Itchiku Tsujigahana: de l’ombre à la lumière

« Tissus de Lumière. Itchiku Tsujigahana », tel est le titre du livre qui attira mon regard alors qu’il trônait sur l’une des nombreuses étagères d’une ancienne librairie de la ville de Namur… Tel un trésor, je le parcourus lentement et bien vite, la curiosité fit place à l’émerveillement car se dévoilait sous mes yeux un monde insoupçonné, raffiné, coloré qui me submergea totalement…  Ainsi, point de départ de cette fabuleuse découverte, cet ouvrage au titre bien mystérieux cache l’histoire d’un homme élevé au rang de Maitre et d’un procédé au nom obscur mais dont la rencontre permit à ce dernier de sortir de l’ombre et de rayonner jusqu’en Europe…

Commençons ce voyage par le Maitre, Kubota Itchiku (久保田一竹, 1917-2003). Son parcours artistique commença très tôt, en 1931, par l’étude des procédés Yûzen (友禅) et Rôkechi (﨟纈) auprès du Maitre Kobayashi Kiyoshi (小林清師). Ces deux techniques de teinture possèdent une filiation directe. En effet, la première est caractérisée par la réalisation de réserves en pâte sur les motifs décoratifs afin de protéger ceux-ci durant l’immersion dans les bains de teinture et ainsi nommée par celui qui la modernisa en 1700, le peintre d’éventail de Kyôto, Miyazaki Yûzen (宮崎友禅, actif entre 1684 et 1703). La seconde est plus ancienne, son emploi remontant à l’époque de Nara et constitue aussi une technique de réserve, à la cire.

Ensuite, en 1934, il enrichit son savoir artistique par l’étude de la peinture figurative sous les enseignements de Ohashi Gekko (大橋月皎). Puis, en 1936, il entama l’étude de la peinture de paysage, sansuiga (山水画) et suibokuga (水墨画), sous la direction de Kitagawa Shunko (北川春耕). Bien qu’à la fin du XVIIIe siècle, la peinture japonaise de paysage sansuiga subit l’influence du réalisme occidental,  ce courant se caractérise traditionnellement par la représentation d’une nature idéalisée en recourant principalement aux formes des montagnes, des nuages, des cours d’eau etc. Il en va de même pour la peinture suibokuga dans laquelle les paysages sont réalisés à l’encre de Chine en jouant sur les dégradés pour apporter ombre et lumière à la composition.

À la lueur des premières étapes de son formidable parcours, je ne peux m’empêcher de penser à d’autres grands noms de l’art japonais comme Ogata Kôrin (尾形光琳, 1658-1716), Shibata Zeshin (柴田 是真, 1807-1891)… Le premier donna naissance à l’école de peinture Rinpa et fut l’auteur de laques d’une qualité exceptionnelle. Le second, personnalité aux multiples talents, marqua le XIXe siècle dans différents domaines. Je ne suis pas historien de l’art ni un expert mais je pense qu’il est possible de leur dégager un point commun, leur étude de la peinture qui imprima sa marque dans leur œuvre. En effet, Louis Gonse (1846-1921), dans son ouvrage intitulé « L’art japonais » qualifiait les arts décoratifs en ces termes : « Tout artiste est d’abord peintre avant d’être ciseleur, laqueur ou céramiste ». Il poursuit en ajoutant : « La qualité d’artistes entrainait au Japon une sorte d’universalité d’aptitudes que l’on ne rencontre chez nous qu’à l’état d’exception ». Tels furent les mots que l’auteur écrivit en 1883 mais qui, je le pense, font encore écho aujourd’hui au regard du parcours de Kubota Itchiku.

Sa rencontre avec le procédé Tsujigahana eut lieu en 1937 au Musée National de Tokyo. Là, dans une vitrine, il découvrit un fragment de tissu dont l’éclat exerça sur lui une véritable et totale fascination. La magie opéra et occupa son esprit pendant plusieurs années, de son service militaire en 1938, en passant par sa mobilisation en 1944 et jusqu’à la fin de sa détention en Sibérie en 1948, après la Seconde Guerre mondiale.

À son retour au Japon et pendant près de vingt ans, il se consacra à faire revivre ce procédé oublié. Toutefois, le but qu’il poursuivit ne fut pas la réintroduction de la technique originelle mais bien la renaissance de la beauté de celle-ci par le biais des techniques de teintures modernes, ce qui donna naissance à l’Itchiku Tsujigahana. Véritable hommage à ce savoir-faire perdu dans le temps, le Maitre allia tradition et modernité.

Poursuivons notre voyage et découvrons le Tsujigahana (辻が花) originel qui se développa aux XVe et XVIe siècle avant de disparaître au début de la période Edo (1615-1868) au profit du procédé Yûzen. Entouré d’un véritable halo de mystère, l’origine même du nom est incertaine. L’auteure Helen Benton Minnich, dans son livre « Japanese Costume and the Makers of Its Elegant Tradition » et paru en 1963, nous livre deux hypothèses principales. La première renverrait à un motif de fleurs entrecroisées qui trouve sa signification dans les kanji « 辻 », croisement et « 花 », fleur. La seconde serait à mettre en relation avec le terme de « Tsutsujigahana » (つつじが花) et ferait référence à des objets teints en couleur rouge, semblable à la couleur des azalées.

D’un point de vue technique, celle-ci se base sur la teinture de type tiedye qui consiste à nouer des portions de tissu à l’aide de ficelles avant de les immerger dans le bain de teinture. Les portions nouées sont ainsi protégées des colorants, ce qui permet de créer des jeux de nuances dans les motifs décoratifs. Toutefois, le Tsujigahana poussa ce procédé au summum de son aboutissement esthétique de par l’ajout de techniques annexes pour apporter davantage de nuances, de détails, de rendu comme l’emploi de feuilles d’or, d’argent, l’ajout de broderies, de dessins à l’encre.

Revenons maintenant à la création du Maitre, l’Itchiku Tsujigahana. Il existe différentes méthodes de fabrication et celle qui suit est un bref résumé des différentes étapes expliquées dans le livre qui servit d’introduction à cet article.

Le point de départ est la préparation du kimono en soie sur-lequel un motif de fond est réalisé. Ensuite, différentes parties du tissu sont rassemblées et nouées à l’aide de fils de manière à former de petites bosses. L’étape suivante peut varier en fonction du but esthétique recherché mais des couleurs sont posées sur ces petites excroissances avant d’être elles-mêmes recouvertes de fils qui protégeront la couleur du bain de teinture. Après ce bain, le kimono est alors passé à la vapeur, ce qui a pour effet de stabiliser la couleur. S’ensuit alors une succession de rinçages suivis de périodes de séchage. Le but de cette succession d’opérations est double. Premièrement, dégorger la soie va lui permettre d’absorber d’autres couleurs car du fait de ses caractéristiques, elle ne peut absorber qu’une certaine quantité de teinture. Pour la confection d’un Itchiku Tsujigahana, la soie est rincée environ quinze fois. Toutefois, pour obtenir les effets désirés, la couleur est appliquée trente fois, ce qui signifie que la matière est rincée près de quatre cent fois. Vous l’aurez compris, la réalisation d’un tel kimono demande beaucoup de temps. Deuxièmement, le séchage par étirement va empêcher à la soie de rétrécir. Enfin, le fil est retiré avec précaution pour éviter d’abimer la matière et des finitions sont apportées avec de la broderie, de la dorure par exemple.

Il en résulte des pièces d’une beauté saisissante et déroutante, transformant le kimono en véritable tableau de maitre dans-lequel les aspects de la nature se dévoilent sous nos yeux dans une véritable poésie de couleurs. Admirer l’un de ces kimono, c’est plonger au cœur de l’esthétique japonaise, ressentir le lien étroit qui subsiste entre la nature, sa beauté et la société japonaise. Le Maitre quitta ce monde en 2003 et il ne put mener à son terme ce qui semble être le plus grand projet de sa vie, la « Symphonie de lumière ». Il me serait facile de vous exposer son dessein mais immergez-vous dans le monde d’Itchiku Tsujigahana, imaginez les différents aspects de la nature comme un tout indissociable car lorsque vous regardez un paysage, il est impossible d’avoir une vue d’ensemble de tout ce qui se déroule sous vos yeux… Posez votre regard sur la photo ci-dessous et vous comprendrez…

Notre voyage touche bientôt à sa fin mais l’Itchiku Tsujigahana, lui, voyagea dans le monde entier par le biais de multiples expositions qui permirent au monde occidental de découvrir cet art hors du commun. Ainsi, notre beau pays accueillit à plusieurs reprises cette collection. Tout d’abord, en 1985, une première exposition se déroula à Bruxelles au magasin INNO. Puis, en 1989, dans le cadre de l’exposition internationale Europalia. Enfin, plus récemment, celle-ci fut visible en 2016 au Musée de la Mode d’Anvers.

Cette aventure fut jalonnée de réussites et de difficultés et bien que l’œuvre du Maitre faillit sombrer à son tour, Monsieur Patokh Chodiev acquit la collection en 2010 et sauva le musée Kubota dans un souci de préservation et de promotion de cet art unique et de la culture japonaise. Aujourd’hui, le musée d’art Itchiku Kubota, situé près du lac Kawaguchi dans la préfecture de Yamanashi continue d’ouvrir ses portes aux visiteurs et permet à tout un chacun d’entrer dans l’univers d’Itchiku Tsujigahana.

Je tiens à remercier Monsieur Mudretsov Victor, membre de la Fondation Internationale Chodiev, pour l’ensemble des photographies qui illustrent le présent article ainsi que pour le temps qu’il m’a accordé.

Auteur : Sébastien Bourgeois

Vous retrouverez plus d’informations sur la collection et la Fondation Chodiev en consultant les liens ci-dessous.

Crédits des photos: The Kubota Collection

A propos de l'auteur

Sébastien Bourgeois
Sébastien Bourgeois

Antiquaire de formation, je souhaite partager mes connaissances, découvertes sur l’art japonais et surtout faire de cette passion une véritable aventure.

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