À l’heure actuelle, les marques de vêtements japonaises sont assez méconnues en Belgique. Cet article est donc l’occasion de lever le voile sur l’une d’entre elles : IITO.
La marque IITO est née à Kumamoto, au cœur même de l’entreprise de filature Daiichi Bôseki (第一紡績工場), fondée en 1947. C’est la seule entreprise du Japon qui intègre à la fois les processus de filature et de teinture sur le même site, ce qui leur permet de garder la maitrise des différentes étapes de fabrication et donc de proposer des tissus pleinement représentatif de la société.
Cette marque propose principalement des t-shirts, des sweat ainsi que des pulls over réalisés au moyen de différentes techniques de filage qui apportent des caractéristiques spécifiques aux vêtements.
Ainsi, les t-shirts sont fabriqués à partir d’un coton de haute qualité associé au procédé PURE BREEZE. La particularité de ce dernier consiste en la torsion des fils qui permettent à la matière de conserver sa brillance, sa douceur naturelle et d’en accroitre la durabilité.
Source: IITO
Au travers du sweat ci-dessous que j’ai eu l’occasion de tester, il n’est pas exagéré de dire que leur expertise est perceptible dans la matière qui façonne les vêtements qu’ils proposent. En effet, ma première impression a été la douceur de celle-ci qui offre une agréable sensation de confort. Une sensation transmise par le matériau utilisé, le MIDAIR. Ce tissu, composé de 100 % de coton, est obtenu par une méthode spéciale de filage créant des couches d’air entre les fibres. Outre le confort, le MIDAIR offre cet aspect caractéristique, légèrement duveteux.
Source: Jennifer De la Rubia
Le confort ressenti lorsque l’on porte ou touche le vêtement est, à mon sens, renforcée par la couleur grise du sweat. Un gris léger, propice à la détente. Bien sûr, il ne s’agit ici que de mon ressenti personnel. D’ailleurs, ne dit-on pas « Les goûts et les couleurs, cela ne se discute pas » ? 😉
Outre la matière dont je viens de parler et qui, à mon sens, est d’excellente facture, intéressons-nous à d’autres éléments qui déterminent la qualité d’un vêtement comme les coutures ainsi que différents détails.
Généralement, je prête assez peu attention aux coutures des vêtements que je porte mais cet article est l’opportunité de changer d’avis ! En effet, bien que discrètes, elles n’en sont pas moins très importantes car elles impactent différents facteurs comme la durabilité du vêtement ainsi que son confort.
La marque IITO prend le parti de rendre les coutures apparentes, que ce soit à l’extérieur et à l’intérieur du vêtement. Un choix esthétique intéressant et qui, je pense, confère à cette marque une identité propre. En outre, puisque rien n’est dissimulé, je pense que le vêtement et donc plus largement la marque, souhaite établir une relation de confiance entre la personne et l’article qu’elle tient dans ses mains.
Pour en revenir aux coutures du sweat que je vous présente, plusieurs éléments sont à mentionner. Tout d’abord, celles présentes à l’intérieur du vêtement sont plates, douces et ne provoquent pas sur la peau cette désagréable sensation de frottement que j’ai déjà pu ressentir avec d’autres habits. De plus, elles sont parfaitement nettes, régulières et les zones de jonction entre les différentes coutures possèdent cette même régularité et netteté. Deuxièmement, intéressons-nous à celles situées sur la surface externe. Elles n’ont rien à envier à leurs cousines et possèdent les mêmes caractéristiques.
Source: Jennifer De la Rubia
Regardons de plus près la fermeture éclair. La principale caractéristique de celle-ci est qu’elle est double. De ce fait, elle permet d’opérer différents ajustements en fonction du style recherché. Réalisé en métal, le curseur est épais et glisse facilement sur les dents. Comme les coutures, la fixation du ruban au tissu est précis et ne présente pas de défaut risquant de compromettre sa durabilité.
Passons maintenant à deux détails. Tout d’abord, j’aimerais m’attarder sur la capuche absolument fantastique ! Cette dernière est large, épaisse mais légère et une fois enfilée, elle offre un espace très agréable, doux et chaud ! Deuxièmement, j’attire votre attention sur la pièce de tissu triangulaire située sous l’aisselle. Celle-ci accorde davantage d’aisance au niveau des bras, ce qui, une fois encore, accroit le sentiment de confort ressenti.
Source: Jennifer De la Rubia
Ce test touche doucement à sa fin mais si je devais définir les principales caractéristiques de cette marque au travers de ce sweat, je dirais : simplicité, qualité et confort. En effet, bien que le modèle soit simple, cette caractéristique est un atout lui permettant de se détacher des règles des styles vestimentaires qui rythment notre société. La matière éveille le toucher et fait du vêtement un habit que l’on a envie de porter et plus encore, de garder. La qualité s’incarne dans les différents éléments constitutifs du vêtements et ce faisant, établi un lien de confiance entre la marque et nous-même. Suis-je prêt à faire confiance à la marque IITO ? Oui, assurément ! Et vous ?
Source: Jennifer De la Rubia
Si vous souhaitez découvrir davantage la marque IITO, n’hésitez pas à consulter leur site Internet : IITO SHOP / TOPページ (ichibo.jp)
Vous pouvez également les suivre sur les réseaux sociaux via :
La marque était également représentée à l’occasion de trois Pop-up Exhibition à Paris, Anvers et Londres dans le cadre du projet initié par Setsugekka et que vous pouvez découvrir dans mon second article 😉
Setsugekka (雪月花), a poetic name for the natural beauty of the seasons in Japan: the snow of winter, the moon of autumn and the flowers of spring. And such is the name chosen for this project revolving around two objectives: to highlight the beauty of Japanese craftsmanship through a minimalist aesthetic and to respond to Fueki Ryûkô’s (不易流行) philosophy, which could be summarized as « Continuity and Change ».
Source: Setsugekka
Minimalism or « Less is more » is what I call a return to the essential. This concept is deeply rooted in the Japanese culture marked by Zen Buddhism. In order to understand it, we have to leave our Western eyes and try to perceive its meaning through the eyes of the Japanese culture. Without going into detail because that is not the point, there are seven aesthetic principles in Zen philosophy including Kanso (簡素), simplicity. The latter makes sense in this initiative where each creation is free of any superfluous elements. By the same token, our daily life itself becomes simpler.
In addition, I think a second concept is perfectly illustrated by this project, that of Yûgen (幽玄), mysterious depth and consisting of feeling the hidden beauty. A beautiful example is no more and no less than the name « Setsugekka ». Everyone can imagine the beauty of cherry trees in spring. But broaden your horizons… Seasons come and go, landscapes change, shaped by the work of nature and man. These cherry trees that you imagine have a past, a present and a future. To feel it is, in my opinion, the perception of this hidden beauty. It is the same for these objects. The raw material has been worked, shaped to give it the desired form. Over time, it will also evolve, the beauty of use.
Source: personal photo
Fueki Ryûkô’s philosophy may seem complex but an example is better than a long speech. Handicrafts are, in my opinion, an important part of Japanese culture and as such, have an immutable essence. However, on several occasions, I have noticed that traditional craftsmanship sometimes struggles to find its place in our modern society. Thus, I think that the main challenge is to integrate changes, evolutions without changing the original form.
Therefore, this project aims to present the work of artists, craftsmen and companies immersed in the very heart of these reflections. You will find creations touching different materials, intended for different uses but all marked by the same desire to bring an aesthetic reduced to its purest essence and this will to integrate them in our daily life and by this way, to enrich it. I would go even further… It is not only about concepts embodied in the work of these men and women but also the transmission of values strongly rooted in Japanese culture.
This is particularly the case for the clothing brand IITO. Specialized in the manufacture of cotton clothes for nearly 70 years in the Kumamoto region, the clothes it offers are marked by a simplicity in the form but a technical research in order to bring softness, comfort, durability to its creations. You will find more information related to this brand in the article dedicated to it 😉
Source: IITO and Jennifer De la Rubia
This article is coming to an end but before I leave you, I also wanted to highlight the work of another one of these people who is putting her talent and know-how at the service of this project: Yuki Onizuka, a specialist in Yokoburi (横振り) embroidery, a term meaning horizontal swing.
A strange name to say the least, but patience. Let’s go back in time and precisely to the Taishô era (1912-1926), period during which this process was born. It would find its origin in the city of Kiryû in the current prefecture of Gunma and was mainly used for the embroidery of Buddhist altar objects and kimono.
Today, this craftswoman creates modern jewelry using a 70-year-old mechanical sewing machine! But unlike a conventional machine, the needle of this one moves from left to right, creating a kind of swing from which the technique takes its name.
At this moment, imagine the piece of fabric delicately placed on the workbench, the back and forth movement of the needle giving substance to the artist’s creation. Even more, the sounds produced by this machine activated by movements on the pedal, the lever… The scene comes to life and, in your turn, you can perceive its hidden beauty.
But beyond its original form, this technique is sublimated by the know-how and inspirations of this artist. Thus, she does not only reproduce a process, she enriches it. The result is unique pieces in which nature reveals itself with a lot of grace and softness. Nature is revealed to us in its simplest but magnificent simplicity.
This fabulous initiative was embodied in three Pop-up Exhibitions held in Paris, Antwerp and London from January 07 to 22. Via Setsugekka’s Facebook page, you can discover the work of other talented artists ! On WalloNihon’s page, don’t hesitate to consult the post dedicated to my visit of the one in Antwerp: discoveries, meetings were there !
Setsugekka (雪月花), une appellation poétique désignant la beauté naturelle des saisons au Japon : la neige de l’hiver, la lune de l’automne et les fleurs du printemps. Et tel est le nom choisi pour ce projet s’articulant autour de deux objectifs : mettre en valeur la beauté de l’artisanat japonais à travers une esthétique minimaliste et répondre à la philosophie de Fueki Ryûkô (不易流行) que l’on pourrait synthétiser par « Continuité et changement ».
Source: Setsugekka
Le minimalisme ou « Less is more », moins c’est plus, est ce que j’appelle un retour à l’essentiel. Ce concept s’enracine profondément dans la culture japonaise marquée par le Bouddhisme Zen. Pour le comprendre, il nous faut délaisser notre regard d’Occidentaux pour tenter d’en percevoir la signification au travers de celui de la culture nipponne. Sans entrer dans les détails car ce n’est pas le but, il existe sept principes esthétiques dans la philosophie Zen dont le Kanso (簡素), simplicité. Cette dernière prend sens dans cette initiative où chaque création est libérée de tout élément superflu. Par la même, notre quotidien en devient lui-même plus simple.
En outre, je pense qu’un second concept est parfaitement illustré par ce projet, celui de Yûgen (幽玄), profondeur mystérieuse et consistant à ressentir la beauté cachée. Un bel exemple n’est ni plus ni moins que le nom « Setsugekka ». Chacun peut imaginer la beauté des cerisiers au printemps. Mais élargissez vos horizons… Les saisons se succèdent, les paysages évoluent, façonnés par l’œuvre de la nature et de l’Homme. Ces cerisiers que vous imaginez ont un passé, un présent et un futur. Le ressentir est, à mon sens, la perception de cette beauté cachée. Il en va de même pour ces objets. La matière première a été travaillée, façonnée pour lui donner la forme désirée. Au fil du temps, celle-ci aussi va évoluer, la beauté de l’usage.
Source: photo personnelle
La philosophie de Fueki Ryûkô peut paraître complexe mais un exemple vaut mieux qu’un long discours. L’artisanat est, à mon sens, un élément important de la culture japonaise et à ce titre, possède une essence immuable. Toutefois, à plusieurs reprises, j’ai constaté que l’artisanat traditionnel peine parfois à trouver sa place dans notre société moderne. Ainsi, je pense que le principal défi est d’y intégrer des changements, des évolutions sans en modifier la forme originale.
De ce fait, ce projet vise à présenter le travail d’artistes, d’artisans et d’entreprises plongés au cœur même de ces réflexions. Vous y trouverez des créations touchant à différentes matières, destinées à différents usages mais toutes marquées par ce même désir d’apporter une esthétique réduite à son essence la plus pure et cette volonté de les intégrer dans notre vie quotidienne et par là même, de l’enrichir. J’irais même plus loin… Il ne s’agit pas uniquement de concepts s’incarnant dans le travail de ces hommes et de ces femmes mais également la transmission de valeurs fortement ancrées dans la culture japonaise.
C’est notamment le cas de la marque de vêtements IITO. Spécialisée dans la fabrication de vêtements en coton depuis près de 70 ans dans la région de Kumamoto, les habits qu’elle propose sont marqués par une simplicité dans la forme mais une recherche technique afin d’apporter douceur, confort, durabilité à ses créations. Vous trouverez davantage d’informations liées à cette marque dans l’article qui lui est dédié 😉
Source: IITO et Jennifer De la Rubia
Cet article arrive à son terme mais avant de vous quitter, je souhaitais également mettre en lumière le travail d’une autre de ces personnes qui met son talent et son savoir-faire au service de ce projet : Yuki Onizuka, spécialiste de la broderie Yokoburi (横振り), un terme signifiant balancement horizontal.
Une appellation pour le moins étrange mais patience. Remontons dans le temps et précisément à l’ère Taishô (1912-1926), période durant laquelle ce procédé est né. Ce dernier trouverait son origine dans la ville de Kiryû dans l’actuelle préfecture de Gunma et était principalement utilisé pour la broderie d’objets d’autels bouddhiques et de kimono.
Aujourd’hui, cette artisane crée des bijoux modernes à l’aide d’un modèle de machine à coudre mécanique vieux de 70 ans ! Mais contrairement à une machine classique, l’aiguille de celle-ci se déplace de gauche à droite, créant une sorte de balancement duquel la technique tire son nom.
À cet instant, imaginez la pièce de tissu délicatement posée sur l’établi, le mouvement de va et vient de l’aiguille donnant corps à la création de l’artiste. Plus encore, les sons produits par cette machine actionnée par des mouvements sur la pédale, le levier… La scène prend vie et, à votre tour, vous pouvez en percevoir la beauté cachée.
Mais dépassant sa forme originelle, cette technique se voit sublimée par le savoir-faire et les inspirations de cette artiste. De ce fait, elle ne fait pas que reproduire un procédé, elle l’enrichit. Il en résulte des pièces uniques dans lesquelles la nature se dévoile avec beaucoup de grâce, de douceur. La nature nous est révélée dans ce qu’elle a de plus simple mais une magnifique simplicité.
Source: Yuki Onizuka
Si vous souhaitez en savoir plus sur Setsugekka, je vous invite à consulter leur site Internet : Setsugekka (setsugekka1911.jp)
Vous pouvez également les suivre sur les réseaux sociaux via :
Cette fabuleuse initiative s’est incarnée dans trois Pop-up Exhibition qui se sont tenus à Paris, Anvers et Londres du 07 au 22 janvier. Via la page Facebook de Setsugekka, vous pourrez découvrir le travail d’autres artistes talentueux ! Sur celle de WalloNihon, n’hésitez pas à consulter le post dédié à ma visite de celui d’Anvers : découvertes, rencontres ont été au rendez-vous !
Le 16 avril, l’équipe de WalloNihon, représentée par Jennifer, Frédéric et moi-même est partie à la découverte des collections du Centre Céramique ainsi que de la magnifique exposition de photos qui nous immergea dans l’univers des Geisha.
Notre visite commença par un voyage dans le temps, à une époque où le Japon exerçait une influence majeure dans les arts décoratifs, poussant les artistes et artisans européens à rivaliser d’ingéniosité pour imiter ou s’inspirer des créations de leurs homologues japonais dans un pays qui, isolé pendant près de deux siècles, s’ouvrait au monde. La restauration Meiji débutait…
Les plus grands producteurs de céramique de Maastricht œuvrèrent pendant près d’un siècle, de 1868 à 1965, à la fabrication de faïences puis de porcelaines marquées par ce Japonisme. Sous les enseignements de Monsieur Dijkman, conservateur du Centre Céramique, nous découvrîmes l’histoire de cette formidable aventure qui nous ramena également en Belgique…
En 1868, Petrus Regout (1801-1878) créa un service au nom évocateur, « JAPAN », ce qui traça la route qu’allait prendre la production de céramique à Maastricht. Ce service est très intéressant car je pense que l’on ressent bien l’influence japonaise au travers de la couleur rouge, une probable évocation du rouge kaki caractéristique de la porcelaine japonaise.
Nous poursuivîmes notre visite et nous pûmes mesurer l’étendue de cette collection. Ainsi, cette autre production de Petrus Regout porte le nom de « WAAYER », éventail. Ce dernier est très courant dans l’art japonais, qu’il soit utilisé comme motif décoratif ou pour sa forme. Ce n’était donc pas un hasard que celui-ci soit repris et réinterprété dans la production de Maastricht. D’autres motifs ont également été repris comme la grue, le pluvier ou encore le bambou.
Toutefois, dans l’art japonais, les motifs décoratifs sont rarement utilisés pour cette fonction propre. Ils possèdent une symbolique qui se voit renforcée par l’ajout de motifs à la symbolique identique. Néanmoins, la décoration de ces céramiques ignore cet aspect, se concentrant sur le côté esthétique.
La société de Petrus Regout fut rebaptisée « De Sphinx » en 1899, en référence à la marque apposée sur les pièces et figurant un sphinx couché. Toutefois, cette société ne fut pas la seule à explorer les décors japonais. D’autres se lancèrent également dans la production de faïences, de porcelaines et ce fut le cas de la Société Céramique, de Frederik Regout, de Mosa ou encore de la société De Sphinx/Société Céramique, résultat de la fusion entre ces deux fabricants en 1958.
Mais arrêtons-nous un instant sur le nom de la Société Céramique. Comme vous pouvez le constater, ce nom français n’est pas dû au hasard et témoigne du lien qui exista entre la Belgique et Maastricht durant les XIXe et XXe siècle. En effet, à l’origine, cette manufacture est l’héritière d’une autre fabrique fondée en 1851 par deux entrepreneurs belges : Nicolas Winand Clermont et Charles Chainaye sous le nom de « Clermont & Chainaye ».
D’autres liens virent le jour et au regard de la passion que je porte pour l’art et l’artisanat, je citerai la manufacture de Nimy dont le savoir-faire n’est plus à démontrer et qui fut rachetée par la Société Céramique en 1921.
Revenons à notre visite et bien que l’objectif ne soit pas de dresser un historique complet de cette production, progressons dans le temps pour observer ces pièces. Produites par la Société Céramique en 1914 et offrant un magnifique camaïeu bleu, ces pièces connues sous le nom de décor « NIPPON » offrent une décoration pour le moins incontournable dans la culture japonaise : la geisha. J’attire également votre attention sur les frises qui encadrent les différentes compositions. Celles-ci pourraient également être une inspiration de l’art japonais au travers des frises dites « Hanabishi » (花菱).
Terminons sur ces pièces produites à l’occasion des Jeux Olympiques de Tokyo en 1964. Vous les reconnaissez, n’est-ce pas ? Il s’agit bien du décor « NIPPON » repris sous le nom « SAYONARA » mais traité dans un camaïeu de brun. À l’image des athlètes qui firent leurs adieux à leurs hôtes japonais à la fin des Jeux Olympiques, ici s’achève cette première partie, témoignant d’une aventure qui dura près d’un siècle.
Mais il est encore trop tôt pour vous faire nos adieux. Entrons maintenant dans l’univers intimiste des Geisha au travers de l’exposition de Monsieur Paul van der Veer.
La dernière photo de l’exposition figure la Geiko Kikuyae qui, au terme de la cérémonie de l’Erikae (襟替え), passe du statut de maiko à celui de Geiko. Le terme « Erikae » peut être divisé en deux termes : Eri (襟), col et Kae, du verbe Kaeru (替える), changer. Il se traduit donc par le changement de col qui revêt une symbolique très forte dans laquelle la maiko délaisse le col rouge et prend le col blanc de Geiko. Aboutissement d’un long et difficile apprentissage, cette photo incarne cet accomplissement.
Source: Paul van der Veer
Ainsi, Paul Van der Veer nous plongea dans l’intimité de ces femmes qui évoluent dans l’Okiya (置屋) Hanafusa (花ふさ) de Miyagawachô (宮川町), l’un des cinq Hanamachi (花街) de Kyoto. Créé en 1751 en tant que lieu de rencontre pour les artistes locaux, Miyagawachô est situé près du théâtre Kabuki Minamiza et doit son nom à une coutume du festival de Gion consistant à laver les palanquins sacrés du sanctuaire de Yasaka dans la rivière Kamo.
C’est dans ce quartier qu’évoluent les Geisha de la maison Hanafusa. Le terme de Geisha (芸者) est lui aussi très intéressant et peut se décomposer de la façon suivante : Gei (芸), art et Sha (者), personne. En l’occurrence, il s’agit donc d’une personne liée à l’art, une artiste.
De ce fait, tout au long de l’exposition et sous les explications de Monsieur van der Veer, nous découvrîmes ces femmes versées dans la culture traditionnelle japonaise au travers de l’étude et de la maitrise de la danse, du chant, du shamisen, de la cérémonie du thé.
Cet article est également l’occasion d’insister sur un élément très important. Les Geisha ne sont en aucune manière des prostituées. Elles sont souvent confondues à tort avec les Oiran (花魁), les courtisanes de haut rang célèbres durant la période Edo. Cette confusion se rencontre encore très souvent dans la littérature ou l’image du XXe siècle, comme le prouve l’exemple ci-dessous.
Carte postale ancienne. Oiran, XXe siècle
La parcours d’une Geisha est strict et éprouvant. Pour devenir une maiko, la candidate doit quitter la maison familiale et s’installer dans l’Okiya où commence la préparation, Shikomi (仕込み) pendant un an. Durant cette période, elle doit obéir aux règles établies par l’Okiya, s’initier à la danse et apprendre le dialecte de Kyoto. Après cette période, elle devient une minarai (見習い) et durant cette phase d’environ un mois, elle assiste aux soirées avec ses ainées qu’elle observe et étudie. Vient ensuite le moment où elle devient une maiko et se lie officiellement à l’une de ses ainées qui l’accompagnera dans ce monde hors du commun.
Maiko Kikusana
Source: Paul van der Veer
Bien plus qu’une exposition, chaque photo dévoile sa part du quotidien d’un univers mystérieux qui suscite la fascination.
Mais sans entrer dans l’idéalisation, Paul Van der Veer capte la vie qui suit son cours dans les murs de l’Okiya Hanafusa et il nous la transmet telle qu’elle est, c’est-à-dire vivante, humaine. Tout au long de notre visite, nous avons ressenti la passion avec laquelle il a travaillé et cette passion transparaît également dans chacun de ses clichés.
Maiko Kikusana
Source: Paul van der Veer
Cet article touche à sa fin et pourrait encore faire couler beaucoup d’encre tant le contenu de cette visite était riche et intéressant mais nous vous invitons à découvrir par vous-même le Centre Céramique et cette exposition de photos.
Et bonne nouvelle, l’exposition a été prolongée jusqu’au 26 juin alors n’attendez plus. Toutes les informations se trouvent en fin d’article.
Nous tenons à remercier Monsieur Dijkman ainsi que Monsieur Paul van der Veer qui nous ont accompagnés lors de cette visite et sans lesquels cet article n’aurait pu voir le jour. Ils nous ont transmis des savoirs, des expériences d’une grande richesse que nous espérons, à notre tour, vous avoir transmis.
N’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous pour de plus amples informations :
Durant le mois de février, je me suis rendue avec Sébastien et Frédéric à Mons. Nous avions rendez-vous pour rencontrer une gentille Japonaise qui nous avait contactés ainsi que son mari. Nous avons profité de cette occasion pour visiter la ville, prendre des photos et se faire un chouette restaurant entre nous (et ce fut vraiment délicieux).
Ayant grandi à Mons, j’ai voulu partager avec eux les lieux qui ont marqué mon enfance et mon adolescence. Ils m’ont alors accompagnée au beffroi, à mon ancienne école ainsi qu’au parc qui se trouve tout près où nous allions faire nos séances de sport en extérieur.
Nous avons également visité un monument très important pour la ville, la collégiale Sainte-Waudru. C’est dans cet édifice que je leur ai parlé du folklore montois auquel j’ai eu le bonheur de participer durant ma jeunesse lorsque je revêtais le costume de chanoinesse pour la procession annuelle des reliques de Sainte-Waudru.
Ils ne connaissaient pas du tout cet événement culturel qui est pourtant très ancré dans la vie montoise. C’est alors qu‘ils m’ont conseillée de vous en parler afin de partager cette coutume belge qui mérite d’être mieux connue. Dans le cadre de la mission de Wallonihon qui est de favoriser des échanges culturels entre Japonais et Belges, c’est effectivement très pertinent. Merci à eux pour la suggestion 😊
C’est devant ces œuvres que nous avons commencé à parler du doudou…
Photo personnelle
A l’avant-plan se trouve le « Car d’Or ». Il s’agit du char processionnel en bois sculpté, peint et doré qui a été réalisé à la fin du XVIIIe siècle dans le style Louis XVI. Notez qu’il est encore utilisé de nos jours ! Sa longévité étonnante s’explique par le fait qu’il a été restauré et renforcé.
A l’arrière-plan se trouve le tableau intitulé « Sainte-Waudru et ses filles rendant visite aux prisonniers » peint par Antoine Van Ysendyck (1801-1875). Sainte-Waudru y est représentée en abbesse, dans un costume de chœur du XVIe siècle, celui-là même dont s’inspirent les costumes de chanoinesses du XVIe siècle utilisé à l’heure actuelle lors de la procession.
Sur la photo, vous pouvez voir que j’ai eu la chance immense de porter ce costume, je l’ai même fait plusieurs années de suite. On y meurt de chaud sous la chaleur et le soleil de juin mais c’est un tel honneur que l’on supporte aisément l’inconfort 😉
Sainte-Waudru? Chanoinesses? De qui parlons-nous ?
La patronne de Mons, Waudru, naît en 612 d’une famille aristocratique près de Maubeuge. Elle épouse le comte Maldegaire et ensemble, ils ont 4 enfants. Une fois l’éducation des enfants menée à terme, les époux décident d’un commun accord de se séparer afin d’entrer dans la vie religieuse, chose qu’ils ont toujours tous deux désirée.
Waudru fonde alors une communauté religieuse féminine sur la colline de Castri Locus qui deviendra Mons dans les siècles suivants. Waudru est reconnue pour sa vie exemplaire et, après sa mort survenue en 688, la « vox populi » la déclare sainte, ce que l’Eglise confirmera en la canonisant en 1039.
A un moment imprécis de l’histoire, la communauté religieuse de Waudru se muera en monastère. La première mention écrite attestant ce fait « monasterium de Castri Locus » date de 833. Ce monastère était probablement soumis à la règle de Saint-Benoît mais il n’y a, là encore, aucune certitude.
Ce fait de vivre en respectant des règles religieuses, aussi appelées des « canons » donne le mot « chanoinesse » (canonicae). Les chanoinesses sont donc des femmes qui vivent selon des canons. La première mention connue de ce terme « chanoinesse » dans les textes a lieu en 1123.
A Mons, ces femmes nobles ont pour rôle, outre l’assiduité aux offices religieux, avant tout de veiller à la conservation des reliques de Sainte-Waudru et aider les pauvres dans le besoin. Les chanoinesses mènent une vie consacrée à Dieu mais ne prononcent cependant pas les vœux de pauvreté, de chasteté et d’obéissance que prononcent d’ordinaire tous les religieux et religieuses entrant dans un ordre. En effet, les chanoinesses restent libres de se marier et fonder une famille dès qu’elles ont atteint l’âge de 25 ans.
Vers 1450, c’est sous l’impulsion des chanoinesses qu’est érigée la fameuse collégiale Sainte-Waudru qui se dresse encore aujourd’hui dans la ville multiséculaire. C’est dans cet édifice qu’elles sont, depuis, ensevelies à leur trépas.
Photos personnelles
L’existence des chanoinesses a pris fin à la Révolution française qui a supprimé tous les chapitres ainsi que certaines congrégations religieuses. Les chapitres n’ont jamais été recréés ensuite mais les Montois gardent un certain attachement à leurs chanoinesses, spécialement celles des XVIe et XVIIIe siècle, toujours représentées lors de la procession du Car d’Or.
Mais tout ça ne nous explique pas ce qu’est le doudou, me direz-vous… J’y viens !
Origine:
La ducasse de Mons a lieu chaque année lors du week-end de la Trinité (57 jours après Pâques). On l’appelle également « doudou » en référence à un air musical abondamment joué durant ces festivités.
Cette fête a déjà une longue histoire vu que son origine remonte au Moyen Âge même si on ne connait pas avec exactitude la date de début. La première mention écrite connue qui atteste de son existence date de 1248.
Une croyance populaire veut que, frappée par la peste noire, la population s’est mise à prier Sainte-Waudru afin que la ville soit sauvée. Alors que la peste a effectivement disparu, il a été décidé de faire chaque année une procession en l’honneur de la Sainte. Cette croyance encore très répandue ne représente cependant pas la réalité historique.
En effet, la fameuse épidémie de peste noire a atteint l’Europe entre 1347 et 1352. On voit donc que les dates ne correspondent pas. Cela dit, et qu’importe ce qui a conduit à la naissance de cette tradition, les Montois y sont très attachés et y participent encore très massivement. Depuis 2005, la ducasse de Mons est reconnue comme chef-d’œuvre du patrimoine oral et immatériel de l’humanité par l’UNESCO. Son nom officiel est dès lors « Le Doudou, ducasse rituelle de Mons. »
Déroulement:
La ducasse de Mons comporte 2 temps forts :
Le « jeu de Sainte-Waudru » qui commence le samedi de la Trinité et se poursuit le lendemain
Le « jeu de Saint-Georges qui combat le dragon », également appelé le « Lumeçon » qui se tient le dimanche
1. Le jeu de Sainte-Waudru :
Le samedi à 20h a lieu une cérémonie publique, en présence des femmes figurant les chanoinesses ainsi que des personnalités publiques de la Ville. On descend la châsse contenant les reliques de Sainte-Waudru qui se trouve habituellement suspendue au-dessus du chœur. Le doyen de la paroisse montoise prononce alors un discours remettant les reliques de Sainte-Waudru sous l’autorité du bourgmestre afin que celui-ci en assure la protection et la sécurité lors de la procession du lendemain.
Le dimanche à 9h30, un cortège historico-religieux se forme sur la place du chapitre afin de démarrer la procession. Ce cortège est composé d’environ 60 groupes, soit près de 1500 participants, représentant les personnages importants dans l’histoire de la ville! Vous pourrez trouver le détail de tous ces groupes via ce lien : https://www.processionducardor.be/group/
La châsse de Sainte-Waudru, posée sur le Car d’Or en queue de cortège est conduite à travers la ville et il y a alors une grande ferveur populaire. Notez que les Montois croient qu’un mouchoir frotté sur la châsse leur apportera la chance et la guérison des maladies.
Le périple à travers la ville s’achève avec la remontée du Car d’Or via la rampe Sainte-Waudru pour retourner à l’intérieur de la collégiale. La rampe Sainte-Waudru est une ruelle en pavés ayant une forte pente (20%) et le Car d’Or étant très lourd (estimé à 4 tonnes environ), il y a toujours un risque qu’il ne puisse pas la monter.
C’est pour cela, qu’en plus des 6 chevaux de trait, la foule s’amasse derrière pour l’aider à monter. La légende dit en effet que si le Car d’Or n’arrive pas en haut de la rampe Sainte-Waudru d’une seule traite, un grand malheur s’abattra sur la ville dans l’année. Le Car d’Or ne serait pas monté en 1914 et en 1940. Il n’est pas monté non plus en 2020 ni en 2021 (annulation causée par la pandémie du COVID-19).
2. Le jeu de Saint-Georges qui combat le dragon
Cette reconstitution du combat de saint Georges contre le dragon constitue l’apogée de la Ducasse de Mons. On l’appelle également « Lumeçon », mot qui désignait anciennement certains spectacles équestres en raison des mouvements circulaires des cavaliers.
Le lumeçon a lieu le dimanche de la Trinité sur la Grand-place de Mons. Le déroulé de ce combat ne doit rien au hasard, tous les éléments y sont très codifiés : les personnages représentés, les couleurs, les armes…
Point important : Saint-Georges n’évolue que dans le sens horlogique, symbolisant le chemin normal tandis que le dragon, porté par 11 hommes blancs et soutenu au niveau de la queue par 8 hommes de feuilles, ne tourne que dans le sens contraire. Avant de terrasser le dragon, Saint-Georges essaie d’abord, symboliquement, de le remettre dans le droit chemin en inversant sa course, sans succès. Autour de ces principaux protagonistes, 12 chinchins protègent Saint-Georges des 11 diables armés de vessies. Cybèle et Polyade aident également le héros et ses acolytes dans ce combat.
D’un point de vue physique, les hommes blancs et les hommes de feuilles sont soumis à rude épreuve. De fait, outre le poids du dragon, ils doivent également récupérer régulièrement la queue de celui-ci, prise littéralement d’assaut par le public qui veut en arracher le crin. Le crin du dragon, noué tel un bracelet au poignet est en effet considéré comme un porte-bonheur.
Les membres les plus prudents du public se contentent généralement d’inspecter le sable de l’arène après le combat à la recherche de ce fameux crin de dragon.
La fin des festivités…
Le dimanche suivant, la châsse de Sainte-Waudru est remontée au-dessus du chœur de la collégiale lors d’une cérémonie assez simple. Notons encore que depuis une vingtaine d’années, les enfants ont leur « petit lumeçon » ce même dimanche qui suit la ducasse.
Voilà chers amis, j’espère vous avoir appris quelque chose et surtout, j’espère vous avoir intéressés à ce folklore auquel je reste moi-même attachée bien que ne résidant plus à Mons. J’aurais pu fournir encore beaucoup plus de détails mais je craignais que cet article se transforme alors en véritable livre. Je vous invite cependant à poursuivre votre recherche d’informations si le cœur vous en dit…
Vous avez un petit creux ? Alors j’ai de quoi vous satisfaire !
Aujourd’hui, je vous présente un livre de recettes que je n’aurais pas eu l’idée d’acheter à la base (et c’est un tort !). Ce livre, c’est « Cuisine japonaise Vegan ultra-facile » de Tim Anderson et paru chez Synchronique Éditions que je remercie chaleureusement pour l’exemplaire qu’ils m’ont envoyé.
Si vous me suivez sur Instagram, vous savez sans doute que je suis connue pour mon amour sans limites pour les ramen, souvent avec du porc chashu et des œufs marinés. Je ne suis pas vegan dans ma vie quotidienne et c’est donc une découverte pour moi que de m’essayer aux recettes végétaliennes de ce livre !
Et franchement, je ne suis pas déçue du voyage, moi qui aime beaucoup les légumes (ben oui je ne me nourris heureusement pas que de ramen), je trouve que c’est une belle façon de les travailler. De plus, la cuisine végétarienne, du moins sans viande, a été l’essentiel de la cuisine japonaise pendant des siècles (près de 1200 ans !).
En effet, le bouddhisme, devenu religion d’état au Japon vers le VIe siècle interdisait de consommer de la viande. Les Japonais se nourrissaient donc principalement de légumes, de céréales (riz, blé…) et de produits de la mer. Dans certains temples cependant, les moines mangent exclusivement végétarien (ou végétalien) même encore aujourd’hui.
La grande présence de viande sur les tables japonaises est un phénomène assez récent finalement. Ce n’est qu’en 1872 que l’empereur Meiji signe un édit annulant formellement l’interdiction de consommer de la viande. La consommation carnée était cependant déjà admise durant l’ère Edo.
Ces recettes sont donc, à mon sens, une porte ouverte sur la gastronomie véritablement traditionnelle du Japon. Et c’est savoureux, plein de cet umami qu’on apprécie tant ! Je suis conquise ? On dirait bien que oui 😉
Détail qui a son importance : le titre est exact sur ce qu’il avance ! Les recettes sont effectivement ultra-faciles à réaliser, un vrai jeu d’enfant. Pour ma part, j’ai vraiment adopté ce livre de recettes et en plus, monsieur apprécie ce que je prépare grâce à lui. C’est pas beau ça ?
Un mot sur Tim Anderson, l’auteur de ce livre
Tim Anderson est connu surtout en Grande-Bretagne en tant que vainqueur de l’émission MasterChef. Passionné de cuisine japonaise, il a ouvert un restaurant, le « Nanban », à Londres.
Sa connaissance de la cuisine japonaise lui vient de ce qu’il l’a étudiée pendant près de 20 ans sans compter qu’il a vécu quelques années à Fukuoka. Il a d’ailleurs écrit deux autres ouvrages : « Cuisine japonaise ultra-facile », paru chez Synchronique Éditions en 2018 et « Tokyo stories » ainsi que « Nanban » (ces deux titres n’ayant pas encore été traduits en français).
L’auteur explique, en introduction, qu’il est devenu vegan par « accident ». En effet, il travaillait tellement dans son restaurant qu’il ne cuisinait presque plus chez lui. Pour éviter de gaspiller, il a commencé à changer sa façon de faire ses courses en limitant les achats de viande et de poisson et en privilégiant les aliments qui se conservent bien : légumes-racines, légumes surgelés ou en conserve ainsi que des pâtes et du riz.
Voilà comment ce cuisinier est devenu, sans l’avoir prémédité, un végétalien très heureux de ce changement dans sa vie. C’est chouette qu’il ait eu l’envie de partager ses recettes avec le public.
Focus sur une recette de yaki soba que j’adore
Elle est véritablement extrêmement facile à faire, vraiment !
Ingrédientspour 4 personnes :
2 C à S d’huile pour la cuisson
2 oignons coupés en rondelles (5mm)
2 carottes pelées, coupées en deux puis en fines tranches (2mm)
½ chou pointu coupé en lamelle de 1 cm
6 champignons shiitakés sans leur pieds, émincés
1 C à S d’huile de sésame
½ C à C de dashi en poudre
3 C à S de sauce soja
3 C à S de ketchup
2 C à S de mirin
1 C à S de saké
Poivre blanc
4 portions de ramen cuites (ou nouilles semblables)
1 C à S de graines de sésame
Un peu de pickles de gingembre rouge, d’oignons de printemps et de nori ciselée pour décorer
Marche à suivre :
Faire chauffer l’huile dans un wok ou sauteuse
Ajouter les oignons et laisser quelques minutes jusqu’à ce qu’ils commencent à colorer
Ajouter les carottes, les champignons et le chou et faire revenir quelques minutes
Ajouter l’huile de sésame, le dashi en poudre, la sauce soja, le ketchup, le mirin, le saké et le poivre
Laisser le liquide réduire légèrement
Ajouter les nouilles et les graines de sésame
Laisser cuire quelques minutes pour que les nouilles absorbent la sauce
Ajouter la garniture et servir
J’ai essayé d’autres recettes avec beaucoup de plaisir également mais je ne vais quand même pas réécrire le livre ici hi hi hi
En tout cas, je vous recommande ce livre, que vous soyez vegan ou non, plaisir gustatif garanti 😉
Cette fois, je vous présente « Torii, temples et sanctuaires japonais », toujours écrit et illustré par Joranne (si vous avez bien suivi) et de nouveau paru aux éditions Sully Le Prunier. Je remercie d’ailleurs chaleureusement la maison d’édition de m’avoir fait parvenir cet exemplaire que j’ai vraiment adoré, tout comme le premier.
Concernant Joranne, on ne pourrait pas dire mieux de cette artiste dont j’aime tant le travail que ce qu’en dit son éditeur : « Illustratrice, graphiste et blogueuse, Joranne possède un style unique qui associe humour et connaissance en utilisant librement dessins, photos et textes incisifs. Amoureuse du Japon, elle nous fait partager sa passion et sa curiosité. »
Et ce livre, ça dit quoi ?
Dans ce deuxième opus, on apprend les différences entre sanctuaires et temples (non, ce n’est pas synonyme !). Les sanctuaires sont liés à la religion shintoïste qui est indigène et présente sur l’Archipel depuis au moins 400 avant notre ère! Les temples, eux, sont attachés à la religion bouddhiste. Le Bouddhisme est originaire de l’Inde et est arrivé au Japon en passant par la Chine et la Corée vers le VIe siècle de notre ère.
On comprend, à la lecture de cet ouvrage, comment ils s’organisent au niveau de l’emplacement des bâtiments, de l’architecture et du rôle précis de chaque élément. Non sans humour, Joranne nous explique l’attitude à y adopter ainsi que les gestes à y observer afin d’éviter tout mauvais pas.
On apprend également beaucoup sur les objets rituels, les officiants et quelques divinités de ces deux religions. C’est vraiment passionnant et le style léger mais précis permet de découvrir autant de choses sans avoir l’impression d’être sur un banc de l’école. C’est très fort !
Il y a encore une section que je qualifierais de « petits objets » où on découvre en détail ce que sont les « omikuji », les « ofuda », les « omamori » et d’autres objets emblématiques de la religiosité japonaise.
Qu’en ai-je pensé ?
Il s’agit là d’un ouvrage amusant à lire mais qui n’en amène pas moins une information de qualité, fruit d’une recherche minutieuse. La découverte se fait dans la bonne humeur et le plaisir.
Vous l’aurez compris, j’ai vraiment beaucoup aimé ce deuxième opus de Joranne. C’est un chouette cadeau pour tout passionné du Japon qui souhaite en apprendre davantage !
Bonjour à toutes et tous, l’équipe de WalloNihon et moi-même sommes très fiers de vous présenter l’interview que Mizukawa Masashi, chanteur et compositeur nous a accordé.
Plus qu’une interview, je vous invite à découvrir l’homme et l’artiste.
インタビューを通して、この人、このアーティストを発見してください。
W. Merci d’avoir accepté de répondre à quelques questions. Nous aimerions que les membres de la communauté WalloNihon et plus largement le public belge vous découvre. Pourriez-vous vous présenter en quelques mots ?
W. 質問にお答えいただき、ありがとうございました。WalloNihonコミュニティのメンバー、そしてより広くベルギーの人々にあなたを発見してもらいたいと思います。一言で自己紹介をお願いします。
MM. Je suis Mizukawa Masashi, un chanteur/compositeur masculin du Japon. Je joue de la guitare, tantôt en la grattant, tantôt en la frottant, en tirant le meilleur parti du « son » que la guitare peut produire.
MM. 日本で活動してる男性シンガーソングライターのみずかわまさしと申します。時にはギターを叩いたり、さすったり、ギターから出せる「音」を最大限に駆使して弾き語ります。
W. Vous avez commencé la musique au lycée. Est-ce aussi à ce moment que vous avez commencé à écrire vos chansons ? Pourquoi avez-vous choisi la guitare ?
W. 高校時代から音楽を始めたそうですね。曲作りを始めたのもこの頃ですか？なぜギターを選んだのですか？
MM. J’ai commencé à écrire des chansons quand j’étais au lycée. À cette époque, la guitare acoustique était très populaire au Japon. J’ai été immédiatement fasciné par le son chaud et clair enveloppés dans une boîte en bois. Depuis lors, je suis obsédé par la coloration de ma musique à travers la guitare acoustique.
MM. 高校時代から曲作りを始めました。当時、日本ではアコースティックギターがとても流行していました。私も木の箱に包まれたアコースティックギターの、暖かみのある、透き通った音色にいち早く魅せられました。以来、今に至るまでアコースティックギターを通して私の音楽を彩ることにひたすらこだわり続けています。
W. Dans votre dernière chanson, vous parlez de l’histoire d’une Oiran. Pourquoi avez-vous choisi ce thème ? Plus largement, quelles sont vos sources d’inspirations ?
W. 最新の曲で、花魁の話をされていますね。なぜこのテーマを選んだのですか？インスピレーションの源は何ですか？
MM. L’inspiration pour cette chanson est venue d’un rêve que j’ai fait. Un jour, j’ai fait un rêve dans lequel le refrain de cette chanson était joué. Lorsque je me suis réveillé de mon rêve et que j’ai entendu la mélodie, j’ai eu le flash d’une courtisane dansant sur la scène. Plus tard, lorsque je me suis rendu dans une librairie d’occasion pour en savoir plus sur les courtisanes, je suis tombé sur une magnifique courtisane de la période Edo appelée « Komurasaki ». C’était ça ! J’étais convaincu que c’était la bonne et je n’ai pas hésité à en faire le personnage principal. J’ai écrit les paroles en me basant sur sa vie et son histoire d’amour. Cette chanson parle de son amour tragique et de la façon dont elle devient un démon.
MM. この曲のインスピレーションの源は、なんと私の見た「夢」なんです。ある日見た夢の中でこの曲のサビの部分が流れていました。私が夢から覚めて、このメロディを口ずさむと、舞台の上で踊る花魁がパッと閃いたのです。後日、古書店に出向き花魁について学んでいると「小紫」という江戸時代の美しい花魁に行き当たりました。私はこれだ！と確信し迷わず彼女を主人公にしました。そして彼女の半生と恋物語をモチーフに作詞作曲に至りました。この曲は悲恋に狂い、鬼と化す彼女を歌っています。
W. Vous avez donné de nombreux concerts au Japon. En 2016, j’ai lu que vous aviez organisé un mini-concert pour des enfants souffrant de troubles du développement. Qu’est-ce qui vous a poussé à mener ce projet ?
W. 日本では多くのコンサートを開催されていますね。2016年には、発達障害の子どもたちのためのミニコンサートを開催されたとのことですが、このプロジェクトを行うきっかけは何だったのでしょうか？
MM. Ce concert a été prévu non seulement pour les enfants souffrant de troubles du développement, mais aussi pour leurs parents. Le frère de ma femme est autiste et ma belle-mère m’avait dit combien il était difficile d’élever un enfant handicapé. Elle m’a dit qu’elle n’avait plus le temps d’apprécier la musique depuis longtemps, alors j’ai décidé d’organiser ce concert pour que les parents et leurs enfants puissent profiter de mes contes.
MM. このコンサートは、私の歌で発達障害のこども達のみでなく、その親の為に立案企画いたしました。実は妻の兄が自閉症で、私は義理の母から、障害のあるこどもの子育ての大変さを聴いていました。ずっと音楽を楽しむ余裕がなかったというエピソードを聴き、親子で私の弾き語りコンサートを楽しんでもらいたいと開催に至りました。
W. Comment imaginez-vous la suite de votre carrière ? Envisageriez-vous des concerts en Europe et en Belgique ?
W. ご自身のキャリアをどのように考えていらっしゃいますか？ヨーロッパ、ベルギーでのコンサートは考えていらっしゃいますか？
MM. Je crois, par expérience, que la musique peut transcender les frontières et toucher le cœur des gens, même si la langue est différente. Je crois aussi que les histoires en direct plaisent aux gens plus que toute autre forme de musique. C’est pourquoi j’aimerais me rendre dans le plus grand nombre d’endroits possible pour diffuser mes récits. En tant qu’artiste indépendant, je ne suis pas encore très connu au Japon. Je continuerai à faire de mon mieux pour faire connaître ma musique !
MM. 言語は違えど、音楽は国境を超えて、人の心に刺さると実体験より信じてます。また目の前で聴かせる生弾き語りがどの音楽より訴えると思います。そのため出来る限り、あらゆる場所に出向き、弾き語りを広げて行きたいと考えています。個人で活動している為、日本での知名度はまだまだです。これからも私の音楽を広めるべく頑張っていきます！
W. Y-a-t-il un message que vous aimeriez adresser à la Belgique ?
W. ベルギーに送りたいメッセージはありますか？
MM. La Belgique est une terre de gastronomie. Au Japon, elle est célèbre pour son chocolat, ses gaufres et sa bière. En particulier en ce qui concerne le chocolat, les produits belges sont désormais reconnus comme les « vrais » produits. J’aimerais beaucoup m’y rendre dans un avenir proche. La Belgique est un pays qui conserve les bonnes vieilles traditions et qui continue à se développer, je m’en sens donc proche. Personnellement, j’aimerais en savoir plus sur la Belgique, ses traditions et ses légendes qui ne figurent pas dans les guides. Enfin, j’espère que la musique de Mizukawa Masashi donnera aux Européens, notamment aux Belges, un avant-goût du Japon. Merci à tous pour votre soutien !
MM. 美食の国ベルギー。日本ではチョコレートやワッフル、ビールが有名です。特にチョコレートに関してはベルギー産が「本物」として認知されるに至ります。是非とも近い将来訪れてみたいです。ベルギーは古き良き伝統を守りつつ発展し続けている国で親近感があります。個人的にはガイドブックにはないレアなベルギーの新鮮な情報、また知られざるベルギーの伝統や伝説などを知りたいです。最後に、ヨーロッパ、特にベルギーの方にみずかわまさしの音楽から、少しでも日本を感じて頂けたらと思います。皆さん、応援よろしくお願いいたします！
L’équipe de WalloNihon vous remercie pour le temps que vous nous avez accordé. Nous remercions également Sanae san pour son aide et sans laquelle cet article n’aurait pas été possible.
Aujourd’hui je vous présente un livre qui m’a gracieusement été offert par Les Editions de l’Opportun que je remercie chaleureusement.
Ce livre c’est « Les secrets du savoir-vivre nippon » de June Fujiwara
Sans faire durer le suspense, je peux déjà vous dire que j’ai profondément aimé ce livre. Il m’a fait comprendre ce que j’aime et ce qui m’attire tellement dans la culture japonaise. Et pour moi, c’est comme un retour aux sources qui fait du bien…
Résumé de la quatrième de couverture :
Née à Tokyo, June Fujiwara vit à Paris depuis une vingtaine d'années. Elle fait l'admiration de ses collègues français pour sa capacité de résistance au stress et à la violence du quotidien. Son secret ? Les 4 piliers de la sagesse nippone qu'elle vous propose de découvrir pour accéder, vous aussi, à une vie plus "zen".
Les notions de Mujo (éloge de l'impermanence), Wa (quête de l'harmonie), Wabi Sabi (beauté du dépouillement) et Okiyome (rituel de la purification) n'auront bientôt plus de secrets pour vous ! En les adoptant, vous combattrez vos angoisses, gagnerez en sérénité et en authenticité. C'est promis !
June Fujiwara partage les valeurs ancestrales qui font la force de vie du peuple japonais. Un voyage intérieur joliment illustré au cœur de "l'énigme zen".
QUI EST JUNE FUJIWARA ?
Au début de son ouvrage, l’auteure nous explique qu’elle est née à Tokyo et a passé une partie de son enfance en Angleterre, ce qui lui a permis d’être très tôt bilingue Anglais-Japonais. Vers 18 ans, elle est prise d’un inexplicable désir de vivre en France alors, que rien dans son entourage ne l’y encourageait.
Qu’à cela ne tienne, elle s’est mise à apprendre le français avec acharnement au point de gagner, lors d’un concours, un séjour linguistique en France. Là elle comprend qu’elle veut un jour écrire en français tant son amour de cette langue est viscéral.
En attendant de trouver « quoi écrire », elle s’installe à Paris, travaille dans l’artisanat de luxe et s’intègre parfaitement à sa vie désormais française. Vingt ans plus tard, elle qui pensait s’éloigner de ses origines japonaises avec le temps, finalement elle s’est rendu compte qu’elle était définitivement et irréductiblement Japonaise.
Comment en est-elle arrivée à ce constat ? C’est par le questionnement de ses collègues qui lui demandaient constamment comment elle parvenait à rester « zen ». Tout d’abord elle ne comprenait pas vraiment la question car le mot « zen », bien que japonais, n’a pas du tout le même sens dans la bouche d’un francophone.
En effet, le mot « zen », au Japon, renvoie à une branche du bouddhisme qui prône l’éveil par la méditation. Pour les locuteurs francophones, il n’y a aucune connotation religieuse, ce mot est plutôt synonyme de « calme », « tranquillité » et « sérénité » face à une situation difficile, stressante.
C’est après avoir compris ce questionnement chez ses interlocuteurs que June Fujiwara a décidé de partager sa « japonitude ». Voici comment est né cet ouvrage que j’ai eu le plaisir de lire, l’auteure ayant trouvé le sujet qu’elle écrirait en français…
QU’EST-CE QUE LA « JAPONITUDE », CE SAVOIR-VIVRE À LA JAPONAISE ?
Pour apporter sa réponse à cette question (sans prétendre qu’il s’agit de LA réponse), June Fujiwara nous présente 4 notions très importante dans la culture japonaise :
Le « mujô »
Le « wa »
Le « wabi sabi »
Le « Okiyome »
L’auteure nous détaille ces notions afin que nous les comprenions bien et nous enseigne aussi comment nous pouvons les adopter et les appliquer dans notre vie quotidienne.
Ici, je ne vous résumerai que les très grandes lignes car je ne vais pas vous réécrire le livre de June Fujiwara. Je vous invite évidemment à vous procurer l’ouvrage afin d’en apprendre davantage et de pouvoir vous en imprégner à votre guise. Ce livre est vraiment très riche en explications et mon résumé ne leur rendrait pas justice.
1. MUJÔ : l’éloge de l’impermanence
Ce mot pourrait se « traduire par « Rien n’est éternel ». Il s’agit d’un concept bouddhiste qui enseigne que toute chose a un début et une fin, tout est en transformation permanente et tout est voué à disparaître un jour.
Il s’agit de vivre l’instant présent avec intensité car il est éphémère. On pourrait le comparer au « Carpe Diem » latin si on enlève le sens hédoniste que la modernité lui a ajouté erronément.
Le « mujô » comme l’expression « carpe diem » dans son tout premier sens philosophique, c’est une conscience aigüe que tout, y compris notre vie, a une fin et que cette mort peut intervenir à n’importe quel moment.
Plutôt que de combattre cet inéluctable, il convient de l’accepter et de composer avec.
2. WA : la quête de l’harmonie
Le « wa », c’est la valorisation du bien-être collectif, l’harmonie sociale. Le « seken » (opinion publique) est extrêmement important au Japon. Ainsi, « ce que vont penser les autres » a le même poids que ce que veut l’individu. Le bien-être du groupe prime sur la volonté de l’individu.
Il ne s’agit pas de renoncer à sa personnalité ni à sa créativité, loin de là. Il s’agit de pouvoir exprimer ce que l’on est, avec respect et humilité (kenson) sans abîmer l’harmonie sociale.
Le « kenson » est l’art de s’abaisser pour mieux valoriser l’autre. La vantardise n’a pas vraiment sa place au Japon…
Le « wa » (harmonie) est devenu, par extension, un mot qui représente le Japon. On parle par exemple de « washoku » (cuisine japonaise) par opposition au « yôshoku » (cuisine occidentale). Les exemples sont nombreux : « washitsu », « wagashi », « washi », etc.
3. WABI SABI : la beauté du dépouillement ainsi que l’éloge de ce qui est patiné par le temps
Le « wabi » renvoie aux notions de « sobriété » et « dépouillement ». C’est la capacité d’y déceler de la beauté et de la satisfaction spirituelle. C’est le contraire de l’amour du « strass et paillettes ».
Le « sabi », c’est le passage du temps et ce qui en découle. Il ne faut pas le traduire par des mots négatifs comme « décadence », « dégradation » ou « délabrement ». Ce mot évoque plutôt la beauté des choses qui portent la trace du temps.
L’expression « wabi sabi » évoque donc un état d’esprit serein, une capacité à trouver de la beauté et de la richesse dans la simplicité, l’authenticité et même l’imperfection.
4. OKIYOME : le rituel de la purification
Il y a une grande différence entre ce qui est considéré comme salissant l’âme chez nous et au Japon. Il convient donc de faire cette petite comparaison…
Pour les chrétiens, le « péché » est une transgression de la loi divine. Pour s’en laver, il s’agit de se repentir pour obtenir le pardon et la grâce de Dieu. On parle ici du « Bien » et du « Mal ».
Dans la religion shinto, typiquement japonaise, on ne parle pas de « péché » mais de « kegare » (souillure). L’âme des humains est un don des « kami » (dieux), c’est un bien vivant et brillant. On parle ici du « Pur » et « Impur ».
Toute faute commise est comme une tâche à la surface de l’âme. Ce qui sépare les humains du kami, c’est cette impureté, cette souillure. Ce qui constitue ce « kegare », c’est tout ce qui dérange le « wa ». Pour s’en laver, il faut pratiquer l’« okiyome », le rituel de purification.
Par extension, au-delà de préserver la pureté de leurs âmes, les Japonais veillent à ce que leur environnement soit également propre. C’est la raison pour laquelle l’hygiène est si importante dans le quotidien au Japon, tant dans les maisons qu’à l’extérieur.
EN CONCLUSION
Il est très difficile d’aborder et de comprendre une autre culture, surtout quand elle si différente de la sienne. Y arrive-t-on seulement un jour complètement ? L’exercice, cependant, reste extrêmement enrichissant et on y gagne à apprendre et même, à adopter l’un ou l’autre élément des autres cultures. Cela permet de s’améliorer soi-même…
Cela m’a émue de constater que certains concepts que June Fujiwara nous explique tels que le « mujô » entrent en résonance avec mon ressenti personnel sur certains sujets. Grâce à elle, j’ai appris les mots adéquats pour le décrire.
J’ai également appris une multitude d’autres notions dont je n’ai pas parlé dans ce présent article. Tout est intéressant mais j’ai choisi de ne vous parler que des 4 notions clés pour ne pas être trop longue…
Je vous souhaite vraiment de pouvoir lire ce livre et de l’aimer comme je l’ai aimé… Après ça, vous saurez vraiment ce qu’est « être zen ».
En octobre 2021, Ombline et moi avons eu la chance de participer au tout premier atelier de fabrication de miso organisé par Nuu Miso. Ce fut une très belle expérience gustative, l’accès à une multitude d’informations et surtout, une belle rencontre.
Nous avons été accueillies par Hiro san qui a eu à cœur de nous transmettre sa passion, ses connaissances et sa gentillesse.
Je vous présente Hiro san
Elle a commencé par nous expliquer comment est née l’aventure « Nuu Miso ».
Dans nos contrées, le seul miso qu’on peut trouver est importé du Japon, soit il est pasteurisé ou s’il ne l’est pas, il a subi un traitement ou un ajout d’additif qui stoppe la fermentation.
L’équipe de nuu miso a donc voulu retrouver le vrai bon miso traditionnel et vivant, d’abord par passion plus que pour le côté commercial. Ils souhaitent avant tout partager leur savoir-faire. Ils ont également fait le choix de n’utiliser que des ingrédients bio.
TOUT D’ABORD, QU’EST-CE QUE LE MISO ?
Le miso ( 味噌・みそ) est un aliment qui se présente sous forme de pâte fermentée, à haute teneur en protéines, de goût plus ou moins prononcé selon la fermentation et relativement salé.
Il y a trois grandes catégories de miso : le miso de riz (riz et soja), le miso d’orge (orge et soja) et le miso de soja (uniquement soja). Et il y a encore plusieurs sous catégories selon la région ou la durée de fermentation (blanc, rouge, jeune, mi-vieux, vieux, doux, brut, etc.). On peut également fabriquer du miso avec d’autres légumineuses telles que le pois chiche ou les lentilles.
La fabrication du Miso est un savoir-faire particulier : c’est une alimentation vivante, incluant des procédés qui évoluent selon les conditions de fabrication. Le miso est fermenté dans une pièce où il y a des fluctuations de température qui influencent le miso, lui-même étant composé de bactéries vivantes .
Anciennement au Japon, chaque foyer et chaque région avait sa propre recette de miso.
Particularité propre à nuu miso, les fûts de fermentation :
Traditionnellement, les fûts de Saké en bois étaient toujours recyclés par les ateliers de fabrication de shoyu ou miso. La vie du fût en bois durait environ 30 ans chez le fabriquant de saké, puis 100-150 ans dans les ateliers de miso ou de shoyu. Ainsi, les artisans pratiquaient le recyclage des fûts de bonne qualité.
Nuu miso fait renaître cette pratique traditionnelle avec des fûts de vin en bois : les fûts s’enrichiront de plus en plus de bonnes bactéries au fur et à mesure de leur utilisation, donnant un goût particulier au miso. Cela donne ainsi un miso unique, « travaillé » avec du vin européen !
PASSONS A LA FABRICATION…
PREMIERE ETAPE : LE KOJI
Préparer le miso n’est pas une mince affaire ! Il faut commencer par une étape très difficile mais importante : la préparation du koji. L’équipe de Nuu Miso doit le produire elle-même car on n’en trouve pas chez nous.
Le koji est du riz cuit à la vapeur puis ensemencé à l’aide du champignon microscopique Aspergillus oryzae qu’on ne trouve qu’au Japon. La fermentation du koji dure 3 jours et il faut respecter une procédure, une température et un niveau d’humidité précis.
Notons qu’il est possible de faire du koji avec d’autres plantes comme l’orge ou le soja…
Avant qu’on lui ajoute du sel pour stabiliser sa fermentation, le koji a un étonnant goût sucré qui m’a beaucoup plu personnellement.
Le koji est capital car il sert d’amorce à la fermentation du miso mais il a également beaucoup d’autres applications importantes telles que l’élaboration de l’amazaké (boisson de riz pas ou peu alcoolisée), le mirin, le shoyu (sauce soja) et bien sûr, le célèbre saké ! Il y a encore beaucoup d’autres possibilités gourmandes ! Le koji est donc vraiment fondamental dans la gastronomie japonaise.
Permettez-moi de faire une toute petite parenthèse sur le saké…
Au Japon, le terme « Saké (酒) » désigne l’alcool au sens large. Ce que nous appelons « Saké » pour indiquer l’alcool issu de la fermentation du riz se nomme en réalité « Nihonshu (日本酒) » et il titre entre 14° et 17°.
Notons encore que le saké japonais (nihonshu) n’a absolument rien à voir avec le saké qui nous est proposé dans les restaurants chinois chez nous. Celui-ci est en réalité du « Baiju » (白酒 – alcool blanc), un alcool distillé qui titre entre 40° et 60°…
DEUXIEME ETAPE : LE SOJA
Maintenant que le koji est prêt, il faut préparer les fèves de soja… Après le trempage durant de longues heures vient le moment de les cuire. La durée de la cuisson est assez longue et dépend surtout des fèves utilisées, leur degré de déshydratation, etc. Le soja est cuit quand on peut l’écraser entre les doigts.
Après l’avoir égoutté et tant qu’il est chaud, il faut le réduire en purée. Pour nous aider, l’usage de mixers est vraiment bienvenue car la fève de soja, même correctement cuite est tout de même un peu résistante. On s’y met ensemble à tour de rôle…
TROISIEME ETAPE : L’ASSEMBLAGE
C’est maintenant l’heure de réunir les différents ingrédients. En plus du koji et du soja, il faut ajouter du sel dans des proportions très précises. La quantité de sel diffère en fonction du poids total du koji (et donc de son taux de sel déjà présent) et du soja (pesé à sec). Il faut également tenir compte de la durée de fermentation souhaitée, moyenne ou plus longue.
Ce sont vraiment des calculs savants pour déterminer le grammage exact de chaque ingrédient. Attention à ne pas oublier d’ajouter un peu de vieux miso pour faciliter et accélérer la fermentation.
Autre point important, chacun doit mettre la main à la pâte, littéralement. Ombline s’est prêtée à mon objectif pour la photo mais nous avons tous malaxé le mélange. Hiro san nous a expliqué que les bactéries présentes sur nos mains (lavées bien sûr) ont une influence notable sur le goût final du miso.
Ainsi, à recette rigoureusement identique, le goût final sera différent selon les personnes qui auront préparé le miso. Hiro san nous a encore dit que dans certains villages du Japon, traditionnellement, lors de la préparation annuelle du miso, il était très important que chacun des habitants participe à cette étape du processus.
Cette information culturelle ouvre sur une dimension communautaire du miso que je ne soupçonnais absolument pas. Cela m’a fait saisir encore plus l’importance du miso, pas seulement dans la cuisine, mais dans la culture japonaise en général et cela m’a beaucoup touchée.
Voici à quoi ressemble le miso à cette étape. Les grains de koji, parfaitement visibles à ce stade, disparaîtront pendant la fermentation
QUATRIEME ETAPE : LA FERMENTATION
Une fois que la préparation a bien été mélangée et malaxée par chaque personne, il faut mettre le tout nouveau miso dans un récipient pour qu’il puisse reposer et fermenter. Lorsque l’on goûte le miso à cette étape, il est extrêmement salé mais bien entendu, son goût va s’affiner avec le temps.
Hiro san nous met en garde au moment de mettre le miso dans le récipient (désinfecté au saké): le miso n’aime pas l’oxygène ! Il faut à tout prix faire en sorte de bien tasser des boulettes de miso progressivement avec le poing afin d’éviter toute bulle d’air à l’intérieur du pot.
Quand le récipient est bien rempli, on ajoute une bonne couverture de sel par-dessus le miso pour le protéger et on ferme avec le couvercle. Ensuite on le place dans un endroit à température ambiante et on n’y touche pas.
Après 4 mois, il faut enlever la couche de sel et retourner le miso dans sa boîte puis on le laisse à nouveau reposer pendant encore au moins 4 mois. A l’issue de ces longs mois d’affinage, le miso est prêt et peut offrir son goût délicieux et ses bienfaits. Pour stopper la fermentation quand il est « à point », il convient alors de le mettre au frigo.
A l’heure où j’écris ces lignes, mon miso n’a pas encore 4 mois et je ne peux donc pas vous montrer mais je ferai une mise à jour à ce moment-là. Rendez-vous en février 2022 😉
UPDATE: Nous voici en février 2022, mon miso a maintenant 4 mois et je l’ai retourné, comme prévu.
Tout d’abord, il faut retirer la couche de sel protectrice…L’opération s’est déroulée sans encombre
Voici ce que j’ai pu observer en retournant mon miso:
La couleur a évolué et il est devenu un peu plus « doré »
Le koji est encore visible mais est déjà plus discret par rapport au moment de la fabrication
La consistance fait penser à une crème très épaisse et compacte
Le miso a une bonne odeur
Il a déjà un bon goût même si on sent qu’il est encore trop jeune
Ce miso promet d’être fantastique et j’ai hâte qu’il arrive à maturité ! Je vous donne maintenant rendez-vous entre juin et août 2022 pour voir comment mon miso aura évolué.
Petit aparté :Après une très longue fermentation, un liquide apparaîtra en plus du miso, ce liquide c’est le tamari. Ce tamari ressemble à s’y méprendre à la célèbre sauce soja (shoyu en japonais) mais quelle est la différence entre les deux ?
Le shoyu, bien que largement utilisé au Japon, est d’origine chinoise et contient du blé pour adoucir son goût. Le tamari, lui, est un produit d’origine purement japonaise et possède un goût plus riche mais contient également plus de sel. Notons qu'il a l’avantage d’être sans gluten et donc, sans danger pour les intolérants.
CINQUIEME ET DERNIERE ETAPE : LA DEGUSTATION
Hiro san nous a préparé une délicieuse soupe miso avec du bouillon dashi, des haricots de soja, de la patate douce, des champignons et bien entendu… du miso ! Pour cette soupe, elle nous a fait découvrir le miso de pois chiche et c’était vraiment délicieux.
Pour accompagner, nous avions du riz avec du kurumi miso, un condiment à base de miso sucré aux noix, c’était d’une gourmandise incroyable, j’ai adoré !
Bien entendu, le miso de soja est lui aussi à tomber par terre ! J’en ai d’ailleurs acheté un peu pour pouvoir déjà en profiter en attendant que mon bébé miso s’épanouisse… Je ne me vois plus acheter du miso dans le commerce, tant le miso de chez Nuu Miso est sans comparaison. J’en bave rien que d’y penser hi hi hi
D’un point de vue cuisine, sachez que le miso peut remplacer avantageusement le sel ! Il apporte un goût plus complexe, plus riche. On peut par exemple donner du caractère à une sauce bolognaise en ajoutant du miso dedans. N’hésitez pas à faire des expériences !
POUR ALLER PLUS LOIN…
Le miso vivant a beaucoup de bienfaits pour la santé physique : il contient beaucoup d’acides aminés, vitamines, et minéraux. Par la richesse des bactéries qu’il contient, il renforce la flore intestinale.
Les études au Japon ont déjà montré que les personnes qui mangeaient du miso tous les jours avaient moins de chance d’être atteintes de maladies comme : cancer, hypertension, artériosclérose, ulcère gastro-duodénal, de l’estomac, etc. Il a un effet antioxydant, donc anti-vieillissement, qui va renforcer le système immunitaire.
Le miso de Nuu miso est bon pour le côté social et environnemental : « Nuu miso contribue aux circuits courts en privilégiant les matières premières locales et issues de l’agriculture biologique (notre soja bio est cultivé en Belgique). Nous sommes très sensibles à l’économie durable et à l’écologie, qui sont aussi à la base de notre projet : sensibiliser en proposant une solution concrète. En plus, dans la fabrication de miso, il n’y a (quasiment) aucun déchet ! »
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