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In the heart of little Kyoto of Iyo

Although I’ve returned to Belgium, imperishable memories continue to occupy my mind, and today I’d like to share with you those that came to life in Ôzu (大洲市), the little Kyoto of Iyo.

Ayaka Sakamoto, a tour guide and friend, took me to discover this small town crossed by the Hiji River (肱川) and located to the west of Shikoku Island, some ten kilometers from Uchiko.

When we arrived, the cool morning air was replaced by gentle warmth, and we began our visit with a lunch break! A delicious way to start. We stopped off at the Ôzurobata Aburaya restaurant (大洲炉端 油屋), a former traditional inn converted into a restaurant in 2012.

It was in this traditional building that we were able to enjoy a local specialty in its southern Ehime version, Taimeshi (鯛めし).

Buoyed by this succulent meal, we set off again and wandered through the historic heart of Ôzu, stopping for a moment in the Pokopen Yokochô alley (ポコペン横丁). The latter immerses visitors in the Japan of the Shôwa era (1926-1989), notably through its enamelled advertising plates. A market is held here every Sunday from the 3rd Sunday in March to the end of November, a not-to-be-missed event for lovers of retro objects !

The district has also been marked by major restoration work since 2018 to preserve the architectural heritage and revitalize the neighborhood in a sustainable approach.

As a result, if you stroll through this pleasant maze of streets, you’ll see buildings with entrances embellished with a noren and branded with the term « Nipponia », one of the results of this initiative combining the efforts of local residents, the authorities and various external partners. As a result, some buildings have been converted into hotels, others into shops or cultural spaces. As a result, Ôzu has been chosen by the Japan Tourism Agency as a « Sustainable Destination » for 2021.

We continued our walk along the river, offering a beautiful panorama of the surrounding countryside and the castle, which I’ll soon introduce to you. But for now, our steps gradually led us towards the Garyû Sansô villa.

My attention was caught, however, by the boats you can see in the photo below.

Ayaka Sakamoto explained to me that these are linked to what’s known as Ukai (うかい), the traditional cormorant fishery whose earliest references date back to the 8th century and which continues to this day. In fact, from June to September, visitors can climb aboard one of these boats and watch the Ôzu Ukai, considered one of the three most important in Japan.

In fact, if you take a stroll through the streets of Ôzu, look down and you’ll find this plaque depicting cormorants, which testifies, among other things, to the importance of this tradition in the town.

But let’s get back to our tour, which took us to the Garyû Sansô villa (臥龍山荘). Built under the supervision of wealthy wax merchant Kawachi Torajirô (河内寅次郎), the residence was completed in 1907 and was designated a Tangible Cultural Property of Ehime Prefecture in 1985.

From the outside, the main building, Garyûin (臥龍院), has a bucolic appearance thanks to the wood used and the thatched roof visible from the garden side. Inside, the rooms are carefully decorated. A refined decoration linked to the passing of the seasons, it’s a fabulous testimony to Japanese aesthetics, and it’s no exaggeration to say that Kawachi Torajirô was undoubtedly very attached to this place.

Outside, a splendid moss garden invites visitors to daydream, and we stopped for a moment, enjoying this moment of calm, a little out of time.

Next, we quietly crossed the garden to arrive at Furoan (不老庵), the tea room. An equally remarkable construction, it offers an idyllic view of the river. Ayaka Sakamoto explained that, when night falls, the sunlight reflected by the moon shines through the ceiling and illuminates the room naturally, bathing the space in a soft clarity. A sight that must be absolutely beautiful, don’t you think ?

Leaving this fabulous place behind, we set off in the direction of Ôzu Castle! Easily accessible on foot, the route gave us plenty of time to take in the sights.

The successor to the Jizôgadake castle (地蔵ヶ岳城) built at the end of the Kamakura period by the governor of Iyo province, its history is also closely linked to that of the Hijigawa, whose destructive power proved to be a major difficulty during its construction. Indeed, the story of its foundation is shrouded in a legend that is tragic to say the least. The story goes that, despite the colossal efforts made to build the castle, the walls eventually collapsed under the relentless onslaught of the river’s floods, to such an extent that the castle was thought to be haunted. It was then decided to resort to Hitobashira (人柱), literally human pillars, which involved burying a person alive near or under buildings of great importance. The kamis could then give their blessing and protect the building.

In the case of Ôzu Castle, the choice fell on a 16-year-old girl named Ohiji. Before her sacrifice, she is said to have uttered the following words: « I want the name of the castle and the name of the river that flows at the foot of the castle to be the same as my name, so that future generations will not forget me… ». This is why Ôzu Castle is also called Hiji Castle, and the Hijigawa is the Hiji River.

Construction was completed, and many lords subsequently occupied the castle until the Meiji Restoration, when many buildings were dismantled, including the main tower in 1888. In 1994, major restoration work began to restore the main tower to its former glory. Based on extremely rare and precious documentary sources, this work was completed in 2004 and represents an extremely faithful reconstruction of the original.

We visited the main tower, following a very interesting itinerary recounting the history of the castle, from its origins to its current form.

Continuing our ascent to the heart of the building, the summit offered a magnificent view of the region and the Hijigawa.

An important cultural landmark, the castle is also the setting for a unique experience offered by the town of Ôzu: take on the role of the local lord and spend a night in this illustrious building.

As you can see in the video, this experience is also accompanied by a performance of Kagura, an ancient theatrical dance once dedicated to Shinto deities. Each performance is accompanied by dances and traditional music, and each actor is dressed in flamboyant costumes – veritable handcrafted treasures! The immersion continues the next day with lunch in the Garyû Sansô villa I mentioned earlier, before exploring the historic heart of the city.

As I write these lines, I have to admit that this program must be incredible! You can find out more about it by following the link at the end of this article.

As we left, we chatted for a while about the hill we’d seen at the Garyû Sansô villa, and which we’d seen again from the top floor of the château tower… The carpet of flowers at its summit had aroused our curiosity throughout the day, and it didn’t take us long to decide to go there…

So we set off to climb Mount Tomisuyama, 320 m high. We took the car and arrived at our destination in about ten minutes. At the entrance to the park, you’ll find parking, amenities and a children’s playground, making for a great day out with the whole family !

Before you reach the top of the hill, you’ll have to do a bit more walking, but your efforts will be rewarded with a magnificent view of the azaleas in bloom in spring, and a breathtaking view of the region and the Hijigawa River. Remember the manhole cover with the cormorants on it ? Azaleas too !

This article is drawing to a close, but I’d like to thank Ayaka Sakamoto once again for introducing me to Ôzu. His expertise, good humor and simplicity enabled me to fully immerse myself in this region, whose beauty is a source of lasting memories !

To find out more, please visit the following links:

Ayaka Sakamoto :

Ôzu Tourist Office:

Garyû Sansô Villa :

Ôzu Castle :

Ôzu Castle Experience :

Ôzurobata Aburaya Restaurant :

Pokopen Yokochô :

Ôzu’s Ukai :

Au cœur de la petite Kyoto d’Iyo

Bien que je sois rentré en Belgique, des souvenirs impérissables continuent d’occuper mon esprit et aujourd’hui, je souhaite partager avec vous ceux qui prirent vie à Ôzu (大洲市), la petite Kyoto d’Iyo.

Bien que je sois rentré en Belgique, des souvenirs impérissables continuent d’occuper mon esprit et aujourd’hui, je souhaite partager avec vous ceux qui prirent vie à Ôzu (大洲市), la petite Kyoto d’Iyo.

À notre arrivée, une douce chaleur succéda à la fraicheur matinale et nous commençâmes notre visite par la pause déjeuner ! Une entrée en matière tout à fait délicieuse. Nous nous arrêtâmes donc dans le restaurant Ôzurobata Aburaya (大洲炉端 油屋), une ancienne auberge traditionnelle reconvertie en restaurant en 2012.

C’est dans ce bâtiment traditionnel que nous pûmes savourer une spécialité locale dans sa version du sud d’Ehime, le Taimeshi (鯛めし).

Ragaillardis par ce succulent repas,  nous reprîmes notre route et déambulâmes dans le cœur historique d’Ôzu pour nous arrêter un moment dans la ruelle Pokopen Yokochô (ポコペン横丁). Cette dernière plonge le visiteur dans le Japon de l’ère Shôwa (1926-1989) au travers, notamment, de ses plaques émaillées publicitaires. Un marché se tient à cet endroit tous les dimanches à partir du 3e dimanche de mars jusque fin novembre, un rendez-vous à ne pas manquer pour les amoureux d’objets rétro !

Le quartier est aussi marqué par d’importants travaux de restauration depuis 2018 afin de préserver le patrimoine architectural et de revitaliser le quartier dans une approche durable.

De ce fait, si vous vous promenez dans cet agréable dédale de rues, vous pourrez voir des bâtiments à l’entrée embellie d’un noren et marqué du terme « Nipponia », l’un des résultats de cette initiative conjuguant les efforts des habitants du quartier, des autorités et de différents partenaires extérieurs. Ainsi, certains bâtiments ont été reconvertis en hôtels, d’autres en commerces ou en espaces culturels. C’est notamment ce qui a permis à Ôzu d’être choisie en 2021 comme « Destination durable » par l’Agence japonaise du tourisme.

Nous continuâmes notre promenade le long du fleuve, offrant un magnifique panorama sur la nature environnante et le château que je ne tarderai pas à vous présenter. Mais pour l’heure, nos pas nous menèrent progressivement vers la villa Garyû Sansô.

Mon attention fut toutefois retenue par les embarcations que vous pouvez voir sur la photo ci-dessous.

Ayaka Sakamoto m’expliqua que ces dernières sont liées à ce que l’on appelle l’Ukai (うかい), la pêche traditionnelle au cormoran dont les premières références remontent au VIIIe siècle et qui perdure encore aujourd’hui. En effet, de juin jusqu’à septembre, les visiteurs peuvent monter dans l’un de ces bateaux et assister à l’Ukai d’Ôzu, considéré comme l’un des trois plus importants du Japon.

D’ailleurs, si vous vous promenez dans les rues d’Ôzu, n’hésitez pas à baisser les yeux et vous pourrez trouver cette plaque représentant les cormorans, ce qui témoigne, entre autre, de l’importance de cette tradition dans la ville.

Mais revenons-en à notre parcours qui nous mena donc à la villa Garyû Sansô (臥龍山荘). Construite sous la supervision du riche marchand de cire Kawachi Torajirô (河内寅次郎), la résidence fut achevée en 1907 et a été désignée comme Bien Culturel Matériel de la préfecture d’Ehime en 1985.

De l’extérieur, le bâtiment principal, Garyûin (臥龍院), possède une apparence bucolique de par les bois utilisés ainsi que le toit de chaume visible du côté jardin. À l’intérieur se dévoilent des pièces décorées avec soin. Une décoration raffinée liée au passage des saisons et qui constitue un fabuleux témoignage de l’esthétique japonaise et il n’est pas exagéré de dire que Kawachi Torajirô fut sans doute très attaché à cet endroit.

À l’extérieur, un splendide jardin de mousse invite le visiteur à la rêverie et nous nous arrêtâmes d’ailleurs un instant, profitant de ce moment de calme, un peu hors du temps.

Ensuite, nous traversâmes tranquillement le jardin pour arriver au Furoan (不老庵), le salon de thé. Une construction tout aussi remarquable et qui offre une vue idyllique sur le fleuve. Ayaka Sakamoto m’expliqua qu’à la nuit tombée, la lumière solaire reflétée par la lune traverse le plafond et éclaire la pièce naturellement, baignant ainsi l’espace d’une douce clarté. Un spectacle qui doit être absolument magnifique, vous ne trouvez pas ?

Laissant derrière nous ce fabuleux endroit, nous partîmes alors en direction du château d’Ôzu ! Facilement accessible à pied, le trajet nous permis de lui laisser tout le temps de se dévoiler à nous, nous offrant de multiples vues très agréables.

Successeur du château Jizôgadake (地蔵ヶ岳城) construit à la fin de la période Kamakura par le gouverneur de la province d’Iyo, son histoire est aussi intimement liée à celle de la Hijigawa dont la puissance destructrice s’avéra être une difficulté de taille lors de sa construction. D’ailleurs, l’histoire de sa fondation est entourée d’une légende pour le moins tragique. Celle-ci raconte que malgré des efforts colossaux déployés pour édifier le château, les murs finissaient par s’effondrer sous les assauts implacables des crues du fleuve, à tel point que l’on crut le château hanté. Fut pris alors la décision d’avoir recours au Hitobashira (人柱), littéralement pilier humain et qui consistait à enterrer vivante une personne près ou sous des édifices de grande importance. Les kamis pouvaient alors donner leur bénédiction et protéger l’édifice.

Dans le cas du château d’Ôzu, le choix se porta sur une jeune fille de 16 ans du nom d’Ohiji. Avant son sacrifice, celle-ci aurait prononcé les mots suivants : « Je veux que le nom du château et le nom de la rivière qui coule au pied du château soient les mêmes que mon nom afin que les générations futures ne m’oublient pas… ». C’est pourquoi le château d’Ôzu porte également le nom de château d’Hiji et que la Hijigawa est la rivière de Hiji.

La construction fut achevée et par la suite, de nombreux seigneurs occupèrent le château jusqu’à la Restauration Meiji, période durant laquelle de nombreux bâtiments furent démantelés dont la tour principale en 1888. En 1994, d’importants travaux de restauration commencèrent pour redonner à la tour principale sa gloire d’antan. Reposant sur des sources documentaires extrêmement rares et précieuses, ceux-ci s’achevèrent en 2004 et constituent une reconstruction extrêmement fidèle de l’originale.

Nous visitâmes la tour principale, suivant un parcours très intéressant racontant l’histoire du château, de son origine jusqu’à la forme qu’on lui connait actuellement.

Poursuivant notre ascension au cœur de l’édifice, le sommet nous offrit une vue magnifique sur la région et sur la Hijigawa.

Jouissant d’une rôle culturel important, le château est également le théâtre d’une expérience unique proposée par la ville d’Ôzu : incarner le rôle du seigneur de la région et séjourner une nuit dans cet illustre bâtiment.

Comme vous pouvez le voir dans la vidéo, cette expérience est également accompagnée d’une représentation de Kagura, une danse théâtrale très ancienne autrefois dédiée aux divinités shintoïstes. Chaque performance est accompagnée de danses, de musiques traditionnelles et chaque acteur est vêtu de costumes flamboyants, de véritables trésors artisanaux ! L’immersion se poursuivra le lendemain par un déjeuner dans la villa Garyû Sansô dont j’ai parlé précédemment avant d’explorer le cœur historique de la ville.

En écrivant ces lignes, je dois bien avouer que ce programme doit être incroyable ! Vous pourrez retrouver plus d’informations sur ce dernier en suivant le lien référencé en fin d’article.

Lorsque nous quittâmes les lieux, nous échangeâmes un instant sur la colline que l’on avait aperçu à la villa Garyû Sansô et que l’on avait encore vue depuis le dernier étage de la tour du château… Le tapis de fleurs à son sommet avait éveillé notre curiosité tout au long de la journée et il ne nous fallut pas un long moment de réflexion pour décider de nous y rendre…

Nous partîmes donc à l’ascension du mont Tomisuyama culminant à 320 m de hauteur. Ainsi, nous primes la voiture et arrivâmes à destination au bout d’une dizaine de minutes. À l’entrée du parc, vous trouverez un parking, des commodités ainsi qu’une plaine de jeux pour les enfants, de quoi passer une journée très agréable en famille !

Avant d’arriver au sommet de la colline, celle-ci vous demandera encore un petit effort de marche mais celui-ci sera récompensé par un magnifique spectacle offert par la fleuraison des azalées au printemps et une vue imprenable sur la région et la Hijigawa. D’ailleurs rappelez-vous la plaque d’égout sur-laquelle figurait des cormorans… Y figurent également des azalées !

Cet article touche à sa fin mais je tiens encore une fois à remercier Ayaka Sakamoto de m’avoir fait découvrir Ôzu. Son expertise, sa bonne humeur et sa simplicité m’ont permis de m’imprégner pleinement de cette région dont la beauté est une source de souvenirs impérissables !

Pour en savoir plus, n’hésitez pas à consulter les liens suivants :

Ayaka Sakamoto :

Office du tourisme d’Ôzu :

Villa Garyû Sansô :

Château d’Ôzu :

Expérience au château d’Ôzu :

Restaurant Ôzurobata Aburaya :

Pokopen Yokochô :

Ukai d’Ôzu :

The charm of Uchiko

When Ayaka Sakamoto, a tour guide and friend, told me about the city of Uchiko (内子), I regretfully noticed that this name was totally unknown to me but very quickly, my ignorance gave way to an overflowing curiosity !

Last April, the opportunity arose to go and discover this small town in Ehime prefecture and located about 40 kilometers from Matsuyama. So we took the road… As we progressed, the landscape revealed all its beauty and gave place to magnificent forests, mountains and rivers.

We stopped at the local market of Uchiko « Karari Farmers Markets », the occasion to discover the regional handicrafts: cold cuts, rice, alcohols, products made with jabara, a Japanese lemon… But also to enjoy the charm of this place bordered by the Odagawa river.

Then we continued our way to our destination…

Very quickly, I was seduced by Yôkaichi, the historical heart of Uchiko, its quietness and its buildings dating from the Meiji period. We discovered with pleasure small restaurants, local shops offering refreshments, handicrafts but also sublime witnesses of the past.

Indeed, in the 19th century, Uchiko knew a great period of prosperity thanks to the trade of vegetable wax whose high quality allowed it to spread far beyond the borders of Japan. Even today, many buildings testify to the economic boom of the city at that time.

But before going to meet these silent witnesses, we stopped at the shop-workshop « Ômori Warôsoku » (大森和蝋燭) specialized in making natural wax candles since the Edo period.

When we walked through the door, a sweet smell of wax filled the air and I was immediately seduced by the atmosphere of this place. Our eyes then fell on the craftsmen busy working on the making of other candles with a very impressive speed of execution. These candles, unlike industrial candles, do not emit smoke and do not leak.

If you are interested in traditional craftsmanship, stop by and enjoy this place steeped in the transmission of a wonderful heritage.

Let’s go back to the places that were once dedicated to the wax trade. This is the case of the Honhaga residence, former residence of a rich merchant and built at the time when the production reached its highest development, both in terms of quality and technicality. This building shines by the richness of its exterior decoration and constitutes a fabulous witness of the architecture of the time.

Another emblematic building of the district is without a doubt the Kamihaga residence. Open to visitors, the main building was built in 1894 and is classified as an Important Cultural Property of Japan since 1990.

Once you enter, it’s like stepping back in time and immersing yourself in the life of the rich merchants of the time. The rooms follow one another revealing all the charm of this place.

By the way, you may have noticed a similarity between the names Honhaga and Kamihaga. Indeed, the latter is a lineage of the Honhaga family which was the main branch of the Haga family. In fact, I couldn’t help but notice the family’s coat of arms (Kamon – 家紋) depicting an Oxalis flower (Katabami – カタバミ) and visible in multiple places in these two residences. If you are passing by, keep your eyes open 😉

During our visit, I quickly understood that this place was much more than the old residence of a wax trader because we discovered several annex buildings dedicated to the whole manufacturing process of the vegetable wax.

But what is Japanese vegetable wax? In its tourist brochure, the Uchiko tourist office offers a very clear explanation of the process and here it is: « Japanese wax is made from the berries of the sumac tree. The berries are crushed into a fine powder, steamed, and then the wax is extracted and hardened. This is called raw wax (kirô). The Haga family bleaches the wax with their own original bleaching technique to obtain high quality white wax (hakurô). Raw wax and white wax are generally referred to as Japanese wax (mokuro).

Historically, wax production started in the 19th century until the end of the Taisho period (1912-1926). Due to the technical progress and development of electricity, the demand for wax production decreased and the end of this craft came in 1924 when the last wax merchant in Uchiko closed down. Today, the Kamihaga residence is the only place in Uchiko where handmade wax is still produced.

If you want to learn more, I can only recommend you to visit the Japanese Wax Museum housed in one of the annexes of the Kamihaga residence. It is a very interesting space that will allow you to make the link between the tools and equipment present outside and the manufacturing process.

The time passed quickly and it was time to regain our strength. Although there are many restaurants, we chose the soba restaurant « Shimohagatei » (下芳我邸) established in a 140 years old building and in which the owners have recreated as faithfully as possible the atmosphere of the time, whether in the choice of the furniture or the dishes. The meal was excellent and once again, we were able to soak up the atmosphere of this timeless restaurant.

Although there are many very interesting buildings, I will stop for a moment on one last remarkable construction, the Uchiko Theater or Uchikoza (内子座) built in 1916 in honor of Emperor Taishô’s accession to the throne. Built on two levels in the purest Japanese style, I was surprised to find a revolving stage which it is possible to visit the lower part. Named « Naraku » meaning « Hell », I let you imagine why. When we came out, we could boast that we had been to hell and back !

But our adventure did not stop there because Uchiko still conceals other wonders… Thus, thanks to the presence of the Odagawa River, Uchiko was able to start the production of a material of great finesse, the Washi paper (和紙). This tradition born in Uchiko nearly 350 years ago has endured for several generations and is a real treasure that should be preserved.

Our steps led us to the heart of the Ikazaki Paper Factory where we were able to meet the paper maker Chiba-san who explained the basics of the manufacturing process. The paper made is mainly based on the use of Kôzo (楮), paper mulberry tree and Mitsumata (三椏). The former is characterized by long fibers, which increases its strength. Kôzo was also used to make the « Hyakumantō Darani » (One Million Pagodas and Darani Prayers) around 770, the oldest printed text in Japan! In contrast, the fibers of the latter are shorter but allow for the production of a superior paper marked by a smooth, glossy surface.

After harvesting, a long treatment process follows which will allow the finished product to reveal all its beauty. The plant material is first steamed and washed with water to extract the fibers. Then, these are shredded to make a pulp that will then be mixed with Neri (ネリ), a substance containing starch and used as a dispersant in a kind of vat, the Suki-bune (漉き舟). The craftsman then takes a bamboo sieve, Suketa (簀桁) which he dips into the vat. With a repeated rocking motion, the material settles on the sieve and the excess water is drained off. The sheets are then stacked, dried naturally and pressed with the aim of reducing the volume of water contained in the paper and removing the roughness. Finally, the sheets are placed one by one on a metal dryer.

From the place of observer, we quickly moved to that of actor because we had the opportunity to make our own sheet of paper without the first step of drying and pressing. The result was a « raw » but authentic paper, sublimated by its defects.

Being particularly admiring of the craft, this experience allowed me to feel, for a moment, all the quality of this know-how and to measure its difficulty. Indeed, when we look at a video or photos, we see a craftsman who has been practicing for years and for whom each gesture has been rehearsed many times. When I took the Suketa in my hands and plunged it into the water, I felt its weight. My movements were uncoordinated, but I felt the full value of this moment and this encounter.

Once our sheet was ready for use, we participated in a second workshop to make our creation into the cover of a notebook bound using a Japanese technique, the Fukurotoji (袋綴) pocket binding.

But what are the characteristics of this type of binding? First of all, the sheets of paper are folded and stacked on top of each other before placing the cover and sewing the whole thing together.  But the special feature is the folded edges of the sheets that make up the notebook. As you can see in the photo below, the fold is on the outer part of the booklet. Thus, it is the free part of the paper which is sewn and when one observes this last one, it appears in the shape of a tube. Thus, in my hands, I held a fabulous souvenir impregnated with the magic of this day and which will accompany me during my next trip…

Our trip to Uchiko will soon come to an end but we ended this day by passing by the store located opposite the workshop.

Source: Ayaka Sakamoto

For stationery lovers, this is a must stop to appreciate all the diversity of papers produced in Uchiko and to stop at the beautiful examples of gilding on paper, a technique developed by Hiroyuki Saito (齋藤宏之) who followed the teachings of Gabor Ulveczki, a painter of Hungarian origin and settled in Paris since 1983.  The latter opened his own art studio which led to the creation of the ULGADOR brand, a French company specialized in the manufacture of wallpapers, wall panels, etc. From 2008 to 2009, he spent two years in Uchiko as part of a project to modernize the tradition of Washi paper.

Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto

And if you’re feeling adventurous, stop off at the origami dispenser! This atypical machine will allow you to take home an original souvenir, the weight of which will have no impact on the limits imposed by airlines.

Source: Ayaka Sakamoto

Uchiko has yet to reveal all its secrets, however, and although I didn’t have the opportunity to visit it, this small town is home to a museum dedicated to kites, allowing everyone to marvel at the diversity of these objects twirling in the four winds, as well as to deepen their knowledge of the region’s history.

Source: Ayaka Sakamoto

What’s more, you’ll be able to take part in an experience that will unveil the making of the charcoal used in the tea ceremony. Located in the Ishidamami district, to the east of Uchiko, the workshop produces charcoal that looks like a chrysanthemum flower !

If you’d like to find out more, take a look at the Uchiko Tourist Office’s « Uchikogenic » website, which offers an immersion course in English, with links at the end of this article.

Thus ends this wonderful human adventure made of meetings and teachings. From the beginning to the end, this day was a succession of magnificent surprises so if you plan to travel to Shikoku, go to Uchiko, soak up its atmosphere and let yourself be charmed by its richness!

I would like to thank Ayaka Sakamoto for the organization of this day, the energy and the time she devoted to this project and without whom I would not have been able to write this article. I would also like to thank Michiko Miyoshi from the Uchiko Tourism Office for her hospitality and for allowing me to carry out this project, without forgetting Chiba-san and Aoyama-san who guided us in the two workshops we attended.

For more information, please check the links below:

Ayaka Sakamoto :

Uchiko Tourist Office :

内子町観光協会【公式】 (@visit_uchiko) • Photos et vidéos Instagram

                    一般社団法人内子町観光協会 | Kita-gun Ehime | Facebook

Ikazaki :

Omori Warosoku Store and workshop :

« Shimohagatei » Soba Restaurant :

Le charme d’Uchiko

Lorsqu’Ayaka Sakamoto, guide touristique et amie, me parla de la ville d’Uchiko (内子), je constatai avec regret que ce nom m’était totalement inconnu mais très vite, mon ignorance fit place à une curiosité débordante !

En avril dernier, l’occasion se présenta de partir à la découverte de cette petite ville de la préfecture d’Ehime et située à une quarantaine de kilomètres de Matsuyama. C’est ainsi que nous prîmes la route… Au fur et à mesure de notre progression,  le paysage révéla toute sa beauté et fit place à de magnifiques forêts, montagnes et cours d’eau.

Nous nous arrêtâmes au marché local d’Uchiko « Karari Farmers Markets », l’occasion de découvrir les productions artisanales régionales : charcuterie, riz, alcools, produits fabriqués à base de jabara, un citron japonais … Mais aussi de profiter du charme de cet endroit bordé par la rivière Odagawa.

Nous continuâmes ensuite notre chemin jusqu’à notre destination…

Très vite, je fus séduit par Yôkaichi, le cœur historique d’Uchiko, sa tranquillité et ses constructions datant de l’époque Meiji. On y découvre avec plaisir de petits restaurants, des commerces locaux proposant rafraichissements, créations artisanales mais également de sublimes témoins du passé.

En effet, au XIXe siècle, Uchiko connut une grande période de prospérité grâce au commerce de la cire végétale dont la haute qualité permit à celui-ci de s’étendre bien au-delà des frontières du Japon. Aujourd’hui encore, de nombreux bâtiments témoignent de l’essor économique de la ville à l’époque.

Mais avant de partir à la rencontre des ces témoins silencieux, nous nous arrêtâmes au commerce-atelier « Ômori Warôsoku » (大森和蝋燭) spécialisé dans la fabrication de bougies en cire naturelle depuis la période Edo.

Lorsque nous franchîmes la porte, une douce odeur de cire embaumait l’air et je fus immédiatement séduit par l’atmosphère de ce lieu. Nos regards se posèrent alors sur les artisans occupés à œuvrer pour la fabrication d’autres bougies avec une rapidité d’exécution très impressionnante. Ces dernières, contrairement aux bougies industrielles, n’émettent pas de fumée et ne coulent pas.

Si vous vous intéressez à l’artisanat traditionnel, arrêtez-vous et profitez de cet endroit imprégné par la transmission d’un formidable héritage.

Revenons-en maintenant aux lieux jadis dédié au commerce de la cire. C’est notamment le cas de la résidence Honhaga, ancienne demeure d’un riche marchand et construite au moment où la production atteignit son plus haut développement, tant en terme de qualité que de technicité. Ce bâtiment brille par la richesse de sa décoration extérieure et constitue un fabuleux témoin de l’architecture de l’époque.

Un autre édifice emblématique du quartier est sans aucun doute la résidence Kamihaga. Ouverte aux visiteurs, le bâtiment principal a été construit en 1894 et est classé comme Bien Culturel Important du Japon depuis 1990.

Passée l’entrée, c’est un véritable retour dans le passé qui vous immerge dans la vie des riches marchands de l’époque. Les pièces se succèdent dévoilant tout le charme de cet endroit.

D’ailleurs, vous aurez probablement remarqué une similitude entre les noms Honhaga et Kamihaga. En effet, cette dernière est une lignée de la famille Honhaga qui constituait la branche principale de la famille Haga. Je n’ai d’ailleurs pas pu m’empêcher de remarquer le blason (Kamon – 家紋) de la famille représentant une fleur d’Oxalis (Katabami – カタバミ) et visible à de multiples endroits dans ces deux résidences. Si vous passez par-là, ouvrez l’œil 😉

Au fil de notre visite, je compris rapidement que ce lieu était bien plus que l’ancienne demeure d’un négociant de cire car nous découvrîmes plusieurs bâtiments annexes dédiés à tout le processus de fabrication de la cire végétale.

Mais qu’est-ce que la cire végétale japonaise ? Dans sa brochure touristique, l’office du tourisme d’Uchiko offre une explication très claire du processus et que voici : « La cire japonaise est fabriquée à partir des baies du sumac. Les baies sont écrasées en une fine poudre, étuvées, puis la cire est extraite et durcie. C’est ce qu’on appelle la cire brute (kirô). La famille Haga blanchit la cire avec sa propre technique de blanchiment originale pour obtenir une cire blanche de haute qualité (hakurô). La cire brute et la cire blanche sont généralement appelées cire japonaise (mokurô) ».

Historiquement, la production de cire a débuté dans le courant du XIXe siècle jusqu’à la fin de la période Taishô (1912-1926). En raison des progrès techniques et du développement de l’électricité, la demande diminua et sonna le glas de cet artisanat en 1924 lorsque le dernier commerçant de cire d’Uchiko fermit ses portes. Aujourd’hui, la résidence Kamihaga constitue le seul endroit d’Uchiko où est encore produite de la cire artisanale.

Si vous souhaitez en apprendre davantage, je ne peux que vous recommander de visiter le Musée de la cire japonaise abrité dans l’une des annexes de la résidence Kamihaga. Un espace très intéressant qui vous permettra de faire le lien entre les outils et équipements présents à l’extérieur et le processus de fabrication.

Le temps s’écoula rapidement et il fut l’heure de reprendre des forces. Bien qu’il existe de nombreux restaurants, notre choix se porta sur le restaurant de soba « Shimohagatei »(下芳我邸) établi dans un bâtiment vieux de 140 ans et dans-lequel les propriétaires ont recréé le plus fidèlement possible l’ambiance de l’époque, que ce soit dans le choix du mobilier ou des pièces de vaisselles. Le repas fut excellent et une fois encore, nous pûmes nous imprégner de l’ambiance de ce restaurant un peu hors du temps.

Bien qu’il existe de nombreux bâtiments très intéressants, je m’arrêterai un moment sur une dernière construction remarquable, le théâtre d’Uchiko ou Uchikoza (内子座) construit en 1916 en l’honneur de l’accession au trône de l’empereur Taishô. Construit sur deux niveaux dans le plus pur style japonais, j’ai été surpris de retrouver une scène tournante dont il est possible de visiter la partie inférieure. Nommée « Naraku » signifiant « Enfer », je vous laisse imaginer pourquoi. À notre sortie, nous pûmes nous vanter d’être allé en enfer et d’en être revenu !

Mais notre aventure ne s’arrêta pas là car Uchiko recèle encore d’autres merveilles… Ainsi, grâce à la présence de la rivière Odagawa, Uchiko pu se lancer dans la production d’une matière d’une grande finesse, le papier Washi (和紙). Cette tradition née à Uchiko il y a près de 350 ans perdure depuis plusieurs générations et constitue un véritable trésor qu’il convient de préserver.

Nos pas nous menèrent au cœur de la fabrique de papier Ikazaki où nous pûmes rencontrer l’artisan papetier Chiba-san qui nous expliqua les bases du processus de fabrication. Le papier fabriqué repose principalement sur l’utilisation du Kôzo (楮), mûrier à papier et du Mitsumata (三椏). Le premier est caractérisé par de longues fibres, ce qui en accroit la résistance. C’est également à base de Kôzo qu’a été réalisé le « Hyakumantō Darani » (Un million de pagodes et de prières Darani) vers 770, le plus ancien texte imprimé du Japon ! À l’inverse, les fibres du second sont plus courtes mais permettent la confection d’un papier supérieur marqué par une surface lisse et brillante.

Après la récolte s’ensuit un long processus de traitement qui permettra au produit fini de révéler toute sa beauté. Les matières végétales sont d’abord étuvées et lavées à l’eau pour en extraire les fibres. Ensuite, celles-ci sont déchiquetées afin d’en faire une pulpe qui sera ensuite mélangée à du Neri (ネリ), une substance contenant de l’amidon et utilisée comme dispersant dans une sorte de cuve, le Suki-bune (漉き舟). L’artisan se munit alors d’un tamis en bambou, Suketa (簀桁) qu’il plonge dans la cuve. Avec un mouvement répété de balancier, la matière se fixe sur le tamis et l’excédent d’eau est évacué. Les feuilles sont alors empilées, séchées naturellement et pressées dans le but de réduire le volume d’eau contenu dans le papier et d’en supprimer les aspérités. Enfin, ces dernières sont placées une à une sur un séchoir métallique.

De la place d’observateur, nous passâmes rapidement à celle d’acteur car nous eûmes l’opportunité de fabriquer notre propre feuille de papier sans la première étape de séchage et le pressage. Il en résulta un papier « brut » mais authentique, sublimé par ses défauts.

Étant particulièrement admiratif de l’artisanat, cette expérience me permit de ressentir, l’espace d’un moment, toute la qualité de ce savoir-faire et d’en mesurer la difficulté. En effet, lorsque nous regardons une vidéo ou des photo, nous voyons un artisan versé dans sa pratique depuis des années et pour-lequel chaque geste a été maintes fois répété. Lorsque je pris le Suketa dans les mains et le plongeai dans l’eau, j’en ressentis le poids. Mes gestes manquèrent de coordination mais je ressentis pleinement la valeur de ce moment et de cette rencontre.

Une fois notre feuille prête à l’emploi, nous participâmes à un second atelier visant à faire de notre création la couverture d’un carnet relié au moyen d’une technique japonaise, la reliure à poche Fukurotoji (袋綴).

Mais quelles sont les caractéristiques de ce type de reliure ? Tout d’abord, les feuilles de papier sont pliées et empilées les unes sur les autres avant de placer la couverture et de coudre l’ensemble.  Mais la particularité se trouve au niveau des bords du pli des feuilles constituant le carnet. Comme vous pouvez le voir sur la photo ci-dessous, le pli se trouve sur la partie externe du livret. Ainsi, c’est la partie libre du papier qui est cousue et lorsque que l’on observe ce dernier, il se présente sous la forme d’un tube. C’est ainsi qu’entre les mains, je tins un fabuleux souvenir imprégné de la magie de cette journée et qui m’accompagnera lors de mon prochain voyage…

Notre voyage à Uchiko touche bientôt à sa fin mais nous terminâmes cette journée en passant par la boutique située en face de l’atelier.

Source: Ayaka Sakamoto

Pour les amateurs de papeterie, c’est un arrêt obligatoire qui vous permettra d’apprécier toute la diversité des papiers produits à Uchiko et de vous arrêter sur les magnifiques exemples de dorure sur papier, une technique développée par Hiroyuki Saito (齋藤宏之) qui suivit les enseignements de Gabor Ulveczki, artiste peintre d’origine hongroise et installé à Paris depuis 1983.  Ce dernier ouvrit son propre atelier d’arts plastiques qui aboutira à la création de la marque ULGADOR, une entreprise française spécialisée dans la fabrication de papier-peints, panneaux muraux, etc. De 2008 à 2009, il séjourna deux ans à Uchiko dans le cadre d’un projet visant à moderniser la tradition du papier Washi.

Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto

Et si d’aventure vous souhaitez déambuler dans les rues, faites un arrêt au distributeur d’origami ! Une machine atypique qui vous permettra d’emporter un souvenir original dont le poids n’impactera nullement la limite imposée par les compagnies aériennes.

Source: Ayaka Sakamoto

Uchiko n’a toutefois pas encore livrée tous ses secrets et bien que je n’eus pas l’occasion de le visiter, cette petite ville abrite un musée dédié aux cerfs-volants permettant à tout un chacun de s’émerveiller devant la diversité de ces objets virevoltant aux quatre vents mais aussi d’approfondir ses connaissances sur l’histoire de la région.

Source: Ayaka Sakamoto

En outre, il vous sera possible de participer à une expérience qui lèvera le voile sur la fabrication du charbon de bois utilisé dans la cérémonie du thé. Situé dans le quartier d’Ishidamami, à l’Est d’Uchiko, l’atelier fabrique  du charbon de bois ayant la particularité d’évoquer la fleur de chrysanthème !

Si vous souhaitez en savoir plus, je vous invite à consulter le site Internet d’Ayaka Sakamoto qui a développé son entreprise sous le nom d’ « Une Tokyoite » et dont vous trouverez les liens en fin d’article.

Ainsi s’achève cette formidable aventure humaine faite de rencontres et d’enseignements. Du début à la fin, cette journée fut une succession de magnifiques surprises alors si vous projetez de voyager à Shikoku, rendez-vous à Uchiko, imprégnez-vous de son atmosphère et laissez-vous charmer par sa richesse !

Je tiens à remercier Ayaka Sakamoto pour l’organisation de cette journée, l’énergie et le temps qu’elle a consacré à ce projet et sans laquelle je n’aurais pu écrire cet article. Je remercie également chaleureusement Michiko Miyoshi de l’Office du tourisme d’Uchiko pour son accueil et qui m’a permis de mener à bien ce projet, sans oublier Chiba-san et Aoyama-san qui nous ont guidé dans les deux ateliers auxquels nous avons participé.

Pour en savoir plus, n’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous :

Ayaka Sakamoto :

Office du Tourisme d’Uchiko :

内子町観光協会【公式】 (@visit_uchiko) • Photos et vidéos Instagram

一般社団法人内子町観光協会 | Kita-gun Ehime | Facebook

YouTube : 内子町観光協会_Uchiko Tourism Association – YouTube

Ikazaki :

Commerce-atelier Omori Warosoku :

Restaurant de Soba « Shimohagatei » :

Découverte de l’atelier de couture de Sakura Fabric – deco, origami and sewing

Présentation générale

J’ai eu le plaisir de visiter l’atelier de couture de Sakura Fabric – deco, origami and sewing tenu par Vanessa Maira, graphiste de formation.

Outre son activité, elle possède différents loisirs sur le côté : kendo depuis 15 ans, iaido depuis 3 ans et évidemment, c’est une passionnée du Japon : manga, culture, voyage, etc.  Imprégnée de cette culture, c’est en voyant les tissus japonais qu’elle eut envie de se lancer dans la couture en tant que loisir.

Comment a-t-elle appris la couture ?

Depuis toute petite, elle a baigné dans le monde de la couture : sa maman était couturière et travaillait dans les ateliers. Elle venait de temps en temps la chercher au travail le mercredi avec son papa et restait parfois dans l’atelier afin de regarder les autres travailler. Cette ambiance lui a vraiment plu et lui a laissé quantité de souvenirs positifs.

À côté, il y avait sa marraine qui avait son propre atelier de couture et avec qui elle a passé beaucoup de temps. Sa marraine a par la suite arrêté la couture pour travailler avec son mari mais elle a continué la couture en tant que hobby. C’est elle qui lui a beaucoup enseigné, notamment le début : comment rapiécer deux bouts de tissus, etc. avec une vielle machine à pédale avec laquelle Vanessa utilisait ses deux pieds quand elle était petite pour la faire fonctionner.

Quand Vanessa a vu les tissus Japonais, elle en a eu assez d’avoir des étuis à sabre standard où le tissu enveloppant le sabre avant de le mettre dans le sac dédié était « banal », « trop fin », « de mauvaise qualité », etc. Si l’on voulait avoir un bel étui ou avec un tissu plus épais, les prix montaient de manière affolante. Elle a alors décidé de créer les siens. D’abord avec des tissus style jacquard, elle a fait des tests « style japonisant » et voyait que cela passait bien. Quand les camarades des arts martiaux ont vu le résultat, ils ont vite demandé d’où ils venaient, où elle l’avait acheté etc. Vanessa leur a alors répondu que c’était elle qui les avait faits, c’est ainsi que l’aventure a démarré.

Comment son activité a débuté ?

L’aventure a donc commencé en fabriquant des étuis à shinai (sabre en bambou pour le kendo). Elle a testé des touts simples, puis a utilisé des tissus de plus en plus beaux et raffinés. Les clients ont poursuivi en lui demandant si elle faisait également des étuis à iaito (réplique de sabre en métal non tranchant pour la pratique du iaido). Elle a alors commencé par un modèle et voyant que cela fonctionnait, elle a continué avec ses produits. Elle réutilise les restes de tissus pour faire des pochettes et autres pièces de petites tailles. Elle essaye de réutiliser les chutes de tissus au maximum.

Elle a fait venir des tissus du Japon qui ont un certain prix, alors autant les utiliser au maximum. Les cotons japonais sont réputés pour être d’excellente qualité, ce n’est pas pour les jeter ! Plusieurs clients ont des tenugui (foulard multi fonction que l’on utilise dans la maison et sur la tête sous le casque – men – en kendo), qu’ils ont nettoyés plusieurs fois et les couleurs ne bougent pas. Vanessa est très contente de la qualité de ces tissus.

Pourquoi utiliser les kimonos d’arts martiaux ?

Au départ, Vanessa n’utilisait que des tissus qu’elle achetait et, en voyant un vieux kendo-gi (veste de kendo) qui était déchiré au niveau des épaules à cause du frottement des himo (cordes servant à faire tenir le plastron – do), elle s’est dit que ce serait dommage de le jeter à cause des épaules alors que les ¾ sont encore bons. Elle a donc essayé de le découper et de l’étaler pour voir la quantité de tissu disponible et a vu qu’il y avait moyen de le récupérer. Le premier truc qu’elle a fait est un sac qui se plie à l’image d’un sac de plage ou de course (style tote bag). Elle a également récupéré un ancien obi (ceinture de kimono) pour faire ce sac.

Pourquoi des créations en liens avec le Japon ?

Parce que Vanessa baigne dans la culture japonaise de par les arts martiaux qu’elle pratique, c’est sa source principale pour l’inspiration. Vu qu’elle utilise presque exclusivement des tissus japonais et/ou japonisants, elle voulait rester dans l’univers du Japon de par la qualité des tissus et les motifs utilisés. Ce sont de superbes tissus avec un choix énorme. Elle aime beaucoup les dessins ainsi que toutes les représentations que l’on peut voir dessus.

Quand elle coud un vieux obi, elle ne peut s’empêcher de penser à la personne qui l’a porté. Il y a toute une histoire derrière, tout comme pour les kendo-gi. Elle en reçoit de personnes plus ou moins connues dans le milieu du kendo et iaido. Quand on reçoit le kendo-gi ou hakama (pantalon large de kendo et iaido) d’un pratiquant avec une belle expérience et pratique, ce n’est pas rien ! Vanessa trouve que l’histoire de ces vêtements est fascinante et on ne peut que la rejoindre.

Pourquoi la récup’ ?

Vanessa trouve que l’on jette beaucoup, que nous sommes dans une société de consommation où il est facile d’acheter du neuf parce que ce n’est pas cher. C’est comme manger, elle déteste gaspiller de par son éducation. Nous avons la chance d’être dans des classes moyennes, d’avoir ce que l’on a et gaspiller n’est pas une option. Tant que nous avons des vêtements et des tissus, autant les garder et les réutiliser au maximum, les faire perdurer dans le temps à la place d’acheter du nouveau qui ne va pas peut-être pas durer aussi longtemps. C’est un peu de l’écologie mais c’est surtout un moyen de ne pas surconsommer.

Qu’est-ce qui l’inspire ?

Vous l’aurez compris, le Japon est fatalement sa source d’inspiration principale : les voyages qu’elle a y a faits, l’art en général (n’oublions pas qu’elle est graphiste), etc. Il y a également toutes les tendances asiatiques qui l’inspirent que ce soit pour la composition, les couleurs, la simplicité, la sobriété, etc. De ses propres dires, c’est comme le Scandinave qui est très épuré alors que le Japon est davantage dans la sobriété mais complexe. Les meilleurs exemples sont dans le vieux Kyôto, plus précisément dans le quartier de Gion où il y a de très vieilles boutiques avec que des artisans, ce qui l’inspire énormément.

Où trouve-t-elle les partons/modèles/tissus/Kimono ?

Pas de chance, en réalisant l’interview, j’espérais capter quelques sources pour les patrons et modèles mais Vanessa m’a confié n’en avoir aucun, elle les fait elle-même par essais-erreurs. Elle a un carnet où elle fait des croquis et reporte les mesures qu’elle doit utiliser pour les découpes des tissus et le prix général pour un client, toujours en fonction des tissus utilisés. Ainsi, elle connaît le métrage de tissus à utiliser et la charge de travail inhérente. Une fois la pièce créée, elle la soumet au client et à son mari pour consultation qui, pratiquant également les arts martiaux, peut donner des conseils sur la manière d’agencer les sacs, les pochettes (pour les tsuba par exemple- les gardes en plastique pour les shinai), les lanières, etc. afin d’améliorer ses créations et toujours répondre à une personnalisation des sacs selon chaque client, ses besoins et sa manière d’agencer/ranger son matériel.

Concernant les matériaux et les tissus, Vanessa trouve les obi au Japon. Il y a des magasins qui sont spécialisés dans les yukata et les kimono avec des seta (chaussures en paille). Souvent, dans le fond des boutiques, il y a un rayon de seconde main avec des obi. Il y a également des obi abimés à prix dérisoire alors qu’ils restent toujours aussi magnifiques. Par exemple, il y en avait un avec une brûlure de cigarette et un autre avec une tache. Les commerçants ne pouvaient par les vendre au prix habituel. Quand on pense qu’un véritable obi fait 6 à 8m, cela devient très intéressant. Sinon Vanessa trouve les autres tissus japonais et japonisants sur des sites spécialisés car il n’y a pas de boutique attitrée en Belgique. Pour les tissus plus génériques, comme du coton unis, elle trouve cela dans les merceries habituelles. Pour ce qui est des cuirs, elle a trouvé une astuce un peu récup’ également : un magasin qui fait des salons en cuir qui vend ses chutes de cuir à la caisse au kilo. Cela tombe bien pour Vanessa car elle n’a pas besoin de grand métrage. Cependant, c’est la surprise du chef concernant le contenu : si on prend une boîte colorée, on ne sait pas trop ce qu’il y aura dedans ou si on prend une boîte dans les tons noir ou brun, au saura alors plus ou moins ce que l’on aura. Cela permet pour le magasin de ne pas jeter les cuirs et pour Vanessa d’utiliser de beaux cuirs véritable et de qualité pour ses créations.

Où en est son projet ?

Le projet de Vanessa est toujours en amateur, pas en professionnel. Les clients peuvent voir ses créations et commander via sa page Facebook et sa page Instagram.

Comme c’est de la customisation, elle part du principe qu’il faut satisfaire le client. Les goûts et les couleurs, ça ne se discute pas. Comme elle est partie d’un sac à shinai qu’elle n’aimait pas, ce n’est pas elle qui vous jugera sur vos demandes de personnalisation ! Les clients choisissent tout : les tissus, les poches, leur position, la taille, etc. La clientèle de Vanessa est principalement composée de kendoka et iaidoka (pratiquants de kendo et d’iaido), en Belgique mais également à l’étranger.

Durant le confinement, elle a produit et vendu environs 300 masques faits à base de tissus japonais. Elle s’est adaptée durant cette période particulière. Vanessa propose parfois ses produits durant les séminaires, stages, championnats, etc., ce qui lui permet de tenir un stand et de faire la promotion de son artisanat.

Vanessa ne fait pas que de la couture mais également du tricot (snoods), des origamis, etc. Pour vous donner une idée, elle a fait un millier de grues en papier avec différentes couleurs pour la décoration des tables de son mariage. Un grand tonnerre d’applaudissements pour ses efforts et sa détermination !

Vanessa n’a pas d’objectif fixé concernant son projet car il a commencé pour le côté fun. Ses créations plaisent, elle a de plus en plus de retours positifs et elle commence à avoir de plus en plus de commandes. Cela lui fait plaisir de faire plaisir aux autres. Si les clients sont contents et satisfaits, elle continuera le temps qu’il faudra. Elle pense à se faire connaître davantage au niveau européen lors des évènements de kendo et de iaido et aller plus loin dans le concept de customisation, côté qui lui plaît le plus.

Elle a également développé une gamme pour animaux : collier, harnais, bandana, nœud papillon notamment en veste de kendo bleu indigo mais aussi avec des tissus japonais, parfait pour vos toutous !  Vanessa ne peut pas vivre pleinement de son projet mais s’il prend bien, peut-être que les choses changeront. Seul l’avenir nous le dira. Affaire et pages à suivre ! 

Vanessa peut compter sur le soutien de son mari pour améliorer les objets qu’elle crée et la gestion quotidienne ainsi que les conseils de sa mère et de sa marraine qui sont toutes deux couturières.

Quelles sont les difficultés qu’elle rencontre et a rencontrée ?

La principale difficulté rencontrée a été et est de se faire connaître. Au début, on se demande si cela va plaire au client, en particulier quand on n’est jamais assez satisfait de son travail. Elle voit toujours que l’on peut mieux faire. Elle n’est jamais satisfaite à 100% et cherche donc continuellement à s’améliorer.

La principale difficulté durant le covid est qu’elle commençait à avoir une notoriété dans le monde du kendo et tout s’est arrêté d’un coup, plus d’évènements, plus de kendo, plus rien pendant 2 ans et demi… Du coup, son activité a pris un coup et s’est recyclée, sans mauvais jeux de mots, dans la fabrication des masques. Elle a continué à faire sa promotion sur internet, à montrer qu’elle était toujours présente et montrer ses productions.

Quels conseils donnerait-elle à quelqu’un qui souhaite se lancer dans la couture ?

Si Vanessa devait donner un conseil pour quelqu’un qui souhaite se lancer dans la couture est la pratique. C’est comme le kendo, l’iaido et la vie en général : il faut se lancer, essayer, rater et réessayer encore jusqu’à satisfaction. Commencez par des choses faciles comme des tenugui, des furoshiki (emballage cadeau en coton de forme carrée), faites des ourlets, des petites pièces au début. Vous apprendrez en faisant des essais. Vous avez raté une pièce ? Ce n’est pas grave, recommencez autant de fois que nécessaire. C’est ainsi que se fait l’apprentissage. Prenez également des notes et répertoriez-les dans un carnet, avec les schémas, les cotes, les conseils etc. Une fois que vous êtes à l’aise, n’hésitez pas à sortir de votre zone de confort et innovez.

Une chose à ajouter ?

En parallèle de la couture, Vanessa se lance dans d’autres projets de décorations : origami, le dessin, la peinture tibétaine, etc. Elle est en recherche constante de nouveautés à explorer. Elle est à la recherche de quelque chose qui va plaire. La création est un besoin chez elle, sans quoi elle s’ennuie. C’est probablement dû à son métier de graphiste où il faut se creuser les méninges pour satisfaire le client. Partir d’une page blanche correspond à ce dont elle a besoin, tant dans son métier, que dans la couture et la vie de manière générale. La création nous oblige à nous surpasser mais ce n’est pas aussi stimulant que de « simplement » exécuter.

Un mot pour la fin ?

Pour clôturer cette interview, Vanessa m’a confié quelque chose de compliqué à appliquer : il faut croire en ses rêves et en ce que l’on fait. Même si pour certaines personnes c’est un peu plus dur que pour d’autres, il faut croire en soi et c’est valable pour tout car c’est cela qui nous aide à avancer.

Depuis qu’elle a passé son 4ème Dan en kendo, elle y arrive de plus en plus mais c’est un chemin long, compliqué et semé d’embuches. Si elle a obtenu le grade, malgré 7 tentatives auparavant (ce qui est tout à fait normal quand on arrive au 3ème, 4ème Dan et au-delà), elle se dit qu’elle peut avoir de plus en plus confiance en elle. Elle essaye, ce n’est pas toujours facile mais à force de persévérance, elle arrive à atteindre son but, que ce soit dans les arts martiaux, au travail, en couture et dans les autres domaines.

Voulez-vous en savoir plus ?

Vous pouvez aussi la contacter par mail à l’adresse suivante:

Crédit photo : Sakura Fabric par Vanessa Maira

Discovery of the IITO brand: a meeting between simplicity and innovation

At the moment, Japanese clothing brands are quite unknown in Belgium. This article is an opportunity to raise the veil on one of them: IITO.

The IITO brand was born in Kumamoto, in the heart of the Daiichi Bôseki (第一紡績工場) spinning company, founded in 1947. It is the only company in Japan that integrates both spinning and dyeing processes at the same site, which allows them to keep control of the various manufacturing stages and thus offer fabrics that are fully representative of the company.

This brand mainly offers t-shirts, sweatshirts and sweaters made with different spinning techniques that bring specific characteristics to the clothes.

Thus, the t-shirts are made from a high quality cotton associated with the PURE BREEZE process. The particularity of this process consists in the twisting of the threads which allows the material to keep its brightness, its natural softness and to increase its durability.

Through the sweater below that I had the opportunity to test, it is not an exaggeration to say that their expertise is perceptible in the material that shapes the clothes they propose. Indeed, my first impression was the softness of it which offers a pleasant feeling of comfort. A sensation transmitted by the material used, the MIDAIR. This fabric, made of 100% cotton, is obtained through a special spinning method that creates layers of air between the fibers. In addition to the comfort, MIDAIR offers that characteristic, slightly fluffy look.

The comfort felt when wearing or touching the garment is, in my opinion, reinforced by the gray color of the sweater. A light gray, conducive to relaxation. Of course, this is only my personal feeling. Besides, don’t we say « Tastes and colors, that’s not debatable » 😉

In addition to the material I just mentioned and which, in my opinion, is of excellent workmanship, let’s focus on other elements that determine the quality of a garment such as the seams as well as various details.

Generally, I pay little attention to the seams of the clothes I wear but this article is an opportunity to change my mind! Indeed, although discreet, they are very important because they impact different factors such as the durability of the garment and its comfort.

The brand IITO takes the decision to make the seams visible, both on the outside and inside of the garment. An interesting aesthetic choice that I think gives this brand its own identity. In addition, since nothing is hidden, I think that the garment and therefore more broadly the brand, wants to establish a relationship of trust between the person and the article it holds in his hands.

To come back to the seams of the sweatshirt that I present to you, several elements are to be mentioned. First of all, those present inside the garment are flat, soft and do not cause on the skin this unpleasant sensation of friction that I could already feel with other clothes. In addition, they are perfectly clean, regular and the areas of junction between the different seams have the same regularity and neatness. Secondly, let’s take a look at the seams on the outer surface. They have nothing to envy to their cousins and have the same characteristics.

Let’s take a closer look at the zipper. The main characteristic of this one is that it is double. Therefore, it allows for different adjustments depending on the style you are looking for. Made of metal, the slider is thick and slides easily over the teeth. Like the seams, the attachment of the ribbon to the fabric is precise and has no defects that could compromise its durability.

Let’s move on to two details. First, I would like to focus on the absolutely fantastic hood! The hood is wide, thick but light and once you put it on, it offers a very nice, soft and warm space! Secondly, I would like to draw your attention to the triangular piece of fabric located under the armpit. This one gives more ease at the level of the arms, which, once again, increases the feeling of comfort felt.

Source: Jennifer De la Rubia

This test is slowly coming to an end but if I had to define the main characteristics of this brand through this sweater, I would say: simplicity, quality and comfort. Indeed, although the model is simple, this characteristic is an asset that allows it to break away from the rules of clothing styles that punctuate our society. The material awakens the touch and makes the garment a garment that we want to wear and even more, to keep. The quality is embodied in the different elements of the garment and in doing so, establishes a bond of trust between the brand and ourselves. Am I ready to trust the IITO brand ? Yes, definitely ! Are you ?

Source: Jennifer De la Rubia

If you wish to discover more about the IITO brand, do not hesitate to visit their website: IITO SHOP / TOPページ (

You can also follow them on social networks via :

The brand was also represented at three Pop-up Exhibition in Paris, Antwerp and London as part of the project initiated by Setsugekka and that you can discover in my second article 😉

Découverte de la marque IITO: rencontre entre simplicité et innovation

À l’heure actuelle, les marques de vêtements japonaises sont assez méconnues en Belgique. Cet article est donc l’occasion de lever le voile sur l’une d’entre elles : IITO.

La marque IITO est née à Kumamoto, au cœur même de l’entreprise de filature Daiichi Bôseki (第一紡績工場), fondée en 1947. C’est la seule entreprise du Japon qui intègre à la fois les processus de filature et de teinture sur le même site, ce qui leur permet de garder la maitrise des différentes étapes de fabrication et donc de proposer des tissus pleinement représentatif de la société. 

Cette marque propose principalement des t-shirts, des sweat ainsi que des pulls over réalisés au moyen de différentes techniques de filage qui apportent des caractéristiques spécifiques aux vêtements.

Ainsi, les t-shirts sont fabriqués à partir d’un coton de haute qualité associé au procédé PURE BREEZE. La particularité de ce dernier consiste en la torsion des fils qui permettent à la matière de conserver sa brillance, sa douceur naturelle et d’en accroitre la durabilité.

Au travers du sweat ci-dessous que j’ai eu l’occasion de tester, il n’est pas exagéré de dire que leur expertise est perceptible dans la matière qui façonne les vêtements qu’ils proposent. En effet, ma première impression a été la douceur de celle-ci qui offre une agréable sensation de confort. Une sensation transmise par le matériau utilisé, le MIDAIR. Ce tissu, composé de 100 % de coton, est obtenu par une méthode spéciale de filage créant des couches d’air entre les fibres. Outre le confort, le MIDAIR offre cet aspect caractéristique, légèrement duveteux.

Le confort ressenti lorsque l’on porte ou touche le vêtement est, à mon sens, renforcée par la couleur grise du sweat. Un gris léger, propice à la détente. Bien sûr, il ne s’agit ici que de mon ressenti personnel. D’ailleurs, ne dit-on pas « Les goûts et les couleurs, cela ne se discute pas » ? 😉

Outre la matière dont je viens de parler et qui, à mon sens, est d’excellente facture, intéressons-nous à d’autres éléments qui déterminent la qualité d’un vêtement comme les coutures ainsi que différents détails.

Généralement, je prête assez peu attention aux coutures des vêtements que je porte mais cet article est l’opportunité de changer d’avis ! En effet, bien que discrètes, elles n’en sont pas moins très importantes car elles impactent différents facteurs comme la durabilité du vêtement ainsi que son confort.

La marque IITO prend le parti de rendre les coutures apparentes, que ce soit à l’extérieur et à l’intérieur du vêtement. Un choix esthétique intéressant et qui, je pense, confère à cette marque une identité propre. En outre, puisque rien n’est dissimulé, je pense que le vêtement et donc plus largement la marque, souhaite établir une relation de confiance entre la personne et l’article qu’elle tient dans ses mains.

Pour en revenir aux coutures du sweat que je vous présente, plusieurs éléments sont à mentionner. Tout d’abord, celles présentes à l’intérieur du vêtement sont plates, douces et ne provoquent pas sur la peau cette désagréable sensation de frottement que j’ai déjà pu ressentir avec d’autres habits. De plus, elles sont parfaitement nettes, régulières et les zones de jonction entre les différentes coutures possèdent cette même régularité et netteté. Deuxièmement, intéressons-nous à celles situées sur la surface externe. Elles n’ont rien à envier à leurs cousines et possèdent les mêmes caractéristiques.

Regardons de plus près la fermeture éclair. La principale caractéristique de celle-ci est qu’elle est double. De ce fait, elle permet d’opérer différents ajustements en fonction du style recherché. Réalisé en métal, le curseur est épais et glisse facilement sur les dents. Comme les coutures, la fixation du ruban au tissu est précis et ne présente pas de défaut risquant de compromettre sa durabilité.

Passons maintenant à deux détails. Tout d’abord, j’aimerais m’attarder sur la capuche absolument fantastique ! Cette dernière est large, épaisse mais légère et une fois enfilée, elle offre un espace très agréable, doux et chaud ! Deuxièmement, j’attire votre attention sur la pièce de tissu triangulaire située sous l’aisselle. Celle-ci accorde davantage d’aisance au niveau des bras, ce qui, une fois encore, accroit le sentiment de confort ressenti.

Source: Jennifer De la Rubia

Ce test touche doucement à sa fin mais si je devais définir les principales caractéristiques de cette marque au travers de ce sweat, je dirais : simplicité, qualité et confort. En effet, bien que le modèle soit simple, cette caractéristique est un atout lui permettant de se détacher des règles des styles vestimentaires qui rythment notre société. La matière éveille le toucher et fait du vêtement un habit que l’on a envie de porter et plus encore, de garder. La qualité s’incarne dans les différents éléments constitutifs du vêtements et ce faisant, établi un lien de confiance entre la marque et nous-même. Suis-je prêt à faire confiance à la marque IITO ? Oui, assurément ! Et vous ?

Source: Jennifer De la Rubia

Si vous souhaitez découvrir davantage la marque IITO, n’hésitez pas à consulter leur site Internet : IITO SHOP / TOPページ (

Vous pouvez également les suivre sur les réseaux sociaux via :

La marque était également représentée à l’occasion de trois Pop-up Exhibition à Paris, Anvers et Londres dans le cadre du projet initié par Setsugekka et que vous pouvez découvrir dans mon second article 😉

The Setsugekka project: minimalist beauty

Setsugekka (雪月花), a poetic name for the natural beauty of the seasons in Japan: the snow of winter, the moon of autumn and the flowers of spring. And such is the name chosen for this project revolving around two objectives: to highlight the beauty of Japanese craftsmanship through a minimalist aesthetic and to respond to Fueki Ryûkô’s (不易流行) philosophy, which could be summarized as « Continuity and Change ».

Source: Setsugekka

Minimalism or « Less is more » is what I call a return to the essential. This concept is deeply rooted in the Japanese culture marked by Zen Buddhism. In order to understand it, we have to leave our Western eyes and try to perceive its meaning through the eyes of the Japanese culture. Without going into detail because that is not the point, there are seven aesthetic principles in Zen philosophy including Kanso (簡素), simplicity. The latter makes sense in this initiative where each creation is free of any superfluous elements. By the same token, our daily life itself becomes simpler.

In addition, I think a second concept is perfectly illustrated by this project, that of Yûgen (幽玄), mysterious depth and consisting of feeling the hidden beauty. A beautiful example is no more and no less than the name « Setsugekka ». Everyone can imagine the beauty of cherry trees in spring. But broaden your horizons… Seasons come and go, landscapes change, shaped by the work of nature and man. These cherry trees that you imagine have a past, a present and a future. To feel it is, in my opinion, the perception of this hidden beauty. It is the same for these objects. The raw material has been worked, shaped to give it the desired form. Over time, it will also evolve, the beauty of use.

Source: personal photo

Fueki Ryûkô’s philosophy may seem complex but an example is better than a long speech. Handicrafts are, in my opinion, an important part of Japanese culture and as such, have an immutable essence. However, on several occasions, I have noticed that traditional craftsmanship sometimes struggles to find its place in our modern society. Thus, I think that the main challenge is to integrate changes, evolutions without changing the original form.

Therefore, this project aims to present the work of artists, craftsmen and companies immersed in the very heart of these reflections. You will find creations touching different materials, intended for different uses but all marked by the same desire to bring an aesthetic reduced to its purest essence and this will to integrate them in our daily life and by this way, to enrich it. I would go even further… It is not only about concepts embodied in the work of these men and women but also the transmission of values strongly rooted in Japanese culture.

This is particularly the case for the clothing brand IITO. Specialized in the manufacture of cotton clothes for nearly 70 years in the Kumamoto region, the clothes it offers are marked by a simplicity in the form but a technical research in order to bring softness, comfort, durability to its creations. You will find more information related to this brand in the article dedicated to it 😉

This article is coming to an end but before I leave you, I also wanted to highlight the work of another one of these people who is putting her talent and know-how at the service of this project: Yuki Onizuka, a specialist in Yokoburi (横振り) embroidery, a term meaning horizontal swing.

A strange name to say the least, but patience. Let’s go back in time and precisely to the Taishô era (1912-1926), period during which this process was born. It would find its origin in the city of Kiryû in the current prefecture of Gunma and was mainly used for the embroidery of Buddhist altar objects and kimono.

Today, this craftswoman creates modern jewelry using a 70-year-old mechanical sewing machine! But unlike a conventional machine, the needle of this one moves from left to right, creating a kind of swing from which the technique takes its name.

At this moment, imagine the piece of fabric delicately placed on the workbench, the back and forth movement of the needle giving substance to the artist’s creation. Even more, the sounds produced by this machine activated by movements on the pedal, the lever… The scene comes to life and, in your turn, you can perceive its hidden beauty.

But beyond its original form, this technique is sublimated by the know-how and inspirations of this artist. Thus, she does not only reproduce a process, she enriches it. The result is unique pieces in which nature reveals itself with a lot of grace and softness. Nature is revealed to us in its simplest but magnificent simplicity.

If you want to know more about Setsugekka, I invite you to visit their website: Setsugekka (

You can also follow them on social networks via :

This fabulous initiative was embodied in three Pop-up Exhibitions held in Paris, Antwerp and London from January 07 to 22. Via Setsugekka’s Facebook page, you can discover the work of other talented artists ! On WalloNihon’s page, don’t hesitate to consult the post dedicated to my visit of the one in Antwerp: discoveries, meetings were there !

Source: personal photo

Le projet Setsugekka: la beauté minimaliste

Setsugekka (雪月花), une appellation poétique désignant la beauté naturelle des saisons au Japon : la neige de l’hiver, la lune de l’automne et les fleurs du printemps. Et tel est le nom choisi pour ce projet s’articulant autour de deux objectifs : mettre en valeur la beauté de l’artisanat japonais à travers une esthétique minimaliste et répondre à la philosophie de Fueki Ryûkô (不易流行) que l’on pourrait synthétiser par « Continuité et changement ».

Source: Setsugekka

Le minimalisme ou « Less is more », moins c’est plus, est ce que j’appelle un retour à l’essentiel. Ce concept s’enracine profondément dans la culture japonaise marquée par le Bouddhisme Zen. Pour le comprendre, il nous faut délaisser notre regard d’Occidentaux pour tenter d’en percevoir la signification au travers de celui de la culture nipponne. Sans entrer dans les détails car ce n’est pas le but, il existe sept principes esthétiques dans la philosophie Zen dont le Kanso (簡素), simplicité. Cette dernière prend sens dans cette initiative où chaque création est libérée de tout élément superflu. Par la même, notre quotidien en devient lui-même plus simple.

En outre, je pense qu’un second concept est parfaitement illustré par ce projet, celui de Yûgen (幽玄), profondeur mystérieuse et consistant à ressentir la beauté cachée. Un bel exemple n’est ni plus ni moins que le nom « Setsugekka ». Chacun peut imaginer la beauté des cerisiers au printemps. Mais élargissez vos horizons… Les saisons se succèdent, les paysages évoluent, façonnés par l’œuvre de la nature et de l’Homme. Ces cerisiers que vous imaginez ont un passé, un présent et un futur. Le ressentir est, à mon sens, la perception de cette beauté cachée. Il en va de même pour ces objets. La matière première a été travaillée, façonnée pour lui donner la forme désirée. Au fil du temps, celle-ci aussi va évoluer, la beauté de l’usage.

Source: photo personnelle

La philosophie de Fueki Ryûkô peut paraître complexe mais un exemple vaut mieux qu’un long discours. L’artisanat est, à mon sens, un élément important de la culture japonaise et à ce titre, possède une essence immuable. Toutefois, à plusieurs reprises, j’ai constaté que l’artisanat traditionnel peine parfois à trouver sa place dans notre société moderne. Ainsi, je pense que le principal défi est d’y intégrer des changements, des évolutions sans en modifier la forme originale.

De ce fait, ce projet vise à présenter le travail d’artistes, d’artisans et d’entreprises plongés au cœur même de ces réflexions. Vous y trouverez des créations touchant à différentes matières, destinées à différents usages mais toutes marquées par ce même désir d’apporter une esthétique réduite à son essence la plus pure et cette volonté de les intégrer dans notre vie quotidienne et par là même, de l’enrichir. J’irais même plus loin… Il ne s’agit pas uniquement de concepts s’incarnant dans le travail de ces hommes et de ces femmes mais également la transmission de valeurs fortement ancrées dans la culture japonaise.

C’est notamment le cas de la marque de vêtements IITO. Spécialisée dans la fabrication de vêtements en coton depuis près de 70 ans dans la région de Kumamoto, les habits qu’elle propose sont marqués par une simplicité dans la forme mais une recherche technique afin d’apporter douceur, confort, durabilité à ses créations. Vous trouverez davantage d’informations liées à cette marque dans l’article qui lui est dédié 😉

Cet article arrive à son terme mais avant de vous quitter, je souhaitais également mettre en lumière le travail d’une autre de ces personnes qui met son talent et son savoir-faire au service de ce projet : Yuki Onizuka, spécialiste de la broderie Yokoburi (横振り), un terme signifiant balancement horizontal.

Une appellation pour le moins étrange mais patience. Remontons dans le temps et précisément à l’ère Taishô (1912-1926), période durant laquelle ce procédé est né. Ce dernier trouverait son origine dans la ville de Kiryû dans l’actuelle préfecture de Gunma et était principalement utilisé pour la broderie d’objets d’autels bouddhiques et de kimono.

Aujourd’hui, cette artisane crée des bijoux modernes à l’aide d’un modèle de machine à coudre mécanique vieux de 70 ans ! Mais contrairement à une machine classique, l’aiguille de celle-ci se déplace de gauche à droite, créant une sorte de balancement duquel la technique tire son nom.

À cet instant, imaginez la pièce de tissu délicatement posée sur l’établi, le mouvement de va et vient de l’aiguille donnant corps à la création de l’artiste. Plus encore, les sons produits par cette machine actionnée par des mouvements sur la pédale, le levier… La scène prend vie et, à votre tour, vous pouvez en percevoir la beauté cachée.

Mais dépassant sa forme originelle, cette technique se voit sublimée par le savoir-faire et les inspirations de cette artiste. De ce fait, elle ne fait pas que reproduire un procédé, elle l’enrichit. Il en résulte des pièces uniques dans lesquelles la nature se dévoile avec beaucoup de grâce, de douceur. La nature nous est révélée dans ce qu’elle a de plus simple mais une magnifique simplicité.

Si vous souhaitez en savoir plus sur Setsugekka, je vous invite à consulter leur site Internet : Setsugekka (

Vous pouvez également les suivre sur les réseaux sociaux via :

Cette fabuleuse initiative s’est incarnée dans trois Pop-up Exhibition qui se sont tenus à Paris, Anvers et Londres du 07 au 22 janvier. Via la page Facebook de Setsugekka, vous pourrez découvrir le travail d’autres artistes talentueux ! Sur celle de WalloNihon, n’hésitez pas à consulter le post dédié à ma visite de celui d’Anvers : découvertes, rencontres ont été au rendez-vous !

Source: Photo personnelle

Centre Céramique : une fenêtre sur le Japon

Le 16 avril, l’équipe de WalloNihon, représentée par Jennifer, Frédéric et moi-même est partie à la découverte des collections du Centre Céramique ainsi que de la magnifique exposition de photos qui nous immergea dans l’univers des Geisha.

Notre visite commença par un voyage dans le temps, à une époque où le Japon exerçait une influence majeure dans les arts décoratifs, poussant les artistes et artisans européens à rivaliser d’ingéniosité pour imiter ou s’inspirer des créations de leurs homologues japonais dans un pays qui, isolé pendant près de deux siècles, s’ouvrait au monde. La restauration Meiji débutait…

Les plus grands producteurs de céramique de Maastricht œuvrèrent pendant près d’un siècle, de 1868 à 1965, à la fabrication de faïences puis de porcelaines marquées par ce Japonisme. Sous les enseignements de Monsieur Dijkman, conservateur du Centre Céramique, nous découvrîmes l’histoire de cette formidable aventure qui nous ramena également en Belgique…

En 1868, Petrus Regout (1801-1878) créa un service au nom évocateur, « JAPAN », ce qui traça la route qu’allait prendre la production de céramique à Maastricht. Ce service est très intéressant car je pense que l’on ressent bien l’influence japonaise au travers de la couleur rouge, une probable évocation du rouge kaki caractéristique de la porcelaine japonaise.

Nous poursuivîmes notre visite et nous pûmes mesurer l’étendue de cette collection. Ainsi, cette autre production de Petrus Regout porte le nom de « WAAYER », éventail. Ce dernier est très courant dans l’art japonais, qu’il soit utilisé comme motif décoratif ou pour sa forme. Ce n’était donc pas un hasard que celui-ci soit repris et réinterprété dans la production de Maastricht. D’autres motifs ont également été repris comme la grue, le pluvier ou encore le bambou.

Toutefois, dans l’art japonais, les motifs décoratifs sont rarement utilisés pour cette fonction propre. Ils possèdent une symbolique qui se voit renforcée par l’ajout de motifs à la symbolique identique. Néanmoins, la décoration de ces céramiques ignore cet aspect, se concentrant sur le côté esthétique.

La société de Petrus Regout fut rebaptisée « De Sphinx » en 1899, en référence à la marque apposée sur les pièces et figurant un sphinx couché. Toutefois, cette société ne fut pas la seule à explorer les décors japonais. D’autres se lancèrent également dans la production de faïences, de porcelaines et ce fut le cas de la Société Céramique, de Frederik Regout, de Mosa ou encore de la société De Sphinx/Société Céramique, résultat de la fusion entre ces deux fabricants en 1958.

Mais arrêtons-nous un instant sur le nom de la Société Céramique. Comme vous pouvez le constater, ce nom français n’est pas dû au hasard et témoigne du lien qui exista entre la Belgique et Maastricht durant les XIXe et XXe siècle. En effet, à l’origine, cette manufacture est l’héritière d’une autre fabrique fondée en 1851 par deux entrepreneurs belges : Nicolas Winand Clermont et Charles Chainaye sous le nom de « Clermont & Chainaye ».

D’autres liens virent le jour et au regard de la passion que je porte pour l’art et l’artisanat, je citerai la manufacture de Nimy dont le savoir-faire n’est plus à démontrer et qui fut rachetée par la Société Céramique en 1921.

Revenons à notre visite et bien que l’objectif ne soit pas de dresser un historique complet de cette production, progressons dans le temps pour observer ces pièces. Produites par la Société Céramique en 1914 et offrant un magnifique camaïeu bleu, ces pièces connues sous le nom de décor « NIPPON » offrent une décoration pour le moins incontournable dans la culture japonaise : la geisha. J’attire également votre attention sur les frises qui encadrent les différentes compositions. Celles-ci pourraient également être une inspiration de l’art japonais au travers des frises dites « Hanabishi » (花菱).

Terminons sur ces pièces produites à l’occasion des Jeux Olympiques de Tokyo en 1964. Vous les reconnaissez, n’est-ce pas ? Il s’agit bien du décor « NIPPON » repris sous le nom « SAYONARA » mais traité dans un camaïeu de brun. À l’image des athlètes qui firent leurs adieux à leurs hôtes japonais à la fin des Jeux Olympiques, ici s’achève cette première partie, témoignant d’une aventure qui dura près d’un siècle.

Mais il est encore trop tôt pour vous faire nos adieux. Entrons maintenant dans l’univers intimiste des Geisha au travers de l’exposition de Monsieur Paul van der Veer.

La dernière photo de l’exposition figure la Geiko Kikuyae qui, au terme de la cérémonie de l’Erikae (襟替え), passe du statut de maiko à celui de Geiko. Le terme « Erikae » peut être divisé en deux termes : Eri (襟), col et Kae, du verbe Kaeru (替える), changer. Il se traduit donc par le changement de col qui revêt une symbolique très forte dans laquelle la maiko délaisse le col rouge et prend le col blanc de Geiko. Aboutissement d’un long et difficile apprentissage, cette photo incarne cet accomplissement.

Source: Paul van der Veer

Ainsi, Paul Van der Veer nous plongea dans l’intimité de ces femmes qui évoluent dans l’Okiya (置屋) Hanafusa (花ふさ) de Miyagawachô (宮川町), l’un des cinq Hanamachi (花街) de Kyoto. Créé en 1751 en tant que lieu de rencontre pour les artistes locaux, Miyagawachô est situé près du théâtre Kabuki Minamiza et doit son nom à une coutume du festival de Gion consistant à laver les palanquins sacrés du sanctuaire de Yasaka dans la rivière Kamo.

C’est dans ce quartier qu’évoluent les Geisha de la maison Hanafusa. Le terme de Geisha (芸者) est lui aussi très intéressant et peut se décomposer de la façon suivante : Gei (芸), art et Sha (者), personne. En l’occurrence, il s’agit donc d’une personne liée à l’art, une artiste.

De ce fait, tout au long de l’exposition et sous les explications de Monsieur van der Veer, nous découvrîmes ces femmes versées dans la culture traditionnelle japonaise au travers de l’étude et de la maitrise de la danse, du chant, du shamisen, de la cérémonie du thé.

Cet article est également l’occasion d’insister sur un élément très important. Les Geisha ne sont en aucune manière des prostituées. Elles sont souvent confondues à tort avec les Oiran (花魁), les courtisanes de haut rang célèbres durant la période Edo. Cette confusion se rencontre encore très souvent dans la littérature ou l’image du XXe siècle, comme le prouve l’exemple ci-dessous.

Carte postale ancienne. Oiran, XXe siècle

La parcours d’une Geisha est strict et éprouvant. Pour devenir une maiko, la candidate doit quitter la maison familiale et s’installer dans l’Okiya où commence la préparation, Shikomi (仕込み) pendant un an. Durant cette période, elle doit obéir aux règles établies par l’Okiya, s’initier à la danse et apprendre le dialecte de Kyoto. Après cette période, elle devient une minarai (見習い) et durant cette phase d’environ un mois, elle assiste aux soirées avec ses ainées qu’elle observe et étudie. Vient ensuite le moment où elle devient une maiko et se lie officiellement à l’une de ses ainées qui l’accompagnera dans ce monde hors du commun.

Maiko Kikusana

Source: Paul van der Veer

Bien plus qu’une exposition, chaque photo dévoile sa part du quotidien d’un univers mystérieux qui suscite la fascination.

Mais sans entrer dans l’idéalisation, Paul Van der Veer capte la vie qui suit son cours dans les murs de l’Okiya Hanafusa et il nous la transmet telle qu’elle est, c’est-à-dire vivante, humaine. Tout au long de notre visite, nous avons ressenti la passion avec laquelle il a travaillé et cette passion transparaît également dans chacun de ses clichés.

Maiko Kikusana

Source: Paul van der Veer

Cet article touche à sa fin et pourrait encore faire couler beaucoup d’encre tant le contenu de cette visite était riche et intéressant mais nous vous invitons à découvrir par vous-même le Centre Céramique et cette exposition de photos.

Et bonne nouvelle, l’exposition a été prolongée jusqu’au 26 juin alors n’attendez plus. Toutes les informations se trouvent en fin d’article.

Nous tenons à remercier Monsieur Dijkman ainsi que Monsieur Paul van der Veer qui nous ont accompagnés lors de cette visite et sans lesquels cet article n’aurait pu voir le jour. Ils nous ont transmis des savoirs, des expériences d’une grande richesse que nous espérons, à notre tour, vous avoir transmis.

N’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous pour de plus amples informations :