイドブックにはないレアなベルギーの新鮮な情報、また知られざるベルギーの伝統や伝説などを知りたいです。最後に、ヨーロッパ、特にベルギーの方にみずかわまさしの音楽から、少しでも日本を感じて頂けたらと思います。皆さん、応援よろしくお願いいたします!

L’équipe de WalloNihon vous remercie pour le temps que vous nous avez accordé. Nous remercions également Sanae san pour son aide et sans laquelle cet article n’aurait pas été possible.


Si vous souhaitez en savoir plus sur Mizukawa Masashi, n’hésitez pas à suivre les liens ci-dessous / みずかわまさしさんのことをもっと知りたい方は、以下のリンクをご参照ください。

Vous pouvez également suivre Sanae san sur son compte Instagram : サナエさんのインスタグラムアカウントでもフォローできます : @shimashima9900

Les secrets du savoir-vivre nippon » de June Fujiwara

Bonjour chers amis,

Aujourd’hui je vous présente un livre qui m’a gracieusement été offert par Les Editions de l’Opportun que je remercie chaleureusement.

Ce livre c’est « Les secrets du savoir-vivre nippon » de June Fujiwara

Sans faire durer le suspense, je peux déjà vous dire que j’ai profondément aimé ce livre. Il m’a fait comprendre ce que j’aime et ce qui m’attire tellement dans la culture japonaise. Et pour moi, c’est comme un retour aux sources qui fait du bien…

Résumé de la quatrième de couverture :

Née à Tokyo, June Fujiwara vit à Paris depuis une vingtaine d'années. Elle fait l'admiration de ses collègues français pour sa capacité de résistance au stress et à la violence du quotidien. Son secret ? Les 4 piliers de la sagesse nippone qu'elle vous propose de découvrir pour accéder, vous aussi, à une vie plus "zen".

Les notions de Mujo (éloge de l'impermanence), Wa (quête de l'harmonie), Wabi Sabi (beauté du dépouillement) et Okiyome (rituel de la purification) n'auront bientôt plus de secrets pour vous ! En les adoptant, vous combattrez vos angoisses, gagnerez en sérénité et en authenticité. C'est promis !

June Fujiwara partage les valeurs ancestrales qui font la force de vie du peuple japonais. Un voyage intérieur joliment illustré au cœur de "l'énigme zen".


Au début de son ouvrage, l’auteure nous explique qu’elle est née à Tokyo et a passé une partie de son enfance en Angleterre, ce qui lui a permis d’être très tôt bilingue Anglais-Japonais. Vers 18 ans, elle est prise d’un inexplicable désir de vivre en France alors, que rien dans son entourage ne l’y encourageait.

Qu’à cela ne tienne, elle s’est mise à apprendre le français avec acharnement au point de gagner, lors d’un concours, un séjour linguistique en France. Là elle comprend qu’elle veut un jour écrire en français tant son amour de cette langue est viscéral.

En attendant de trouver « quoi écrire », elle s’installe à Paris, travaille dans l’artisanat de luxe et s’intègre parfaitement à sa vie désormais française. Vingt ans plus tard, elle qui pensait s’éloigner de ses origines japonaises avec le temps, finalement elle s’est rendu compte qu’elle était définitivement et irréductiblement Japonaise.

Comment en est-elle arrivée à ce constat ? C’est par le questionnement de ses collègues qui lui demandaient constamment comment elle parvenait à rester « zen ». Tout d’abord elle ne comprenait pas vraiment la question car le mot « zen », bien que japonais, n’a pas du tout le même sens dans la bouche d’un francophone.

En effet, le mot « zen », au Japon, renvoie à une branche du bouddhisme qui prône l’éveil par la méditation. Pour les locuteurs francophones, il n’y a aucune connotation religieuse, ce mot est plutôt synonyme de « calme », « tranquillité » et « sérénité » face à une situation difficile, stressante.

C’est après avoir compris ce questionnement chez ses interlocuteurs que June Fujiwara a décidé de partager sa « japonitude ». Voici comment est né cet ouvrage que j’ai eu le plaisir de lire, l’auteure ayant trouvé le sujet qu’elle écrirait en français…


Pour apporter sa réponse à cette question (sans prétendre qu’il s’agit de LA réponse), June Fujiwara nous présente 4 notions très importante dans la culture japonaise :

  • Le « mujô »
  • Le « wa » 
  • Le « wabi sabi » 
  • Le « Okiyome » 

L’auteure nous détaille ces notions afin que nous les comprenions bien et nous enseigne aussi comment nous pouvons les adopter et les appliquer dans notre vie quotidienne.

Ici, je ne vous résumerai que les très grandes lignes car je ne vais pas vous réécrire le livre de June Fujiwara. Je vous invite évidemment à vous procurer l’ouvrage afin d’en apprendre davantage et de pouvoir vous en imprégner à votre guise. Ce livre est vraiment très riche en explications et mon résumé ne leur rendrait pas justice.

1. MUJÔ : l’éloge de l’impermanence

Ce mot pourrait se « traduire par « Rien n’est éternel ». Il s’agit d’un concept bouddhiste qui enseigne que toute chose a un début et une fin, tout est en transformation permanente et tout est voué à disparaître un jour.

Il s’agit de vivre l’instant présent avec intensité car il est éphémère. On pourrait le comparer au « Carpe Diem » latin si on enlève le sens hédoniste que la modernité lui a ajouté erronément.

Le « mujô » comme l’expression « carpe diem » dans son tout premier sens philosophique, c’est une conscience aigüe que tout, y compris notre vie, a une fin et que cette mort peut intervenir à n’importe quel moment.

Plutôt que de combattre cet inéluctable, il convient de l’accepter et de composer avec.

2. WA : la quête de l’harmonie

Le « wa », c’est la valorisation du bien-être collectif, l’harmonie sociale. Le « seken » (opinion publique) est extrêmement important au Japon. Ainsi, « ce que vont penser les autres » a le même poids que ce que veut l’individu. Le bien-être du groupe prime sur la volonté de l’individu.

Il ne s’agit pas de renoncer à sa personnalité ni à sa créativité, loin de là. Il s’agit de pouvoir exprimer ce que l’on est, avec respect et humilité (kenson) sans abîmer l’harmonie sociale.

Le « kenson » est l’art de s’abaisser pour mieux valoriser l’autre. La vantardise n’a pas vraiment sa place au Japon…

Le « wa » (harmonie) est devenu, par extension, un mot qui représente le Japon. On parle par exemple de « washoku » (cuisine japonaise) par opposition au « yôshoku » (cuisine occidentale). Les exemples sont nombreux : « washitsu », « wagashi », « washi », etc.

3. WABI SABI : la beauté du dépouillement ainsi que l’éloge de ce qui est patiné par le temps

Le « wabi » renvoie aux notions de « sobriété » et « dépouillement ». C’est la capacité d’y déceler de la beauté et de la satisfaction spirituelle. C’est le contraire de l’amour du « strass et paillettes ».

Le « sabi », c’est le passage du temps et ce qui en découle. Il ne faut pas le traduire par des mots négatifs comme « décadence », « dégradation » ou « délabrement ». Ce mot évoque plutôt la beauté des choses qui portent la trace du temps.

L’expression « wabi sabi » évoque donc un état d’esprit serein, une capacité à trouver de la beauté et de la richesse dans la simplicité, l’authenticité et même l’imperfection.

4. OKIYOME : le rituel de la purification

Il y a une grande différence entre ce qui est considéré comme salissant l’âme chez nous et au Japon. Il convient donc de faire cette petite comparaison…

Pour les chrétiens, le « péché » est une transgression de la loi divine. Pour s’en laver, il s’agit de se repentir pour obtenir le pardon et la grâce de Dieu. On parle ici du « Bien » et du « Mal ».

Dans la religion shinto, typiquement japonaise, on ne parle pas de « péché » mais de « kegare » (souillure). L’âme des humains est un don des « kami » (dieux), c’est un bien vivant et brillant.  On parle ici du « Pur » et « Impur ».

Toute faute commise est comme une tâche à la surface de l’âme. Ce qui sépare les humains du kami, c’est cette impureté, cette souillure. Ce qui constitue ce « kegare », c’est tout ce qui dérange le « wa ». Pour s’en laver, il faut pratiquer l’« okiyome », le rituel de purification.

Par extension, au-delà de préserver la pureté de leurs âmes, les Japonais veillent à ce que leur environnement soit également propre. C’est la raison pour laquelle l’hygiène est si importante dans le quotidien au Japon, tant dans les maisons qu’à l’extérieur.


Il est très difficile d’aborder et de comprendre une autre culture, surtout quand elle si différente de la sienne. Y arrive-t-on seulement un jour complètement ? L’exercice, cependant, reste extrêmement enrichissant et on y gagne à apprendre et même, à adopter l’un ou l’autre élément des autres cultures. Cela permet de s’améliorer soi-même…

Cela m’a émue de constater que certains concepts que June Fujiwara nous explique tels que le « mujô » entrent en résonance avec mon ressenti personnel sur certains sujets. Grâce à elle, j’ai appris les mots adéquats pour le décrire.

J’ai également appris une multitude d’autres notions dont je n’ai pas parlé dans ce présent article. Tout est intéressant mais j’ai choisi de ne vous parler que des 4 notions clés pour ne pas être trop longue…

Je vous souhaite vraiment de pouvoir lire ce livre et de l’aimer comme je l’ai aimé… Après ça, vous saurez vraiment ce qu’est « être zen ».

Pour aller plus loin

Fiche technique du livre :

Titre : Les secrets du savoir-vivre nippon

Auteur : June Fujiwara

Editions : Les Editions de l’Opportun

Date de parution : Octobre 2021

ISBN : 978-2-38015-332-3

Nombre de pages : 232