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Artisanat, Culture, Découvertes, Voyage

The charm of Uchiko

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When Ayaka Sakamoto, a tour guide and friend, told me about the city of Uchiko (内子), I regretfully noticed that this name was totally unknown to me but very quickly, my ignorance gave way to an overflowing curiosity !

Last April, the opportunity arose to go and discover this small town in Ehime prefecture and located about 40 kilometers from Matsuyama. So we took the road… As we progressed, the landscape revealed all its beauty and gave place to magnificent forests, mountains and rivers.

We stopped at the local market of Uchiko « Karari Farmers Markets », the occasion to discover the regional handicrafts: cold cuts, rice, alcohols, products made with jabara, a Japanese lemon… But also to enjoy the charm of this place bordered by the Odagawa river.

Then we continued our way to our destination…

Very quickly, I was seduced by Yôkaichi, the historical heart of Uchiko, its quietness and its buildings dating from the Meiji period. We discovered with pleasure small restaurants, local shops offering refreshments, handicrafts but also sublime witnesses of the past.

Indeed, in the 19th century, Uchiko knew a great period of prosperity thanks to the trade of vegetable wax whose high quality allowed it to spread far beyond the borders of Japan. Even today, many buildings testify to the economic boom of the city at that time.

But before going to meet these silent witnesses, we stopped at the shop-workshop « Ômori Warôsoku » (大森和蝋燭) specialized in making natural wax candles since the Edo period.

When we walked through the door, a sweet smell of wax filled the air and I was immediately seduced by the atmosphere of this place. Our eyes then fell on the craftsmen busy working on the making of other candles with a very impressive speed of execution. These candles, unlike industrial candles, do not emit smoke and do not leak.

If you are interested in traditional craftsmanship, stop by and enjoy this place steeped in the transmission of a wonderful heritage.

Let’s go back to the places that were once dedicated to the wax trade. This is the case of the Honhaga residence, former residence of a rich merchant and built at the time when the production reached its highest development, both in terms of quality and technicality. This building shines by the richness of its exterior decoration and constitutes a fabulous witness of the architecture of the time.

Another emblematic building of the district is without a doubt the Kamihaga residence. Open to visitors, the main building was built in 1894 and is classified as an Important Cultural Property of Japan since 1990.

Once you enter, it’s like stepping back in time and immersing yourself in the life of the rich merchants of the time. The rooms follow one another revealing all the charm of this place.

By the way, you may have noticed a similarity between the names Honhaga and Kamihaga. Indeed, the latter is a lineage of the Honhaga family which was the main branch of the Haga family. In fact, I couldn’t help but notice the family’s coat of arms (Kamon – 家紋) depicting an Oxalis flower (Katabami – カタバミ) and visible in multiple places in these two residences. If you are passing by, keep your eyes open 😉

During our visit, I quickly understood that this place was much more than the old residence of a wax trader because we discovered several annex buildings dedicated to the whole manufacturing process of the vegetable wax.

But what is Japanese vegetable wax? In its tourist brochure, the Uchiko tourist office offers a very clear explanation of the process and here it is: « Japanese wax is made from the berries of the sumac tree. The berries are crushed into a fine powder, steamed, and then the wax is extracted and hardened. This is called raw wax (kirô). The Haga family bleaches the wax with their own original bleaching technique to obtain high quality white wax (hakurô). Raw wax and white wax are generally referred to as Japanese wax (mokuro).

Historically, wax production started in the 19th century until the end of the Taisho period (1912-1926). Due to the technical progress and development of electricity, the demand for wax production decreased and the end of this craft came in 1924 when the last wax merchant in Uchiko closed down. Today, the Kamihaga residence is the only place in Uchiko where handmade wax is still produced.

If you want to learn more, I can only recommend you to visit the Japanese Wax Museum housed in one of the annexes of the Kamihaga residence. It is a very interesting space that will allow you to make the link between the tools and equipment present outside and the manufacturing process.

The time passed quickly and it was time to regain our strength. Although there are many restaurants, we chose the soba restaurant « Shimohagatei » (下芳我邸) established in a 140 years old building and in which the owners have recreated as faithfully as possible the atmosphere of the time, whether in the choice of the furniture or the dishes. The meal was excellent and once again, we were able to soak up the atmosphere of this timeless restaurant.

Although there are many very interesting buildings, I will stop for a moment on one last remarkable construction, the Uchiko Theater or Uchikoza (内子座) built in 1916 in honor of Emperor Taishô’s accession to the throne. Built on two levels in the purest Japanese style, I was surprised to find a revolving stage which it is possible to visit the lower part. Named « Naraku » meaning « Hell », I let you imagine why. When we came out, we could boast that we had been to hell and back !

But our adventure did not stop there because Uchiko still conceals other wonders… Thus, thanks to the presence of the Odagawa River, Uchiko was able to start the production of a material of great finesse, the Washi paper (和紙). This tradition born in Uchiko nearly 350 years ago has endured for several generations and is a real treasure that should be preserved.

Our steps led us to the heart of the Ikazaki Paper Factory where we were able to meet the paper maker Chiba-san who explained the basics of the manufacturing process. The paper made is mainly based on the use of Kôzo (楮), paper mulberry tree and Mitsumata (三椏). The former is characterized by long fibers, which increases its strength. Kôzo was also used to make the « Hyakumantō Darani » (One Million Pagodas and Darani Prayers) around 770, the oldest printed text in Japan! In contrast, the fibers of the latter are shorter but allow for the production of a superior paper marked by a smooth, glossy surface.

Source: Ayaka Sakamoto

After harvesting, a long treatment process follows which will allow the finished product to reveal all its beauty. The plant material is first steamed and washed with water to extract the fibers. Then, these are shredded to make a pulp that will then be mixed with Neri (ネリ), a substance containing starch and used as a dispersant in a kind of vat, the Suki-bune (漉き舟). The craftsman then takes a bamboo sieve, Suketa (簀桁) which he dips into the vat. With a repeated rocking motion, the material settles on the sieve and the excess water is drained off. The sheets are then stacked, dried naturally and pressed with the aim of reducing the volume of water contained in the paper and removing the roughness. Finally, the sheets are placed one by one on a metal dryer.

From the place of observer, we quickly moved to that of actor because we had the opportunity to make our own sheet of paper without the first step of drying and pressing. The result was a « raw » but authentic paper, sublimated by its defects.

Being particularly admiring of the craft, this experience allowed me to feel, for a moment, all the quality of this know-how and to measure its difficulty. Indeed, when we look at a video or photos, we see a craftsman who has been practicing for years and for whom each gesture has been rehearsed many times. When I took the Suketa in my hands and plunged it into the water, I felt its weight. My movements were uncoordinated, but I felt the full value of this moment and this encounter.

Once our sheet was ready for use, we participated in a second workshop to make our creation into the cover of a notebook bound using a Japanese technique, the Fukurotoji (袋綴) pocket binding.

But what are the characteristics of this type of binding? First of all, the sheets of paper are folded and stacked on top of each other before placing the cover and sewing the whole thing together.  But the special feature is the folded edges of the sheets that make up the notebook. As you can see in the photo below, the fold is on the outer part of the booklet. Thus, it is the free part of the paper which is sewn and when one observes this last one, it appears in the shape of a tube. Thus, in my hands, I held a fabulous souvenir impregnated with the magic of this day and which will accompany me during my next trip…

Our trip to Uchiko will soon come to an end but we ended this day by passing by the store located opposite the workshop.

Source: Ayaka Sakamoto

For stationery lovers, this is a must stop to appreciate all the diversity of papers produced in Uchiko and to stop at the beautiful examples of gilding on paper, a technique developed by Hiroyuki Saito (齋藤宏之) who followed the teachings of Gabor Ulveczki, a painter of Hungarian origin and settled in Paris since 1983.  The latter opened his own art studio which led to the creation of the ULGADOR brand, a French company specialized in the manufacture of wallpapers, wall panels, etc. From 2008 to 2009, he spent two years in Uchiko as part of a project to modernize the tradition of Washi paper.

Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto

And if you’re feeling adventurous, stop off at the origami dispenser! This atypical machine will allow you to take home an original souvenir, the weight of which will have no impact on the limits imposed by airlines.

Source: Ayaka Sakamoto

Uchiko has yet to reveal all its secrets, however, and although I didn’t have the opportunity to visit it, this small town is home to a museum dedicated to kites, allowing everyone to marvel at the diversity of these objects twirling in the four winds, as well as to deepen their knowledge of the region’s history.

Source: Ayaka Sakamoto

What’s more, you’ll be able to take part in an experience that will unveil the making of the charcoal used in the tea ceremony. Located in the Ishidamami district, to the east of Uchiko, the workshop produces charcoal that looks like a chrysanthemum flower !

If you’d like to find out more, take a look at the Uchiko Tourist Office’s « Uchikogenic » website, which offers an immersion course in English, with links at the end of this article.

Thus ends this wonderful human adventure made of meetings and teachings. From the beginning to the end, this day was a succession of magnificent surprises so if you plan to travel to Shikoku, go to Uchiko, soak up its atmosphere and let yourself be charmed by its richness!

I would like to thank Ayaka Sakamoto for the organization of this day, the energy and the time she devoted to this project and without whom I would not have been able to write this article. I would also like to thank Michiko Miyoshi from the Uchiko Tourism Office for her hospitality and for allowing me to carry out this project, without forgetting Chiba-san and Aoyama-san who guided us in the two workshops we attended.

For more information, please check the links below:

Ayaka Sakamoto :

Uchiko Tourist Office :

内子町観光協会【公式】 (@visit_uchiko) • Photos et vidéos Instagram

                    一般社団法人内子町観光協会 | Kita-gun Ehime | Facebook

Ikazaki :

Omori Warosoku Store and workshop :

« Shimohagatei » Soba Restaurant :

Artisanat, Culture, Découvertes, Voyage

Le charme d’Uchiko

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Lorsqu’Ayaka Sakamoto, guide touristique et amie, me parla de la ville d’Uchiko (内子), je constatai avec regret que ce nom m’était totalement inconnu mais très vite, mon ignorance fit place à une curiosité débordante !

En avril dernier, l’occasion se présenta de partir à la découverte de cette petite ville de la préfecture d’Ehime et située à une quarantaine de kilomètres de Matsuyama. C’est ainsi que nous prîmes la route… Au fur et à mesure de notre progression,  le paysage révéla toute sa beauté et fit place à de magnifiques forêts, montagnes et cours d’eau.

Nous nous arrêtâmes au marché local d’Uchiko « Karari Farmers Markets », l’occasion de découvrir les productions artisanales régionales : charcuterie, riz, alcools, produits fabriqués à base de jabara, un citron japonais … Mais aussi de profiter du charme de cet endroit bordé par la rivière Odagawa.

Nous continuâmes ensuite notre chemin jusqu’à notre destination…

Très vite, je fus séduit par Yôkaichi, le cœur historique d’Uchiko, sa tranquillité et ses constructions datant de l’époque Meiji. On y découvre avec plaisir de petits restaurants, des commerces locaux proposant rafraichissements, créations artisanales mais également de sublimes témoins du passé.

En effet, au XIXe siècle, Uchiko connut une grande période de prospérité grâce au commerce de la cire végétale dont la haute qualité permit à celui-ci de s’étendre bien au-delà des frontières du Japon. Aujourd’hui encore, de nombreux bâtiments témoignent de l’essor économique de la ville à l’époque.

Mais avant de partir à la rencontre des ces témoins silencieux, nous nous arrêtâmes au commerce-atelier « Ômori Warôsoku » (大森和蝋燭) spécialisé dans la fabrication de bougies en cire naturelle depuis la période Edo.

Lorsque nous franchîmes la porte, une douce odeur de cire embaumait l’air et je fus immédiatement séduit par l’atmosphère de ce lieu. Nos regards se posèrent alors sur les artisans occupés à œuvrer pour la fabrication d’autres bougies avec une rapidité d’exécution très impressionnante. Ces dernières, contrairement aux bougies industrielles, n’émettent pas de fumée et ne coulent pas.

Si vous vous intéressez à l’artisanat traditionnel, arrêtez-vous et profitez de cet endroit imprégné par la transmission d’un formidable héritage.

Revenons-en maintenant aux lieux jadis dédié au commerce de la cire. C’est notamment le cas de la résidence Honhaga, ancienne demeure d’un riche marchand et construite au moment où la production atteignit son plus haut développement, tant en terme de qualité que de technicité. Ce bâtiment brille par la richesse de sa décoration extérieure et constitue un fabuleux témoin de l’architecture de l’époque.

Un autre édifice emblématique du quartier est sans aucun doute la résidence Kamihaga. Ouverte aux visiteurs, le bâtiment principal a été construit en 1894 et est classé comme Bien Culturel Important du Japon depuis 1990.

Passée l’entrée, c’est un véritable retour dans le passé qui vous immerge dans la vie des riches marchands de l’époque. Les pièces se succèdent dévoilant tout le charme de cet endroit.

D’ailleurs, vous aurez probablement remarqué une similitude entre les noms Honhaga et Kamihaga. En effet, cette dernière est une lignée de la famille Honhaga qui constituait la branche principale de la famille Haga. Je n’ai d’ailleurs pas pu m’empêcher de remarquer le blason (Kamon – 家紋) de la famille représentant une fleur d’Oxalis (Katabami – カタバミ) et visible à de multiples endroits dans ces deux résidences. Si vous passez par-là, ouvrez l’œil 😉

Au fil de notre visite, je compris rapidement que ce lieu était bien plus que l’ancienne demeure d’un négociant de cire car nous découvrîmes plusieurs bâtiments annexes dédiés à tout le processus de fabrication de la cire végétale.

Mais qu’est-ce que la cire végétale japonaise ? Dans sa brochure touristique, l’office du tourisme d’Uchiko offre une explication très claire du processus et que voici : « La cire japonaise est fabriquée à partir des baies du sumac. Les baies sont écrasées en une fine poudre, étuvées, puis la cire est extraite et durcie. C’est ce qu’on appelle la cire brute (kirô). La famille Haga blanchit la cire avec sa propre technique de blanchiment originale pour obtenir une cire blanche de haute qualité (hakurô). La cire brute et la cire blanche sont généralement appelées cire japonaise (mokurô) ».

Historiquement, la production de cire a débuté dans le courant du XIXe siècle jusqu’à la fin de la période Taishô (1912-1926). En raison des progrès techniques et du développement de l’électricité, la demande diminua et sonna le glas de cet artisanat en 1924 lorsque le dernier commerçant de cire d’Uchiko fermit ses portes. Aujourd’hui, la résidence Kamihaga constitue le seul endroit d’Uchiko où est encore produite de la cire artisanale.

Si vous souhaitez en apprendre davantage, je ne peux que vous recommander de visiter le Musée de la cire japonaise abrité dans l’une des annexes de la résidence Kamihaga. Un espace très intéressant qui vous permettra de faire le lien entre les outils et équipements présents à l’extérieur et le processus de fabrication.

Le temps s’écoula rapidement et il fut l’heure de reprendre des forces. Bien qu’il existe de nombreux restaurants, notre choix se porta sur le restaurant de soba « Shimohagatei »(下芳我邸) établi dans un bâtiment vieux de 140 ans et dans-lequel les propriétaires ont recréé le plus fidèlement possible l’ambiance de l’époque, que ce soit dans le choix du mobilier ou des pièces de vaisselles. Le repas fut excellent et une fois encore, nous pûmes nous imprégner de l’ambiance de ce restaurant un peu hors du temps.

Bien qu’il existe de nombreux bâtiments très intéressants, je m’arrêterai un moment sur une dernière construction remarquable, le théâtre d’Uchiko ou Uchikoza (内子座) construit en 1916 en l’honneur de l’accession au trône de l’empereur Taishô. Construit sur deux niveaux dans le plus pur style japonais, j’ai été surpris de retrouver une scène tournante dont il est possible de visiter la partie inférieure. Nommée « Naraku » signifiant « Enfer », je vous laisse imaginer pourquoi. À notre sortie, nous pûmes nous vanter d’être allé en enfer et d’en être revenu !

Mais notre aventure ne s’arrêta pas là car Uchiko recèle encore d’autres merveilles… Ainsi, grâce à la présence de la rivière Odagawa, Uchiko pu se lancer dans la production d’une matière d’une grande finesse, le papier Washi (和紙). Cette tradition née à Uchiko il y a près de 350 ans perdure depuis plusieurs générations et constitue un véritable trésor qu’il convient de préserver.

Nos pas nous menèrent au cœur de la fabrique de papier Ikazaki où nous pûmes rencontrer l’artisan papetier Chiba-san qui nous expliqua les bases du processus de fabrication. Le papier fabriqué repose principalement sur l’utilisation du Kôzo (楮), mûrier à papier et du Mitsumata (三椏). Le premier est caractérisé par de longues fibres, ce qui en accroit la résistance. C’est également à base de Kôzo qu’a été réalisé le « Hyakumantō Darani » (Un million de pagodes et de prières Darani) vers 770, le plus ancien texte imprimé du Japon ! À l’inverse, les fibres du second sont plus courtes mais permettent la confection d’un papier supérieur marqué par une surface lisse et brillante.

Source: Ayaka Sakamoto

Après la récolte s’ensuit un long processus de traitement qui permettra au produit fini de révéler toute sa beauté. Les matières végétales sont d’abord étuvées et lavées à l’eau pour en extraire les fibres. Ensuite, celles-ci sont déchiquetées afin d’en faire une pulpe qui sera ensuite mélangée à du Neri (ネリ), une substance contenant de l’amidon et utilisée comme dispersant dans une sorte de cuve, le Suki-bune (漉き舟). L’artisan se munit alors d’un tamis en bambou, Suketa (簀桁) qu’il plonge dans la cuve. Avec un mouvement répété de balancier, la matière se fixe sur le tamis et l’excédent d’eau est évacué. Les feuilles sont alors empilées, séchées naturellement et pressées dans le but de réduire le volume d’eau contenu dans le papier et d’en supprimer les aspérités. Enfin, ces dernières sont placées une à une sur un séchoir métallique.

De la place d’observateur, nous passâmes rapidement à celle d’acteur car nous eûmes l’opportunité de fabriquer notre propre feuille de papier sans la première étape de séchage et le pressage. Il en résulta un papier « brut » mais authentique, sublimé par ses défauts.

Étant particulièrement admiratif de l’artisanat, cette expérience me permit de ressentir, l’espace d’un moment, toute la qualité de ce savoir-faire et d’en mesurer la difficulté. En effet, lorsque nous regardons une vidéo ou des photo, nous voyons un artisan versé dans sa pratique depuis des années et pour-lequel chaque geste a été maintes fois répété. Lorsque je pris le Suketa dans les mains et le plongeai dans l’eau, j’en ressentis le poids. Mes gestes manquèrent de coordination mais je ressentis pleinement la valeur de ce moment et de cette rencontre.

Une fois notre feuille prête à l’emploi, nous participâmes à un second atelier visant à faire de notre création la couverture d’un carnet relié au moyen d’une technique japonaise, la reliure à poche Fukurotoji (袋綴).

Mais quelles sont les caractéristiques de ce type de reliure ? Tout d’abord, les feuilles de papier sont pliées et empilées les unes sur les autres avant de placer la couverture et de coudre l’ensemble.  Mais la particularité se trouve au niveau des bords du pli des feuilles constituant le carnet. Comme vous pouvez le voir sur la photo ci-dessous, le pli se trouve sur la partie externe du livret. Ainsi, c’est la partie libre du papier qui est cousue et lorsque que l’on observe ce dernier, il se présente sous la forme d’un tube. C’est ainsi qu’entre les mains, je tins un fabuleux souvenir imprégné de la magie de cette journée et qui m’accompagnera lors de mon prochain voyage…

Notre voyage à Uchiko touche bientôt à sa fin mais nous terminâmes cette journée en passant par la boutique située en face de l’atelier.

Source: Ayaka Sakamoto

Pour les amateurs de papeterie, c’est un arrêt obligatoire qui vous permettra d’apprécier toute la diversité des papiers produits à Uchiko et de vous arrêter sur les magnifiques exemples de dorure sur papier, une technique développée par Hiroyuki Saito (齋藤宏之) qui suivit les enseignements de Gabor Ulveczki, artiste peintre d’origine hongroise et installé à Paris depuis 1983.  Ce dernier ouvrit son propre atelier d’arts plastiques qui aboutira à la création de la marque ULGADOR, une entreprise française spécialisée dans la fabrication de papier-peints, panneaux muraux, etc. De 2008 à 2009, il séjourna deux ans à Uchiko dans le cadre d’un projet visant à moderniser la tradition du papier Washi.

Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto
Source: Ayaka Sakamoto

Et si d’aventure vous souhaitez déambuler dans les rues, faites un arrêt au distributeur d’origami ! Une machine atypique qui vous permettra d’emporter un souvenir original dont le poids n’impactera nullement la limite imposée par les compagnies aériennes.

Source: Ayaka Sakamoto

Uchiko n’a toutefois pas encore livrée tous ses secrets et bien que je n’eus pas l’occasion de le visiter, cette petite ville abrite un musée dédié aux cerfs-volants permettant à tout un chacun de s’émerveiller devant la diversité de ces objets virevoltant aux quatre vents mais aussi d’approfondir ses connaissances sur l’histoire de la région.

Source: Ayaka Sakamoto

En outre, il vous sera possible de participer à une expérience qui lèvera le voile sur la fabrication du charbon de bois utilisé dans la cérémonie du thé. Situé dans le quartier d’Ishidamami, à l’Est d’Uchiko, l’atelier fabrique  du charbon de bois ayant la particularité d’évoquer la fleur de chrysanthème !

Si vous souhaitez en savoir plus, je vous invite à consulter le site Internet d’Ayaka Sakamoto qui a développé son entreprise sous le nom d’ « Une Tokyoite » et dont vous trouverez les liens en fin d’article.

Ainsi s’achève cette formidable aventure humaine faite de rencontres et d’enseignements. Du début à la fin, cette journée fut une succession de magnifiques surprises alors si vous projetez de voyager à Shikoku, rendez-vous à Uchiko, imprégnez-vous de son atmosphère et laissez-vous charmer par sa richesse !

Je tiens à remercier Ayaka Sakamoto pour l’organisation de cette journée, l’énergie et le temps qu’elle a consacré à ce projet et sans laquelle je n’aurais pu écrire cet article. Je remercie également chaleureusement Michiko Miyoshi de l’Office du tourisme d’Uchiko pour son accueil et qui m’a permis de mener à bien ce projet, sans oublier Chiba-san et Aoyama-san qui nous ont guidé dans les deux ateliers auxquels nous avons participé.

Pour en savoir plus, n’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous :

Ayaka Sakamoto :

Office du Tourisme d’Uchiko :

内子町観光協会【公式】 (@visit_uchiko) • Photos et vidéos Instagram

一般社団法人内子町観光協会 | Kita-gun Ehime | Facebook

YouTube : 内子町観光協会_Uchiko Tourism Association – YouTube

Ikazaki :

Commerce-atelier Omori Warosoku :

Restaurant de Soba « Shimohagatei » :

Artisanat, Culture, Découvertes

Découverte de l’atelier de couture de Sakura Fabric – deco, origami and sewing

Un commentaire

Présentation générale

J’ai eu le plaisir de visiter l’atelier de couture de Sakura Fabric – deco, origami and sewing tenu par Vanessa Maira, graphiste de formation.

Outre son activité, elle possède différents loisirs sur le côté : kendo depuis 15 ans, iaido depuis 3 ans et évidemment, c’est une passionnée du Japon : manga, culture, voyage, etc.  Imprégnée de cette culture, c’est en voyant les tissus japonais qu’elle eut envie de se lancer dans la couture en tant que loisir.

Comment a-t-elle appris la couture ?

Depuis toute petite, elle a baigné dans le monde de la couture : sa maman était couturière et travaillait dans les ateliers. Elle venait de temps en temps la chercher au travail le mercredi avec son papa et restait parfois dans l’atelier afin de regarder les autres travailler. Cette ambiance lui a vraiment plu et lui a laissé quantité de souvenirs positifs.

À côté, il y avait sa marraine qui avait son propre atelier de couture et avec qui elle a passé beaucoup de temps. Sa marraine a par la suite arrêté la couture pour travailler avec son mari mais elle a continué la couture en tant que hobby. C’est elle qui lui a beaucoup enseigné, notamment le début : comment rapiécer deux bouts de tissus, etc. avec une vielle machine à pédale avec laquelle Vanessa utilisait ses deux pieds quand elle était petite pour la faire fonctionner.

Quand Vanessa a vu les tissus Japonais, elle en a eu assez d’avoir des étuis à sabre standard où le tissu enveloppant le sabre avant de le mettre dans le sac dédié était « banal », « trop fin », « de mauvaise qualité », etc. Si l’on voulait avoir un bel étui ou avec un tissu plus épais, les prix montaient de manière affolante. Elle a alors décidé de créer les siens. D’abord avec des tissus style jacquard, elle a fait des tests « style japonisant » et voyait que cela passait bien. Quand les camarades des arts martiaux ont vu le résultat, ils ont vite demandé d’où ils venaient, où elle l’avait acheté etc. Vanessa leur a alors répondu que c’était elle qui les avait faits, c’est ainsi que l’aventure a démarré.

Comment son activité a débuté ?

L’aventure a donc commencé en fabriquant des étuis à shinai (sabre en bambou pour le kendo). Elle a testé des touts simples, puis a utilisé des tissus de plus en plus beaux et raffinés. Les clients ont poursuivi en lui demandant si elle faisait également des étuis à iaito (réplique de sabre en métal non tranchant pour la pratique du iaido). Elle a alors commencé par un modèle et voyant que cela fonctionnait, elle a continué avec ses produits. Elle réutilise les restes de tissus pour faire des pochettes et autres pièces de petites tailles. Elle essaye de réutiliser les chutes de tissus au maximum.

Elle a fait venir des tissus du Japon qui ont un certain prix, alors autant les utiliser au maximum. Les cotons japonais sont réputés pour être d’excellente qualité, ce n’est pas pour les jeter ! Plusieurs clients ont des tenugui (foulard multi fonction que l’on utilise dans la maison et sur la tête sous le casque – men – en kendo), qu’ils ont nettoyés plusieurs fois et les couleurs ne bougent pas. Vanessa est très contente de la qualité de ces tissus.

Pourquoi utiliser les kimonos d’arts martiaux ?

Au départ, Vanessa n’utilisait que des tissus qu’elle achetait et, en voyant un vieux kendo-gi (veste de kendo) qui était déchiré au niveau des épaules à cause du frottement des himo (cordes servant à faire tenir le plastron – do), elle s’est dit que ce serait dommage de le jeter à cause des épaules alors que les ¾ sont encore bons. Elle a donc essayé de le découper et de l’étaler pour voir la quantité de tissu disponible et a vu qu’il y avait moyen de le récupérer. Le premier truc qu’elle a fait est un sac qui se plie à l’image d’un sac de plage ou de course (style tote bag). Elle a également récupéré un ancien obi (ceinture de kimono) pour faire ce sac.

Pourquoi des créations en liens avec le Japon ?

Parce que Vanessa baigne dans la culture japonaise de par les arts martiaux qu’elle pratique, c’est sa source principale pour l’inspiration. Vu qu’elle utilise presque exclusivement des tissus japonais et/ou japonisants, elle voulait rester dans l’univers du Japon de par la qualité des tissus et les motifs utilisés. Ce sont de superbes tissus avec un choix énorme. Elle aime beaucoup les dessins ainsi que toutes les représentations que l’on peut voir dessus.

Quand elle coud un vieux obi, elle ne peut s’empêcher de penser à la personne qui l’a porté. Il y a toute une histoire derrière, tout comme pour les kendo-gi. Elle en reçoit de personnes plus ou moins connues dans le milieu du kendo et iaido. Quand on reçoit le kendo-gi ou hakama (pantalon large de kendo et iaido) d’un pratiquant avec une belle expérience et pratique, ce n’est pas rien ! Vanessa trouve que l’histoire de ces vêtements est fascinante et on ne peut que la rejoindre.

Pourquoi la récup’ ?

Vanessa trouve que l’on jette beaucoup, que nous sommes dans une société de consommation où il est facile d’acheter du neuf parce que ce n’est pas cher. C’est comme manger, elle déteste gaspiller de par son éducation. Nous avons la chance d’être dans des classes moyennes, d’avoir ce que l’on a et gaspiller n’est pas une option. Tant que nous avons des vêtements et des tissus, autant les garder et les réutiliser au maximum, les faire perdurer dans le temps à la place d’acheter du nouveau qui ne va pas peut-être pas durer aussi longtemps. C’est un peu de l’écologie mais c’est surtout un moyen de ne pas surconsommer.

Qu’est-ce qui l’inspire ?

Vous l’aurez compris, le Japon est fatalement sa source d’inspiration principale : les voyages qu’elle a y a faits, l’art en général (n’oublions pas qu’elle est graphiste), etc. Il y a également toutes les tendances asiatiques qui l’inspirent que ce soit pour la composition, les couleurs, la simplicité, la sobriété, etc. De ses propres dires, c’est comme le Scandinave qui est très épuré alors que le Japon est davantage dans la sobriété mais complexe. Les meilleurs exemples sont dans le vieux Kyôto, plus précisément dans le quartier de Gion où il y a de très vieilles boutiques avec que des artisans, ce qui l’inspire énormément.

Où trouve-t-elle les partons/modèles/tissus/Kimono ?

Pas de chance, en réalisant l’interview, j’espérais capter quelques sources pour les patrons et modèles mais Vanessa m’a confié n’en avoir aucun, elle les fait elle-même par essais-erreurs. Elle a un carnet où elle fait des croquis et reporte les mesures qu’elle doit utiliser pour les découpes des tissus et le prix général pour un client, toujours en fonction des tissus utilisés. Ainsi, elle connaît le métrage de tissus à utiliser et la charge de travail inhérente. Une fois la pièce créée, elle la soumet au client et à son mari pour consultation qui, pratiquant également les arts martiaux, peut donner des conseils sur la manière d’agencer les sacs, les pochettes (pour les tsuba par exemple- les gardes en plastique pour les shinai), les lanières, etc. afin d’améliorer ses créations et toujours répondre à une personnalisation des sacs selon chaque client, ses besoins et sa manière d’agencer/ranger son matériel.

Concernant les matériaux et les tissus, Vanessa trouve les obi au Japon. Il y a des magasins qui sont spécialisés dans les yukata et les kimono avec des seta (chaussures en paille). Souvent, dans le fond des boutiques, il y a un rayon de seconde main avec des obi. Il y a également des obi abimés à prix dérisoire alors qu’ils restent toujours aussi magnifiques. Par exemple, il y en avait un avec une brûlure de cigarette et un autre avec une tache. Les commerçants ne pouvaient par les vendre au prix habituel. Quand on pense qu’un véritable obi fait 6 à 8m, cela devient très intéressant. Sinon Vanessa trouve les autres tissus japonais et japonisants sur des sites spécialisés car il n’y a pas de boutique attitrée en Belgique. Pour les tissus plus génériques, comme du coton unis, elle trouve cela dans les merceries habituelles. Pour ce qui est des cuirs, elle a trouvé une astuce un peu récup’ également : un magasin qui fait des salons en cuir qui vend ses chutes de cuir à la caisse au kilo. Cela tombe bien pour Vanessa car elle n’a pas besoin de grand métrage. Cependant, c’est la surprise du chef concernant le contenu : si on prend une boîte colorée, on ne sait pas trop ce qu’il y aura dedans ou si on prend une boîte dans les tons noir ou brun, au saura alors plus ou moins ce que l’on aura. Cela permet pour le magasin de ne pas jeter les cuirs et pour Vanessa d’utiliser de beaux cuirs véritable et de qualité pour ses créations.

Où en est son projet ?

Le projet de Vanessa est toujours en amateur, pas en professionnel. Les clients peuvent voir ses créations et commander via sa page Facebook et sa page Instagram.

Comme c’est de la customisation, elle part du principe qu’il faut satisfaire le client. Les goûts et les couleurs, ça ne se discute pas. Comme elle est partie d’un sac à shinai qu’elle n’aimait pas, ce n’est pas elle qui vous jugera sur vos demandes de personnalisation ! Les clients choisissent tout : les tissus, les poches, leur position, la taille, etc. La clientèle de Vanessa est principalement composée de kendoka et iaidoka (pratiquants de kendo et d’iaido), en Belgique mais également à l’étranger.

Durant le confinement, elle a produit et vendu environs 300 masques faits à base de tissus japonais. Elle s’est adaptée durant cette période particulière. Vanessa propose parfois ses produits durant les séminaires, stages, championnats, etc., ce qui lui permet de tenir un stand et de faire la promotion de son artisanat.

Vanessa ne fait pas que de la couture mais également du tricot (snoods), des origamis, etc. Pour vous donner une idée, elle a fait un millier de grues en papier avec différentes couleurs pour la décoration des tables de son mariage. Un grand tonnerre d’applaudissements pour ses efforts et sa détermination !

Vanessa n’a pas d’objectif fixé concernant son projet car il a commencé pour le côté fun. Ses créations plaisent, elle a de plus en plus de retours positifs et elle commence à avoir de plus en plus de commandes. Cela lui fait plaisir de faire plaisir aux autres. Si les clients sont contents et satisfaits, elle continuera le temps qu’il faudra. Elle pense à se faire connaître davantage au niveau européen lors des évènements de kendo et de iaido et aller plus loin dans le concept de customisation, côté qui lui plaît le plus.

Elle a également développé une gamme pour animaux : collier, harnais, bandana, nœud papillon notamment en veste de kendo bleu indigo mais aussi avec des tissus japonais, parfait pour vos toutous !  Vanessa ne peut pas vivre pleinement de son projet mais s’il prend bien, peut-être que les choses changeront. Seul l’avenir nous le dira. Affaire et pages à suivre ! 

Vanessa peut compter sur le soutien de son mari pour améliorer les objets qu’elle crée et la gestion quotidienne ainsi que les conseils de sa mère et de sa marraine qui sont toutes deux couturières.

Quelles sont les difficultés qu’elle rencontre et a rencontrée ?

La principale difficulté rencontrée a été et est de se faire connaître. Au début, on se demande si cela va plaire au client, en particulier quand on n’est jamais assez satisfait de son travail. Elle voit toujours que l’on peut mieux faire. Elle n’est jamais satisfaite à 100% et cherche donc continuellement à s’améliorer.

La principale difficulté durant le covid est qu’elle commençait à avoir une notoriété dans le monde du kendo et tout s’est arrêté d’un coup, plus d’évènements, plus de kendo, plus rien pendant 2 ans et demi… Du coup, son activité a pris un coup et s’est recyclée, sans mauvais jeux de mots, dans la fabrication des masques. Elle a continué à faire sa promotion sur internet, à montrer qu’elle était toujours présente et montrer ses productions.

Quels conseils donnerait-elle à quelqu’un qui souhaite se lancer dans la couture ?

Si Vanessa devait donner un conseil pour quelqu’un qui souhaite se lancer dans la couture est la pratique. C’est comme le kendo, l’iaido et la vie en général : il faut se lancer, essayer, rater et réessayer encore jusqu’à satisfaction. Commencez par des choses faciles comme des tenugui, des furoshiki (emballage cadeau en coton de forme carrée), faites des ourlets, des petites pièces au début. Vous apprendrez en faisant des essais. Vous avez raté une pièce ? Ce n’est pas grave, recommencez autant de fois que nécessaire. C’est ainsi que se fait l’apprentissage. Prenez également des notes et répertoriez-les dans un carnet, avec les schémas, les cotes, les conseils etc. Une fois que vous êtes à l’aise, n’hésitez pas à sortir de votre zone de confort et innovez.

Une chose à ajouter ?

En parallèle de la couture, Vanessa se lance dans d’autres projets de décorations : origami, le dessin, la peinture tibétaine, etc. Elle est en recherche constante de nouveautés à explorer. Elle est à la recherche de quelque chose qui va plaire. La création est un besoin chez elle, sans quoi elle s’ennuie. C’est probablement dû à son métier de graphiste où il faut se creuser les méninges pour satisfaire le client. Partir d’une page blanche correspond à ce dont elle a besoin, tant dans son métier, que dans la couture et la vie de manière générale. La création nous oblige à nous surpasser mais ce n’est pas aussi stimulant que de « simplement » exécuter.

Un mot pour la fin ?

Pour clôturer cette interview, Vanessa m’a confié quelque chose de compliqué à appliquer : il faut croire en ses rêves et en ce que l’on fait. Même si pour certaines personnes c’est un peu plus dur que pour d’autres, il faut croire en soi et c’est valable pour tout car c’est cela qui nous aide à avancer.

Depuis qu’elle a passé son 4ème Dan en kendo, elle y arrive de plus en plus mais c’est un chemin long, compliqué et semé d’embuches. Si elle a obtenu le grade, malgré 7 tentatives auparavant (ce qui est tout à fait normal quand on arrive au 3ème, 4ème Dan et au-delà), elle se dit qu’elle peut avoir de plus en plus confiance en elle. Elle essaye, ce n’est pas toujours facile mais à force de persévérance, elle arrive à atteindre son but, que ce soit dans les arts martiaux, au travail, en couture et dans les autres domaines.

Voulez-vous en savoir plus ?

Vous pouvez aussi la contacter par mail à l’adresse suivante: info@sakurafabric.be

Crédit photo : Sakura Fabric par Vanessa Maira

Artisanat, Culture, Découvertes

The Setsugekka project: minimalist beauty

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Setsugekka (雪月花), a poetic name for the natural beauty of the seasons in Japan: the snow of winter, the moon of autumn and the flowers of spring. And such is the name chosen for this project revolving around two objectives: to highlight the beauty of Japanese craftsmanship through a minimalist aesthetic and to respond to Fueki Ryûkô’s (不易流行) philosophy, which could be summarized as « Continuity and Change ».

Source: Setsugekka

Minimalism or « Less is more » is what I call a return to the essential. This concept is deeply rooted in the Japanese culture marked by Zen Buddhism. In order to understand it, we have to leave our Western eyes and try to perceive its meaning through the eyes of the Japanese culture. Without going into detail because that is not the point, there are seven aesthetic principles in Zen philosophy including Kanso (簡素), simplicity. The latter makes sense in this initiative where each creation is free of any superfluous elements. By the same token, our daily life itself becomes simpler.

In addition, I think a second concept is perfectly illustrated by this project, that of Yûgen (幽玄), mysterious depth and consisting of feeling the hidden beauty. A beautiful example is no more and no less than the name « Setsugekka ». Everyone can imagine the beauty of cherry trees in spring. But broaden your horizons… Seasons come and go, landscapes change, shaped by the work of nature and man. These cherry trees that you imagine have a past, a present and a future. To feel it is, in my opinion, the perception of this hidden beauty. It is the same for these objects. The raw material has been worked, shaped to give it the desired form. Over time, it will also evolve, the beauty of use.

Source: personal photo

Fueki Ryûkô’s philosophy may seem complex but an example is better than a long speech. Handicrafts are, in my opinion, an important part of Japanese culture and as such, have an immutable essence. However, on several occasions, I have noticed that traditional craftsmanship sometimes struggles to find its place in our modern society. Thus, I think that the main challenge is to integrate changes, evolutions without changing the original form.

Therefore, this project aims to present the work of artists, craftsmen and companies immersed in the very heart of these reflections. You will find creations touching different materials, intended for different uses but all marked by the same desire to bring an aesthetic reduced to its purest essence and this will to integrate them in our daily life and by this way, to enrich it. I would go even further… It is not only about concepts embodied in the work of these men and women but also the transmission of values strongly rooted in Japanese culture.

This is particularly the case for the clothing brand IITO. Specialized in the manufacture of cotton clothes for nearly 70 years in the Kumamoto region, the clothes it offers are marked by a simplicity in the form but a technical research in order to bring softness, comfort, durability to its creations. You will find more information related to this brand in the article dedicated to it 😉

Source: IITO and Jennifer De la Rubia

This article is coming to an end but before I leave you, I also wanted to highlight the work of another one of these people who is putting her talent and know-how at the service of this project: Yuki Onizuka, a specialist in Yokoburi (横振り) embroidery, a term meaning horizontal swing.

A strange name to say the least, but patience. Let’s go back in time and precisely to the Taishô era (1912-1926), period during which this process was born. It would find its origin in the city of Kiryû in the current prefecture of Gunma and was mainly used for the embroidery of Buddhist altar objects and kimono.

Today, this craftswoman creates modern jewelry using a 70-year-old mechanical sewing machine! But unlike a conventional machine, the needle of this one moves from left to right, creating a kind of swing from which the technique takes its name.

At this moment, imagine the piece of fabric delicately placed on the workbench, the back and forth movement of the needle giving substance to the artist’s creation. Even more, the sounds produced by this machine activated by movements on the pedal, the lever… The scene comes to life and, in your turn, you can perceive its hidden beauty.

But beyond its original form, this technique is sublimated by the know-how and inspirations of this artist. Thus, she does not only reproduce a process, she enriches it. The result is unique pieces in which nature reveals itself with a lot of grace and softness. Nature is revealed to us in its simplest but magnificent simplicity.

Source: Yuki Onizuka

If you want to know more about Setsugekka, I invite you to visit their website: Setsugekka (setsugekka1911.jp)

You can also follow them on social networks via :

This fabulous initiative was embodied in three Pop-up Exhibitions held in Paris, Antwerp and London from January 07 to 22. Via Setsugekka’s Facebook page, you can discover the work of other talented artists ! On WalloNihon’s page, don’t hesitate to consult the post dedicated to my visit of the one in Antwerp: discoveries, meetings were there !

Source: personal photo
Artisanat, Culture, Découvertes

Le projet Setsugekka: la beauté minimaliste

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Setsugekka (雪月花), une appellation poétique désignant la beauté naturelle des saisons au Japon : la neige de l’hiver, la lune de l’automne et les fleurs du printemps. Et tel est le nom choisi pour ce projet s’articulant autour de deux objectifs : mettre en valeur la beauté de l’artisanat japonais à travers une esthétique minimaliste et répondre à la philosophie de Fueki Ryûkô (不易流行) que l’on pourrait synthétiser par « Continuité et changement ».

Source: Setsugekka

Le minimalisme ou « Less is more », moins c’est plus, est ce que j’appelle un retour à l’essentiel. Ce concept s’enracine profondément dans la culture japonaise marquée par le Bouddhisme Zen. Pour le comprendre, il nous faut délaisser notre regard d’Occidentaux pour tenter d’en percevoir la signification au travers de celui de la culture nipponne. Sans entrer dans les détails car ce n’est pas le but, il existe sept principes esthétiques dans la philosophie Zen dont le Kanso (簡素), simplicité. Cette dernière prend sens dans cette initiative où chaque création est libérée de tout élément superflu. Par la même, notre quotidien en devient lui-même plus simple.

En outre, je pense qu’un second concept est parfaitement illustré par ce projet, celui de Yûgen (幽玄), profondeur mystérieuse et consistant à ressentir la beauté cachée. Un bel exemple n’est ni plus ni moins que le nom « Setsugekka ». Chacun peut imaginer la beauté des cerisiers au printemps. Mais élargissez vos horizons… Les saisons se succèdent, les paysages évoluent, façonnés par l’œuvre de la nature et de l’Homme. Ces cerisiers que vous imaginez ont un passé, un présent et un futur. Le ressentir est, à mon sens, la perception de cette beauté cachée. Il en va de même pour ces objets. La matière première a été travaillée, façonnée pour lui donner la forme désirée. Au fil du temps, celle-ci aussi va évoluer, la beauté de l’usage.

Source: photo personnelle

La philosophie de Fueki Ryûkô peut paraître complexe mais un exemple vaut mieux qu’un long discours. L’artisanat est, à mon sens, un élément important de la culture japonaise et à ce titre, possède une essence immuable. Toutefois, à plusieurs reprises, j’ai constaté que l’artisanat traditionnel peine parfois à trouver sa place dans notre société moderne. Ainsi, je pense que le principal défi est d’y intégrer des changements, des évolutions sans en modifier la forme originale.

De ce fait, ce projet vise à présenter le travail d’artistes, d’artisans et d’entreprises plongés au cœur même de ces réflexions. Vous y trouverez des créations touchant à différentes matières, destinées à différents usages mais toutes marquées par ce même désir d’apporter une esthétique réduite à son essence la plus pure et cette volonté de les intégrer dans notre vie quotidienne et par là même, de l’enrichir. J’irais même plus loin… Il ne s’agit pas uniquement de concepts s’incarnant dans le travail de ces hommes et de ces femmes mais également la transmission de valeurs fortement ancrées dans la culture japonaise.

C’est notamment le cas de la marque de vêtements IITO. Spécialisée dans la fabrication de vêtements en coton depuis près de 70 ans dans la région de Kumamoto, les habits qu’elle propose sont marqués par une simplicité dans la forme mais une recherche technique afin d’apporter douceur, confort, durabilité à ses créations. Vous trouverez davantage d’informations liées à cette marque dans l’article qui lui est dédié 😉

Source: IITO et Jennifer De la Rubia

Cet article arrive à son terme mais avant de vous quitter, je souhaitais également mettre en lumière le travail d’une autre de ces personnes qui met son talent et son savoir-faire au service de ce projet : Yuki Onizuka, spécialiste de la broderie Yokoburi (横振り), un terme signifiant balancement horizontal.

Une appellation pour le moins étrange mais patience. Remontons dans le temps et précisément à l’ère Taishô (1912-1926), période durant laquelle ce procédé est né. Ce dernier trouverait son origine dans la ville de Kiryû dans l’actuelle préfecture de Gunma et était principalement utilisé pour la broderie d’objets d’autels bouddhiques et de kimono.

Aujourd’hui, cette artisane crée des bijoux modernes à l’aide d’un modèle de machine à coudre mécanique vieux de 70 ans ! Mais contrairement à une machine classique, l’aiguille de celle-ci se déplace de gauche à droite, créant une sorte de balancement duquel la technique tire son nom.

À cet instant, imaginez la pièce de tissu délicatement posée sur l’établi, le mouvement de va et vient de l’aiguille donnant corps à la création de l’artiste. Plus encore, les sons produits par cette machine actionnée par des mouvements sur la pédale, le levier… La scène prend vie et, à votre tour, vous pouvez en percevoir la beauté cachée.

Mais dépassant sa forme originelle, cette technique se voit sublimée par le savoir-faire et les inspirations de cette artiste. De ce fait, elle ne fait pas que reproduire un procédé, elle l’enrichit. Il en résulte des pièces uniques dans lesquelles la nature se dévoile avec beaucoup de grâce, de douceur. La nature nous est révélée dans ce qu’elle a de plus simple mais une magnifique simplicité.

Source: Yuki Onizuka

Si vous souhaitez en savoir plus sur Setsugekka, je vous invite à consulter leur site Internet : Setsugekka (setsugekka1911.jp)

Vous pouvez également les suivre sur les réseaux sociaux via :

Cette fabuleuse initiative s’est incarnée dans trois Pop-up Exhibition qui se sont tenus à Paris, Anvers et Londres du 07 au 22 janvier. Via la page Facebook de Setsugekka, vous pourrez découvrir le travail d’autres artistes talentueux ! Sur celle de WalloNihon, n’hésitez pas à consulter le post dédié à ma visite de celui d’Anvers : découvertes, rencontres ont été au rendez-vous !

Source: Photo personnelle
Culture, Découvertes

Centre Céramique : une fenêtre sur le Japon

Un commentaire

Le 16 avril, l’équipe de WalloNihon, représentée par Jennifer, Frédéric et moi-même est partie à la découverte des collections du Centre Céramique ainsi que de la magnifique exposition de photos qui nous immergea dans l’univers des Geisha.

Notre visite commença par un voyage dans le temps, à une époque où le Japon exerçait une influence majeure dans les arts décoratifs, poussant les artistes et artisans européens à rivaliser d’ingéniosité pour imiter ou s’inspirer des créations de leurs homologues japonais dans un pays qui, isolé pendant près de deux siècles, s’ouvrait au monde. La restauration Meiji débutait…

Les plus grands producteurs de céramique de Maastricht œuvrèrent pendant près d’un siècle, de 1868 à 1965, à la fabrication de faïences puis de porcelaines marquées par ce Japonisme. Sous les enseignements de Monsieur Dijkman, conservateur du Centre Céramique, nous découvrîmes l’histoire de cette formidable aventure qui nous ramena également en Belgique…

En 1868, Petrus Regout (1801-1878) créa un service au nom évocateur, « JAPAN », ce qui traça la route qu’allait prendre la production de céramique à Maastricht. Ce service est très intéressant car je pense que l’on ressent bien l’influence japonaise au travers de la couleur rouge, une probable évocation du rouge kaki caractéristique de la porcelaine japonaise.

Nous poursuivîmes notre visite et nous pûmes mesurer l’étendue de cette collection. Ainsi, cette autre production de Petrus Regout porte le nom de « WAAYER », éventail. Ce dernier est très courant dans l’art japonais, qu’il soit utilisé comme motif décoratif ou pour sa forme. Ce n’était donc pas un hasard que celui-ci soit repris et réinterprété dans la production de Maastricht. D’autres motifs ont également été repris comme la grue, le pluvier ou encore le bambou.

Toutefois, dans l’art japonais, les motifs décoratifs sont rarement utilisés pour cette fonction propre. Ils possèdent une symbolique qui se voit renforcée par l’ajout de motifs à la symbolique identique. Néanmoins, la décoration de ces céramiques ignore cet aspect, se concentrant sur le côté esthétique.

La société de Petrus Regout fut rebaptisée « De Sphinx » en 1899, en référence à la marque apposée sur les pièces et figurant un sphinx couché. Toutefois, cette société ne fut pas la seule à explorer les décors japonais. D’autres se lancèrent également dans la production de faïences, de porcelaines et ce fut le cas de la Société Céramique, de Frederik Regout, de Mosa ou encore de la société De Sphinx/Société Céramique, résultat de la fusion entre ces deux fabricants en 1958.

Mais arrêtons-nous un instant sur le nom de la Société Céramique. Comme vous pouvez le constater, ce nom français n’est pas dû au hasard et témoigne du lien qui exista entre la Belgique et Maastricht durant les XIXe et XXe siècle. En effet, à l’origine, cette manufacture est l’héritière d’une autre fabrique fondée en 1851 par deux entrepreneurs belges : Nicolas Winand Clermont et Charles Chainaye sous le nom de « Clermont & Chainaye ».

D’autres liens virent le jour et au regard de la passion que je porte pour l’art et l’artisanat, je citerai la manufacture de Nimy dont le savoir-faire n’est plus à démontrer et qui fut rachetée par la Société Céramique en 1921.

Revenons à notre visite et bien que l’objectif ne soit pas de dresser un historique complet de cette production, progressons dans le temps pour observer ces pièces. Produites par la Société Céramique en 1914 et offrant un magnifique camaïeu bleu, ces pièces connues sous le nom de décor « NIPPON » offrent une décoration pour le moins incontournable dans la culture japonaise : la geisha. J’attire également votre attention sur les frises qui encadrent les différentes compositions. Celles-ci pourraient également être une inspiration de l’art japonais au travers des frises dites « Hanabishi » (花菱).

Terminons sur ces pièces produites à l’occasion des Jeux Olympiques de Tokyo en 1964. Vous les reconnaissez, n’est-ce pas ? Il s’agit bien du décor « NIPPON » repris sous le nom « SAYONARA » mais traité dans un camaïeu de brun. À l’image des athlètes qui firent leurs adieux à leurs hôtes japonais à la fin des Jeux Olympiques, ici s’achève cette première partie, témoignant d’une aventure qui dura près d’un siècle.

Mais il est encore trop tôt pour vous faire nos adieux. Entrons maintenant dans l’univers intimiste des Geisha au travers de l’exposition de Monsieur Paul van der Veer.

La dernière photo de l’exposition figure la Geiko Kikuyae qui, au terme de la cérémonie de l’Erikae (襟替え), passe du statut de maiko à celui de Geiko. Le terme « Erikae » peut être divisé en deux termes : Eri (襟), col et Kae, du verbe Kaeru (替える), changer. Il se traduit donc par le changement de col qui revêt une symbolique très forte dans laquelle la maiko délaisse le col rouge et prend le col blanc de Geiko. Aboutissement d’un long et difficile apprentissage, cette photo incarne cet accomplissement.

Source: Paul van der Veer

Ainsi, Paul Van der Veer nous plongea dans l’intimité de ces femmes qui évoluent dans l’Okiya (置屋) Hanafusa (花ふさ) de Miyagawachô (宮川町), l’un des cinq Hanamachi (花街) de Kyoto. Créé en 1751 en tant que lieu de rencontre pour les artistes locaux, Miyagawachô est situé près du théâtre Kabuki Minamiza et doit son nom à une coutume du festival de Gion consistant à laver les palanquins sacrés du sanctuaire de Yasaka dans la rivière Kamo.

C’est dans ce quartier qu’évoluent les Geisha de la maison Hanafusa. Le terme de Geisha (芸者) est lui aussi très intéressant et peut se décomposer de la façon suivante : Gei (芸), art et Sha (者), personne. En l’occurrence, il s’agit donc d’une personne liée à l’art, une artiste.

De ce fait, tout au long de l’exposition et sous les explications de Monsieur van der Veer, nous découvrîmes ces femmes versées dans la culture traditionnelle japonaise au travers de l’étude et de la maitrise de la danse, du chant, du shamisen, de la cérémonie du thé.

Cet article est également l’occasion d’insister sur un élément très important. Les Geisha ne sont en aucune manière des prostituées. Elles sont souvent confondues à tort avec les Oiran (花魁), les courtisanes de haut rang célèbres durant la période Edo. Cette confusion se rencontre encore très souvent dans la littérature ou l’image du XXe siècle, comme le prouve l’exemple ci-dessous.

Carte postale ancienne. Oiran, XXe siècle

La parcours d’une Geisha est strict et éprouvant. Pour devenir une maiko, la candidate doit quitter la maison familiale et s’installer dans l’Okiya où commence la préparation, Shikomi (仕込み) pendant un an. Durant cette période, elle doit obéir aux règles établies par l’Okiya, s’initier à la danse et apprendre le dialecte de Kyoto. Après cette période, elle devient une minarai (見習い) et durant cette phase d’environ un mois, elle assiste aux soirées avec ses ainées qu’elle observe et étudie. Vient ensuite le moment où elle devient une maiko et se lie officiellement à l’une de ses ainées qui l’accompagnera dans ce monde hors du commun.

Maiko Kikusana

Source: Paul van der Veer

Bien plus qu’une exposition, chaque photo dévoile sa part du quotidien d’un univers mystérieux qui suscite la fascination.

Mais sans entrer dans l’idéalisation, Paul Van der Veer capte la vie qui suit son cours dans les murs de l’Okiya Hanafusa et il nous la transmet telle qu’elle est, c’est-à-dire vivante, humaine. Tout au long de notre visite, nous avons ressenti la passion avec laquelle il a travaillé et cette passion transparaît également dans chacun de ses clichés.

Maiko Kikusana

Source: Paul van der Veer

Cet article touche à sa fin et pourrait encore faire couler beaucoup d’encre tant le contenu de cette visite était riche et intéressant mais nous vous invitons à découvrir par vous-même le Centre Céramique et cette exposition de photos.

Et bonne nouvelle, l’exposition a été prolongée jusqu’au 26 juin alors n’attendez plus. Toutes les informations se trouvent en fin d’article.

Nous tenons à remercier Monsieur Dijkman ainsi que Monsieur Paul van der Veer qui nous ont accompagnés lors de cette visite et sans lesquels cet article n’aurait pu voir le jour. Ils nous ont transmis des savoirs, des expériences d’une grande richesse que nous espérons, à notre tour, vous avoir transmis.

N’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous pour de plus amples informations :

Culture, Découvertes

À la rencontre de Mizukawa Masashi

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みずかわまさしさんに会う

Bonjour à toutes et tous, l’équipe de WalloNihon et moi-même sommes très fiers de vous présenter l’interview que Mizukawa Masashi, chanteur et compositeur nous a accordé.

皆さん、こんにちは。WalloNihonチームと私が、歌手であり作曲家であるみずかわまさしさんに行ったインタビューをご紹介します。

Plus qu’une interview, je vous invite à découvrir l’homme et l’artiste.

インタビューを通して、この人、このアーティストを発見してください。

W. Merci d’avoir accepté de répondre à quelques questions. Nous aimerions que les membres de la communauté WalloNihon et plus largement le public belge vous découvre. Pourriez-vous vous présenter en quelques mots ?

W. 質問にお答えいただき、ありがとうございました。WalloNihonコミュニティのメンバー、そしてより広くベルギーの人々にあなたを発見してもらいたいと思います。一言で自己紹介をお願いします。

MM. Je suis Mizukawa Masashi, un chanteur/compositeur masculin du Japon. Je joue de la guitare, tantôt en la grattant, tantôt en la frottant, en tirant le meilleur parti du « son » que la guitare peut produire.

MM. 日本で活動してる男性シンガーソングライターのみずかわまさしと申します。時にはギターを叩いたり、さすったり、ギターから出せる「音」を最大限に駆使して弾き語ります。

W. Vous avez commencé la musique au lycée. Est-ce aussi à ce moment que vous avez commencé à écrire vos chansons ? Pourquoi avez-vous choisi la guitare ?

W. 高校時代から音楽を始めたそうですね。曲作りを始めたのもこの頃ですか？なぜギターを選んだのですか？

MM. J’ai commencé à écrire des chansons quand j’étais au lycée. À cette époque, la guitare acoustique était très populaire au Japon. J’ai été immédiatement fasciné par le son chaud et clair enveloppés dans une boîte en bois. Depuis lors, je suis obsédé par la coloration de ma musique à travers la guitare acoustique.

MM. 高校時代から曲作りを始めました。当時、日本ではアコースティックギターがとても流行していました。私も木の箱に包まれたアコースティックギターの、暖かみのある、透き通った音色にいち早く魅せられました。以来、今に至るまでアコースティックギターを通して私の音楽を彩ることにひたすらこだわり続けています。

W. Dans votre dernière chanson, vous parlez de l’histoire d’une Oiran. Pourquoi avez-vous choisi ce thème ? Plus largement, quelles sont vos sources d’inspirations ?

W. 最新の曲で、花魁の話をされていますね。なぜこのテーマを選んだのですか？インスピレーションの源は何ですか？

MM. L’inspiration pour cette chanson est venue d’un rêve que j’ai fait. Un jour, j’ai fait un rêve dans lequel le refrain de cette chanson était joué. Lorsque je me suis réveillé de mon rêve et que j’ai entendu la mélodie, j’ai eu le flash d’une courtisane dansant sur la scène. Plus tard, lorsque je me suis rendu dans une librairie d’occasion pour en savoir plus sur les courtisanes, je suis tombé sur une magnifique courtisane de la période Edo appelée « Komurasaki ». C’était ça ! J’étais convaincu que c’était la bonne et je n’ai pas hésité à en faire le personnage principal. J’ai écrit les paroles en me basant sur sa vie et son histoire d’amour. Cette chanson parle de son amour tragique et de la façon dont elle devient un démon.

MM. この曲のインスピレーションの源は、なんと私の見た「夢」なんです。ある日見た夢の中でこの曲のサビの部分が流れていました。私が夢から覚めて、このメロディを口ずさむと、舞台の上で踊る花魁がパッと閃いたのです。後日、古書店に出向き花魁について学んでいると「小紫」という江戸時代の美しい花魁に行き当たりました。私はこれだ！と確信し迷わず彼女を主人公にしました。そして彼女の半生と恋物語をモチーフに作詞作曲に至りました。この曲は悲恋に狂い、鬼と化す彼女を歌っています。

W. Vous avez donné de nombreux concerts au Japon. En 2016, j’ai lu que vous aviez organisé un mini-concert pour des enfants souffrant de troubles du développement. Qu’est-ce qui vous a poussé à mener ce projet ?

W. 日本では多くのコンサートを開催されていますね。2016年には、発達障害の子どもたちのためのミニコンサートを開催されたとのことですが、このプロジェクトを行うきっかけは何だったのでしょうか？

MM. Ce concert a été prévu non seulement pour les enfants souffrant de troubles du développement, mais aussi pour leurs parents. Le frère de ma femme est autiste et ma belle-mère m’avait dit combien il était difficile d’élever un enfant handicapé. Elle m’a dit qu’elle n’avait plus le temps d’apprécier la musique depuis longtemps, alors j’ai décidé d’organiser ce concert pour que les parents et leurs enfants puissent profiter de mes contes.

MM. このコンサートは、私の歌で発達障害のこども達のみでなく、その親の為に立案企画いたしました。実は妻の兄が自閉症で、私は義理の母から、障害のあるこどもの子育ての大変さを聴いていました。ずっと音楽を楽しむ余裕がなかったというエピソードを聴き、親子で私の弾き語りコンサートを楽しんでもらいたいと開催に至りました。

W. Comment imaginez-vous la suite de votre carrière ? Envisageriez-vous des concerts en Europe et en Belgique ?

W. ご自身のキャリアをどのように考えていらっしゃいますか？ヨーロッパ、ベルギーでのコンサートは考えていらっしゃいますか？

MM. Je crois, par expérience, que la musique peut transcender les frontières et toucher le cœur des gens, même si la langue est différente. Je crois aussi que les histoires en direct plaisent aux gens plus que toute autre forme de musique. C’est pourquoi j’aimerais me rendre dans le plus grand nombre d’endroits possible pour diffuser mes récits. En tant qu’artiste indépendant, je ne suis pas encore très connu au Japon. Je continuerai à faire de mon mieux pour faire connaître ma musique !

MM. 言語は違えど、音楽は国境を超えて、人の心に刺さると実体験より信じてます。また目の前で聴かせる生弾き語りがどの音楽より訴えると思います。そのため出来る限り、あらゆる場所に出向き、弾き語りを広げて行きたいと考えています。個人で活動している為、日本での知名度はまだまだです。これからも私の音楽を広めるべく頑張っていきます！

W. Y-a-t-il un message que vous aimeriez adresser à la Belgique ?

W. ベルギーに送りたいメッセージはありますか？

MM. La Belgique est une terre de gastronomie. Au Japon, elle est célèbre pour son chocolat, ses gaufres et sa bière. En particulier en ce qui concerne le chocolat, les produits belges sont désormais reconnus comme les « vrais » produits. J’aimerais beaucoup m’y rendre dans un avenir proche. La Belgique est un pays qui conserve les bonnes vieilles traditions et qui continue à se développer, je m’en sens donc proche. Personnellement, j’aimerais en savoir plus sur la Belgique, ses traditions et ses légendes qui ne figurent pas dans les guides. Enfin, j’espère que la musique de Mizukawa Masashi donnera aux Européens, notamment aux Belges, un avant-goût du Japon. Merci à tous pour votre soutien !

MM. 美食の国ベルギー。日本ではチョコレートやワッフル、ビールが有名です。特にチョコレートに関してはベルギー産が「本物」として認知されるに至ります。是非とも近い将来訪れてみたいです。ベルギーは古き良き伝統を守りつつ発展し続けている国で親近感があります。個人的にはガイドブックにはないレアなベルギーの新鮮な情報、また知られざるベルギーの伝統や伝説などを知りたいです。最後に、ヨーロッパ、特にベルギーの方にみずかわまさしの音楽から、少しでも日本を感じて頂けたらと思います。皆さん、応援よろしくお願いいたします！

L’équipe de WalloNihon vous remercie pour le temps que vous nous avez accordé. Nous remercions également Sanae san pour son aide et sans laquelle cet article n’aurait pas été possible.

WalloNihonチーム、お疲れ様でした。また、この記事はサナエさんの協力なしには成り立たなかったと感謝しています。

Si vous souhaitez en savoir plus sur Mizukawa Masashi, n’hésitez pas à suivre les liens ci-dessous / みずかわまさしさんのことをもっと知りたい方は、以下のリンクをご参照ください。

Vous pouvez également suivre Sanae san sur son compte Instagram : サナエさんのインスタグラムアカウントでもフォローできます : @shimashima9900

Activités, Arts culinaires, Découvertes

Atelier de fabrication de miso chez Nuu Miso

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Bonjour à tous,

En octobre 2021, Ombline et moi avons eu la chance de participer au tout premier atelier de fabrication de miso organisé par Nuu Miso. Ce fut une très belle expérience gustative, l’accès à une multitude d’informations et surtout, une belle rencontre.

Nous avons été accueillies par Hiro san qui a eu à cœur de nous transmettre sa passion, ses connaissances et sa gentillesse.

Je vous présente Hiro san

Elle a commencé par nous expliquer comment est née l’aventure « Nuu Miso ».

Dans nos contrées, le seul miso qu’on peut trouver est importé du Japon, soit il est pasteurisé ou s’il ne l’est pas, il a subi un traitement ou un ajout d’additif qui stoppe la fermentation.

L’équipe de nuu miso a donc voulu retrouver le vrai bon miso traditionnel et vivant, d’abord par passion plus que pour le côté commercial. Ils souhaitent avant tout partager leur savoir-faire. Ils ont également fait le choix de n’utiliser que des ingrédients bio.

TOUT D’ABORD, QU’EST-CE QUE LE MISO ?

Le miso ( 味噌・みそ) est un aliment qui se présente sous forme de pâte fermentée, à haute teneur en protéines, de goût plus ou moins prononcé selon la fermentation et relativement salé.

Il y a trois grandes catégories de miso : le miso de riz (riz et soja), le miso d’orge (orge et soja) et le miso de soja (uniquement soja). Et il y a encore plusieurs sous catégories selon la région ou la durée de fermentation (blanc, rouge, jeune, mi-vieux, vieux, doux, brut, etc.). On peut également fabriquer du miso avec d’autres légumineuses telles que le pois chiche ou les lentilles.

La fabrication du Miso est un savoir-faire particulier : c’est une alimentation vivante, incluant des procédés qui évoluent selon les conditions de fabrication. Le miso est fermenté dans une pièce où il y a des fluctuations de température qui influencent le miso, lui-même étant composé de bactéries vivantes .

Anciennement au Japon, chaque foyer et chaque région avait sa propre recette de miso.

Particularité propre à nuu miso, les fûts de fermentation :

Traditionnellement, les fûts de Saké en bois étaient toujours recyclés par les ateliers de fabrication de shoyu ou miso. La vie du fût en bois durait environ 30 ans chez le fabriquant de saké, puis 100-150 ans dans les ateliers de miso ou de shoyu. Ainsi, les artisans pratiquaient le recyclage des fûts de bonne qualité.

Nuu miso fait renaître cette pratique traditionnelle avec des fûts de vin en bois : les fûts s’enrichiront de plus en plus de bonnes bactéries au fur et à mesure de leur utilisation, donnant un goût particulier au miso. Cela donne ainsi un miso unique, « travaillé » avec du vin européen !

PASSONS A LA FABRICATION…

PREMIERE ETAPE : LE KOJI

Préparer le miso n’est pas une mince affaire ! Il faut commencer par une étape très difficile mais importante : la préparation du koji. L’équipe de Nuu Miso doit le produire elle-même car on n’en trouve pas chez nous.

Le koji est du riz cuit à la vapeur puis ensemencé à l’aide du champignon microscopique Aspergillus oryzae qu’on ne trouve qu’au Japon. La fermentation du koji dure 3 jours et il faut respecter une procédure, une température et un niveau d’humidité précis.

Notons qu’il est possible de faire du koji avec d’autres plantes comme l’orge ou le soja…

Avant qu’on lui ajoute du sel pour stabiliser sa fermentation, le koji a un étonnant goût sucré qui m’a beaucoup plu personnellement.

Le koji est capital car il sert d’amorce à la fermentation du miso mais il a également beaucoup d’autres applications importantes telles que l’élaboration de l’amazaké (boisson de riz pas ou peu alcoolisée), le mirin, le shoyu (sauce soja) et bien sûr, le célèbre saké ! Il y a encore beaucoup d’autres possibilités gourmandes ! Le koji est donc vraiment fondamental dans la gastronomie japonaise.

Permettez-moi de faire une toute petite parenthèse sur le saké…   
Au Japon, le terme « Saké (酒) » désigne l’alcool au sens large. Ce que nous appelons « Saké » pour indiquer l’alcool issu de la fermentation du riz se nomme en réalité « Nihonshu (日本酒) » et il titre entre 14° et 17°.

Notons encore que le saké japonais (nihonshu) n’a absolument rien à voir avec le saké qui nous est proposé dans les restaurants chinois chez nous. Celui-ci est en réalité du « Baiju » (白酒 – alcool blanc), un alcool distillé qui titre entre 40° et 60°…
DEUXIEME ETAPE : LE SOJA

Maintenant que le koji est prêt, il faut préparer les fèves de soja… Après le trempage durant de longues heures vient le moment de les cuire. La durée de la cuisson est assez longue et dépend surtout des fèves utilisées, leur degré de déshydratation, etc. Le soja est cuit quand on peut l’écraser entre les doigts.

Après l’avoir égoutté et tant qu’il est chaud, il faut le réduire en purée. Pour nous aider, l’usage de mixers est vraiment bienvenue car la fève de soja, même correctement cuite est tout de même un peu résistante. On s’y met ensemble à tour de rôle…

TROISIEME ETAPE : L’ASSEMBLAGE

C’est maintenant l’heure de réunir les différents ingrédients. En plus du koji et du soja, il faut ajouter du sel dans des proportions très précises. La quantité de sel diffère en fonction du poids total du koji (et donc de son taux de sel déjà présent) et du soja (pesé à sec). Il faut également tenir compte de la durée de fermentation souhaitée, moyenne ou plus longue.

Ce sont vraiment des calculs savants pour déterminer le grammage exact de chaque ingrédient. Attention à ne pas oublier d’ajouter un peu de vieux miso pour faciliter et accélérer la fermentation.

Autre point important, chacun doit mettre la main à la pâte, littéralement. Ombline s’est prêtée à mon objectif pour la photo mais nous avons tous malaxé le mélange. Hiro san nous a expliqué que les bactéries présentes sur nos mains (lavées bien sûr) ont une influence notable sur le goût final du miso.

Ainsi, à recette rigoureusement identique, le goût final sera différent selon les personnes qui auront préparé le miso. Hiro san nous a encore dit que dans certains villages du Japon, traditionnellement, lors de la préparation annuelle du miso, il était très important que chacun des habitants participe à cette étape du processus.

Cette information culturelle ouvre sur une dimension communautaire du miso que je ne soupçonnais absolument pas. Cela m’a fait saisir encore plus l’importance du miso, pas seulement dans la cuisine, mais dans la culture japonaise en général et cela m’a beaucoup touchée.

Voici à quoi ressemble le miso à cette étape. Les grains de koji, parfaitement visibles à ce stade, disparaîtront pendant la fermentation
QUATRIEME ETAPE : LA FERMENTATION

Une fois que la préparation a bien été mélangée et malaxée par chaque personne, il faut mettre le tout nouveau miso dans un récipient pour qu’il puisse reposer et fermenter. Lorsque l’on goûte le miso à cette étape, il est extrêmement salé mais bien entendu, son goût va s’affiner avec le temps.

Hiro san nous met en garde au moment de mettre le miso dans le récipient (désinfecté au saké): le miso n’aime pas l’oxygène ! Il faut à tout prix faire en sorte de bien tasser des boulettes de miso progressivement avec le poing afin d’éviter toute bulle d’air à l’intérieur du pot.

Quand le récipient est bien rempli, on ajoute une bonne couverture de sel par-dessus le miso pour le protéger et on ferme avec le couvercle. Ensuite on le place dans un endroit à température ambiante et on n’y touche pas.

Après 4 mois, il faut enlever la couche de sel et retourner le miso dans sa boîte puis on le laisse à nouveau reposer pendant encore au moins 4 mois. A l’issue de ces longs mois d’affinage, le miso est prêt et peut offrir son goût délicieux et ses bienfaits. Pour stopper la fermentation quand il est « à point », il convient alors de le mettre au frigo.

A l’heure où j’écris ces lignes, mon miso n’a pas encore 4 mois et je ne peux donc pas vous montrer mais je ferai une mise à jour à ce moment-là. Rendez-vous en février 2022 😉

UPDATE: Nous voici en février 2022, mon miso a maintenant 4 mois et je l’ai retourné, comme prévu.

Tout d’abord, il faut retirer la couche de sel protectrice…

L’opération s’est déroulée sans encombre

Voici ce que j’ai pu observer en retournant mon miso:

  • La couleur a évolué et il est devenu un peu plus « doré »
  • Le koji est encore visible mais est déjà plus discret par rapport au moment de la fabrication
  • La consistance fait penser à une crème très épaisse et compacte
  • Le miso a une bonne odeur
  • Il a déjà un bon goût même si on sent qu’il est encore trop jeune

Ce miso promet d’être fantastique et j’ai hâte qu’il arrive à maturité ! Je vous donne maintenant rendez-vous entre juin et août 2022 pour voir comment mon miso aura évolué.

Petit aparté :
Après une très longue fermentation, un liquide apparaîtra en plus du miso, ce liquide c’est le tamari. Ce tamari ressemble à s’y méprendre à la célèbre sauce soja (shoyu en japonais) mais quelle est la différence entre les deux ? 

Le shoyu, bien que largement utilisé au Japon, est d’origine chinoise et contient du blé pour adoucir son goût. Le tamari, lui, est un produit d’origine purement japonaise et possède un goût plus riche mais contient également plus de sel. Notons qu'il a l’avantage d’être sans gluten et donc, sans danger pour les intolérants.
CINQUIEME ET DERNIERE ETAPE : LA DEGUSTATION

Hiro san nous a préparé une délicieuse soupe miso avec du bouillon dashi, des haricots de soja, de la patate douce, des champignons et bien entendu… du miso ! Pour cette soupe, elle nous a fait découvrir le miso de pois chiche et c’était vraiment délicieux.

Pour accompagner, nous avions du riz avec du kurumi miso, un condiment à base de miso sucré aux noix, c’était d’une gourmandise incroyable, j’ai adoré !

Bien entendu, le miso de soja est lui aussi à tomber par terre ! J’en ai d’ailleurs acheté un peu pour pouvoir déjà en profiter en attendant que mon bébé miso s’épanouisse… Je ne me vois plus acheter du miso dans le commerce, tant le miso de chez Nuu Miso est sans comparaison. J’en bave rien que d’y penser hi hi hi

D’un point de vue cuisine, sachez que le miso peut remplacer avantageusement le sel ! Il apporte un goût plus complexe, plus riche. On peut par exemple donner du caractère à une sauce bolognaise en ajoutant du miso dedans. N’hésitez pas à faire des expériences !

POUR ALLER PLUS LOIN…

Le miso vivant a beaucoup de bienfaits pour la santé physique : il contient beaucoup d’acides aminés, vitamines, et minéraux. Par la richesse des bactéries qu’il contient, il renforce la flore intestinale.

Les études au Japon ont déjà montré que les personnes qui mangeaient du miso tous les jours avaient moins de chance d’être atteintes de maladies comme : cancer, hypertension, artériosclérose, ulcère gastro-duodénal, de l’estomac, etc. Il a un effet antioxydant, donc anti-vieillissement, qui va renforcer le système immunitaire.

Le miso de Nuu miso est bon pour le côté social et environnemental : « Nuu miso contribue aux circuits courts en privilégiant les matières premières locales et issues de l’agriculture biologique (notre soja bio est cultivé en Belgique). Nous sommes très sensibles à l’économie durable et à l’écologie, qui sont aussi à la base de notre projet : sensibiliser en proposant une solution concrète. En plus, dans la fabrication de miso, il n’y a (quasiment) aucun déchet ! »

Pour en découvrir plus, je vous invite à visiter…

Gochisousama deshita!

Activités, Culture

Interview de Francesco Serafini: Japan Film Festival de Bruxelles

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Le rideau est sur le point de se fermer sur cette première édition du Japan Film Festival de Bruxelles… Toutefois, nous ne pouvions pas vous laissez partir sans vous proposez l’interview que nous a accordé Francesco Serafini, l’un des organisateurs de cet événement.

Sans plus attendre, voici le résultat de cette entrevue très conviviale et surtout très riche !

W : Quel est votre parcours ? Comment est né l’intérêt que vous portez au cinéma japonais ou, plus largement, à la culture japonaise ?

F : Je suis photographe de formation et de profession. J’ai eu l’occasion de collaborer comme photographe avec l’Institut de culture du Japon pour les 150 ans de l’amitié belgo-japonaise. Toujours avec ce même Institut, j’ai eu le plaisir de présenter mon travail lors d’un vernissage. En outre, il y a 5 ou 6 ans, l’Institut proposa des rétrospectives gratuitement. Grâce à cela, j’ai découvert de vrais bijoux, notamment une trilogie « Always – sunset on third street » qui est elle-même basée sur un manga.

F : Étant marié avec une citoyenne japonaise, j’ai eu l’occasion d’effectuer de nombreux voyages. Je suis également un cinéphile et sans fausse modestie, j’ai une grande connaissance du cinéma. Dans mon parcours, je me suis retrouvé au Bifff où j’ai fait la connaissance de Freddy et je lui ai exposé mon point de vue. En effet, on parle de cinéma coréen, chinois mais il n’y avait rien sur le cinéma japonais. Grâce au Bifff, j’ai pu rencontrer plusieurs metteurs en scène japonais et je me suis rendu compte qu’en Europe on ne connaissait que les grands maitres du cinéma japonais : Kurozawa, Mizoguchi, etc. mais qui peut me citer un grand nom du cinéma contemporain ?

W : Quels étaient les objectifs que vous poursuiviez au travers de ce festival ?

F : L’objectif principal était de faire de ce festival un événement familial et donc de montrer un énorme éventail des capacités cinématographiques japonaises.

F : Un second objectif était de mettre en avant de nouveaux metteurs en scène car le cinéma japonais continue d’évoluer même si près de 99% du cinéma japonais est basé sur des animés, des manga, comme l’exemple que je citais tout à l’heure. Le lien entre le cinéma et les manga est encore très présent.

F : Outre le cinéma, un troisième objectif était de montrer que la culture japonaise n’est pas que réservée aux citoyens japonais mais qu’il y un échange avec notre culture belge et que nous pouvons également l’intégrer.

W : Comment avez-vous mis en œuvre votre projet ?

F : Cela a été très difficile pour plusieurs raisons. Au début, tout se mettait en place progressivement, les sponsors étaient très réceptifs puis le Covid est arrivé et ils se sont retirés petit à petit. L’abandon progressif des sociétés qui souhaitaient nous soutenir m’a choqué. Ce qui nous a sauvé, ça été le soutien de Tour & Taxi qui nous a permis de raviver un sursaut d’intérêt mais le festival était déjà bien avancé. Bien que la Japan Fondation et la ville de Bruxelles nous aient subsidiés, nous avons dû investir des liquidités personnelles. F : La seconde difficulté fut le fait qu’il s’agissait d’une première édition et que cela suscitait une certaine méfiance.

W : Tout au long de votre projet, quels sont les aspects positifs que vous en avez retiré ?

F : Personnellement, j’ai beaucoup appris grâce à Freddy sur la mise en place d’un festival, les pièges à éviter.

F : Un autre point positif tient dans cette première édition. Il y a eu des erreurs et c’est donc l’occasion de les corriger pour la prochaine édition. En outre, j’ai beaucoup apprécié certaines collaborations que j’ai envie de maintenir pour le futur. Par exemple, l’équipe en charge de la gestion de Tour & Taxi car il faut le dire, le site est magnifique et pouvoir entendre les réactions du public lorsqu’ils entraient dans la salle en disant « Wouahh », ce fut gratifiant. F : J’ai eu la chance de voir énormément de films et l’ambassade du Japon en Belgique a été très satisfait de la programmation proposée lors de ce festival.

W : D’un point de vue organisationnel, quelles sont les difficultés que vous avez rencontrées ?

F : Le fait que ce soit une première édition. C’était une nouveauté, cela n’existait pas avant. À cela est venu s’ajouter le Covid. Maintenant, nous avons ouvert une porte avec ce festival et la refermer maintenant serait un gâchis phénoménal.

F : Un autre point est que nous étions deux organisateurs et avec le recul, cela fut une difficulté hors norme.

W : Nous avons assisté aux activités mais par moment, nous avons été choqués par le manque de respect de certaines personnes.

F : Le cyclisme, c’est très bien mais certains cyclistes n’ont pas du tout été respectueux, c’est vrai. Tour & Taxi et moi-même en avons discuté et avons décidé de bien corriger cette erreur pour la prochaine édition.

W : Si c’était à refaire, quels changements apporteriez-vous changeriez-vous ?

F : J’aimerais raccourcir la prochaine édition et la ramener à une durée de 5 jours incluant un week-end. J’aimerais également inclure une thématique pour canaliser toute l’énergie japonaise et pour répondre à cette volonté d’échange entre le Japon et la Belgique/l’Europe. Ainsi, j’ambitionne de développer la cuisine l’année prochaine. À première vue, cela pourrait passer pour un sujet passe-partout mais que connaissons-nous en Europe de la cuisine japonaise ? Les sushi, les sashimi… Je pense que l’on ne connait que 10% de la cuisine japonaise.

F : Le festival mettra en parallèle films récents et vieux films et ces derniers seront consacrés à la cuisine. Par exemple, il y a « Tampopo » de Itami Juzo qui est un magnifique film et dans lequel on peut découvrir plusieurs acteurs qui ont connu un grand succès par la suite ! 

F : Mon fils de 7 ans m’a également soufflé une idée que j’ai envie de réaliser : une compétition de mangeur de sushi. En Europe, cela n’existe pas alors que ça pourrait être génial ! Il y a énormément de possibilités !

W : Voudriez-vous vous exprimer sur un autre sujet ?

F : Je pense qu’il faut connaitre ses pairs, connaître les grands maitres du cinéma japonais mais il ne faut pas oublier ses contemporains.

F : À côté de la seconde édition de ce festival, j’ai l’intention de créer un Pokemon Day en février 2022. Cela n’existe pas non plus ! Cela se fera à Tour & Taxi avec projection de films Pokemon, échange de cartes, etc…

F : La seconde édition est déjà en route et j’ai plusieurs idées. J’aimerais monter deux autres sections : les court-métrages et les documentaires en mettant en parallèle la vision japonaise et européenne. Par exemple, une heure de court-métrage européen ou belge sur la vision du Japon et inversement. Je pense que cela serait très parlant pour mettre en avant les échanges entre nos deux cultures.

F : Mon but maintenant est de réunir une équipe de passionnés, de personnes qui ont envie de faire un festival tout en liant la culture et le marketing qui, je le pense, sont tout à fait conciliables.

W : Merci pour le temps que vous nous avez accordé. L’équipe de WalloNihon ne manquera pas de suivre avec la plus grande attention la prochaine édition.

Si le cinéma japonais vous passionne et que vous souhaitez vous investir dans cette seconde édition, n’hésitez pas à prendre contact avec notre équipe qui ne manquera pas de relayer vos souhaits !

Vous pouvez également trouver plus d’informations sur la page Facebook du festival et son compte Instagram.

Facebook: Japan Film Festival Brussels | Facebook

Instagram: japanfilmfestivalbrussels

Si vous souhaitez découvrir les trailers des œuvres cinématographiques citées lors de cette interview, n’hésitez pas à consulter les liens ci-dessous.

Activités, Culture, Découvertes

Démonstration de kimono au Japan Film Festival in Brussels

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Konnichiwa,
Il est temps de vous parler de ce que nous avons découvert avec beaucoup de plaisir lors des activités culturelles organisées autour du Japan Film Festival in Brussels.


Il y a beaucoup de choses à dire et c’est pourquoi nous avons pris la décision, Sébastien et moi, pour ces articles à 4 mains, de vous présenter une activité à la fois.

Pour commencer, celle pour laquelle nous avons fait le déplacement : la démonstration de Kimono avec Madame Hiromi Fujiwara avec l’aide du CISM.be. Vous trouverez toutes les données de contact à la fin de l’article.

Une chose est sûre, on n’a pas du tout regretté d’être venus ! Cette démonstration de kimono était vraiment instructive et intéressante, sans parler de la beauté des tissus…


Je tiens à souligner que les Japonaises venues donner les explications, pendant que madame Hiromi s’affairait, ont fait l’effort de présenter à la fois en français et en néerlandais. Cela m’a beaucoup touché car cela démontrait une volonté de rendre l’art de porter le kimono accessible au plus grand nombre !


Sans plus attendre, voyons ensemble quelques informations générales si vous le voulez bien…


Tout d’abord, le mot « kimono » signifie « quelque chose que l’on porte [sur soi] » et désigne un vêtement en forme de T avec des manches tombantes que l’on noue à la taille au moyen d’une ceinture « Obi ».

Historiquement, l’étude du terme de « kimono » est très intéressante. En effet, Madame Nagasaki Iwao, dans l’Introduction du livre intitulé « Kimonos » et paru aux éditions « La bibliothèque des Arts » en 2015, nous dit ceci : « Le terme « kimono » apparait pour la première fois dans les sources documentaires du XIIIe siècle.

Il se réfère alors à l’habillement en général, plutôt qu’à un type particulier de vêtement. Pendant la période Momoyama, le mot figure dans les rapports des missionnaires portugais pour décrire la forme et l’apparence spécifique, suggérant qu’à ce moment-là, le kimono était devenu synonyme de « Kosode ».

Mais qu’est-ce qu’un « Kosode » (小袖) ? Il s’agit d’un terme générique qui désigne tous les vêtements longs fabriqués avant l’ère Meiji (1868-1912) et qui signifie littéralement « petites manches », renvoyant aux ouvertures relativement étroites pour le passage des mains et des bras. De ce fait, il ne fait pas référence à la longueur de celles-ci.

Son emploi remonte à la période Heian et était porté par l’aristocratie comme vêtement de dessous. La mode vestimentaire évolua au fil du temps et le « kosode » incarna le reflet des changements politiques d’une société en mouvement pour devenir petit à petit le principal vêtement extérieur utilisé dans toutes les couches de la société à partir du XVIe siècle.

Comme l’auteure de l’extrait le souligne, on assiste à un glissement de signification entre les termes de « Kosode » et de « Kimono ». Elle poursuit en précisant « Mais c’est véritablement au cours de la période Edo que l’emploi de ce dernier se généralisa ». Au vu de ces informations, il existe donc une filiation directe entre ces deux notions.

Autrefois vêtement quotidien des Japonais, il n’est plus porté, malheureusement, que pour les occasions, les fêtes, les moments solennels, etc. C’est pourquoi, c’est si important de le (re)découvrir !

Bon à savoir…

Précisons que, contrairement à notre habitude occidentale, le mot kimono ne doit pas être confondu avec le nom des vêtements utilisés pour les arts martiaux (judôgi, karategi,…).

Il est important de savoir qu’il faut impérativement mettre le pan de tissu gauche par-dessus le droit ! Le contraire est réservé aux personnes défuntes…

Kimono ou Yukata?

N’étant pas habitués, nous, Occidentaux, pourrions facilement confondre le kimono et le yukata qui sont pourtant bien différents !

Le kimono est fait dans un tissu précieux, généralement de la soie et richement décoré. Il se porte obligatoirement par-dessus un sous-vêtement nommé « nagajuban » qui a pour mission de protéger le kimono de la transpiration entre autres.

D’ailleurs, on l’aperçoit au niveau du col, c’est la doublure blanche sous le beau tissu du kimono.

Avec le kimono, on porte également des tabi blanches (chaussettes avec une séparation entre le gros orteil et les autres) et des geta (sandales en bois avec une lanière passant entre le gros orteil et les autres). Le kimono est porté pour des occasions formelles.

Le yukata, en revanche, est un vêtement décontracté, généralement en coton qui se porte sans « nagajuban » ; les tabi ne sont pas obligatoires.

Pour encore un peu corser l’histoire, sachez qu’il y a plusieurs sortes de kimono mais nous n’allons pas toutes les détailler ici. Retenons déjà celles-ci :

  • Kurotomesode : kimono noir avec des motifs uniquement sous la taille, réservé aux femmes mariées. Utilisé pour les occasions très formelles.
  • Tomesode : Kimono d’une autre couleur que le noir avec des motifs uniquement sous la taille, réservé aux femmes mariées. Utilisé pour les occasions formelles
  • Furisode : Kimono aux motifs plus colorés, ayant de plus longues manches, réservé aux femmes célibataires et jeunes (avant la trentaine). Utilisé pour les occasions formelles
A gauche : yukata – A droite : kimono furisode

Arrêtons-nous un instant sur les motifs décoratifs. Reconnaissez-vous la fleur ci-dessous ? Il s’agit de l’espèce considérée comme la reine des fleurs, la pivoine, « Botan » (牡丹).

Emblématique du printemps, ces pétales créent une impression de grande dignité et de prospérité.

C’est bien beau tout ça mais comment le porte-t-on, ce kimono ?

Grâce à Hiromi-san et ses amies du CISM.be, on a vu à quel point c’est technique et précis de revêtir un kimono. Voyez plutôt :

Notez le Kurotomesode porté par Hiromi-san

Elles nous ont expliqué que la silhouette idéale pour que le kimono tombe bien est une silhouette cylindrique.

Pour cette raison, on attache des essuies à la taille de cette jeune dame pour combler le creux naturel à ce niveau. On utilise des cordons pour bien les fixer, il ne faudrait pas qu’ils tombent !

A l’étape suivante, on ferme le nagajuban en prenant bien soin de croiser le pan gauche au-dessus du droit. On utilise de longues et fines bandes de tissu pour bien le fermer.

Il est temps de mettre le kimono proprement dit. Notons que le tissu est trop long et arrive au sol. C’est tout à fait normal, cela permet d’ajuster le vêtement à la hauteur de la personne qui le porte.

Pour se faire, on utilise de nouveau de longues bandes de tissus, deux pour être exact. Une par-dessous pour ajuster la hauteur et une par-dessus pour bien maintenir le tissu et que le tout ne s’ouvre pas.

Remarquons les très belles fleurs de cerisier qui ornent ce kimono.

Du fait de sa durée de vie éphémère, elle est souvent comparée aux samouraïs qui étaient prêts à mettre leur vie en péril pour leur maître, ce qui en fait donc un important symbole de loyauté.

Dans les représentations artistiques, les fleurs de sakura ressemblent à s’y méprendre aux fleurs de prunier mais la différence la plus facilement reconnaissable est que la fleur de cerisier présente un léger retrait au centre de chaque pétale, tandis que les pétales de la fleur de prunier sont parfaitement ronds. Maintenant, vous ne pourrez plus vous tromper 😉

Reprenons notre premier mannequin pour voir la dernière étape de l’habillage avec le kimono : la mise en place de la ceinture obi et de son noeud à l’arrière.

On utilise un obi-makura, petit coussin (ici en vert pâle) afin de donner du volume au noeud de l’obi et aider à le maintenir. On termine en nouant l’obijime (dans les mains de Hiromi-san), un cordon décoratif en soie. Il termine joliment la tenue et maintient en place l’obi.

Voici le noeud de l’obi terminé. C’est beau n’est-ce pas?

Pour aller plus loin…

Il faut beaucoup de savoir-faire pour réussir à bien mettre en place le kimono et nouer joliment l’obi.

Hiromi-san donne d’ailleurs des cours pour enseigner cela et se fait un plaisir de partager ainsi sa culture. Qui parmi vous voudrait assister à l’un de ces cours ?

Si vous êtes intéressé(e)s par le sujet des kimono, voici quelques liens pour pouvoir prendre contact avec Hiromi-San ou ses amies du CISM.be:

Instagram de Madame Himori: https://www.instagram.com/kimono_madamehiromi/?hl=fr

Boutique de Madame Himori sur Instagram: https://www.instagram.com/lartdukimono/?hl=fr

Compte Facebook de Madame Himori: https://www.facebook.com/hiromi.fujiwara.902

Boutique de Madame Himori sur Facebook: https://www.facebook.com/search/top?q=l%27art%20du%20kimono

Page Facebook du CISM.be:

https://www.facebook.com/cism.be